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Uma breve história de Sword of Sodan - o primeiro lançamento verdadeiramente importante de um jogo dinamarquês

palle@gamereactor.pt (Palle Havshøi-Jensen) — Thu, 09 Apr 2026 13:00:00 +0200

O jogo de ação hack-and-slash Sword of Sodan foi lançado pela primeira vez no Commodore Amiga há 38 anos e provavelmente pode ser descrito como o primeiro lançamento verdadeiramente importante da Dinamarca. Por trás do jogo estavam três dinamarqueses que, juntos, formaram a Discovery Software. Os responsáveis por isso foram Søren Grønbech (programador), Torben Bakager (designer) e Julian Lefay (compositor).

Captura de tela da MobyGames.

Sword of Sodan era, em muitos aspectos, bastante diferente de outros jogos semelhantes da época, mas um dos aspectos que a grande maioria dos que experimentaram o jogo lembrará foi seu visual verdadeiramente inovador. Pode parecer um pouco clichê, mas apresentava sprites de personagens enormes, bem animados e bem projetados, que contrastavam fortemente com os pequenos personagens vistos em outros jogos de 1988, como Contra, Super Mario Bros. 2 e Barbarian 2. Sword of Sodan apresentava personagens que preenchiam até 50-80% da altura da tela, algo nunca antes visto, e isso ajudou a dar ao jogo uma sensação quase cinematográfica para sua época.

O jogo foi lançado inicialmente no Commodore Amiga e, após seu lançamento, permaneceu na maioria das paradas de vendas do top 10 pelos seis meses seguintes, vendendo cerca de 55.000 cópias, um número impressionante, especialmente para um jogo disponível em uma única plataforma. O jogo também recebeu o prêmio "Arcade Game of the Year" no "Software Oscar 1988" da revista Commodore. O jogo, portanto, foi um enorme sucesso.

Captura de tela da MobyGames.
Captura de tela da MobyGames.

No entanto, o céu não era o limite para os três garotos por trás do jogo, e Grønbech e Bakager declararam em entrevista que, embora recebessem seus salários da editora Innerprise Software enquanto trabalhavam no jogo, nunca receberam a porcentagem de vendas prometida e, por isso, não sentiram realmente os benefícios do sucesso do jogo.

Dois anos depois, os direitos de Sword of Sodan foram vendidos para a Innerprise Software nos EUA, e eles tinham planos de portar o jogo de sucesso para várias plataformas; isso resultou, entre outras coisas, em uma versão fortemente reduzida para o Sega Genesis. Os sprites grandes e distintos desapareceram (eles eram maiores do que na maioria dos outros jogos, mas um pouco menores que no Amiga), os gráficos foram geralmente bastante reduzidos, e várias mudanças foram feitas na jogabilidade. Entre outras coisas, os inimigos agora atacavam dos dois lados da tela (e não apenas pela direita ou pela frente), o que tornava o jogo incrivelmente e frustrantemente difícil, e os 11 níveis do original haviam sido reduzidos para 8. Alguns foram removidos completamente, enquanto outros foram combinados em novos níveis.

A versão para Sega Genesis foi lançada pela Electronic Arts nos EUA e Europa, e pela Sega no Japão, e foi aclamada por várias revistas como um dos piores jogos de todos os tempos. A versão não funcionou de jeito nenhum, e vários veículos de mídia e comunidades de jogos já disseram, entre outras coisas, sobre a versão do Gênesis: "Foi uma droga pra caramba. Era tão ruim que você não consegue deixar de olhar e se perguntar por que os desenvolvedores pensaram por um segundo que esse poderia ser pelo menos um jogo aceitável, quanto mais um bom." Em 1993, o jogo foi portado novamente pela Bethesda Softworks para o Apple Macintosh System 7 (também conhecido como Mac OS 7). Não há muitas informações verificáveis sobre essa versão, mas dizem que ela estava mais alinhada com a edição do Amiga, embora o som fosse mais limitado.

Captura de tela da MobyGames.
Captura de tela da MobyGames.

Enquanto tudo isso acontecia, Grønbech e Grønbech se movimentavam entre vários trabalhos, já que a Espada de Sodan tinha sido algo bom para eles. Bakager era um designer requisitado e assumiu vários projetos para diferentes empresas, enquanto Grønbech esteve envolvido, entre outras coisas, na programação do mascote Hugo na tela, que alguns talvez se lembrem dos primeiros anos da TV2.

O terceiro membro, Lefay, mudou-se para os EUA e começou a trabalhar na Bethesda Softworks como desenvolvedor, tornando-se eventualmente Engenheiro-Chefe com responsabilidade por todo o desenvolvimento de software da empresa. Ele trabalhou em títulos como Dragon's Lair, The Elder Scrolls, The Terminator e Wayne Gretzky Hockey, mas infelizmente Lefay (nascido Benni Jensen) morreu de câncer no verão de 2025, aos 59 anos.

Depois de algum tempo, Grønbech e Bakager, que agora estavam na casa dos 20 anos, se reuniram para trabalhar na inevitável sequência, nomeadamente Espada de Sodan 2. Não está claro se a posição de Lefay na Bethesda nos EUA teve algo a ver com isso, mas a Bethesda Softworks estava por trás do financiamento do jogo e a empresa pretendia usá-lo como trampolim para o mercado escandinavo. Consequentemente, Grønbech e Bakager permaneceram na Dinamarca, em vez de serem levados para os EUA, enquanto trabalhavam em Espada de Sodan 2. Assim, eles ficaram em uma vila em Brønshøj, nos arredores de Copenhague, enquanto trabalhavam arduamente na sequência do grande sucesso deles, mas infelizmente o jogo nunca foi concluído. A Discovery Software faliu e aí terminou a história de Sword of Sodan.

Ou pelo menos é o que você pensa. Após muitos anos de silêncio, Sword of Sodan 2 foi discretamente anunciado no outono passado pelo estúdio italiano Smallthing Studios e está a caminho de consoles e PC. Em uma entrevista à IGN Itália, eles disseram que compraram os direitos de Sword of Sodan diretamente da Electronic Arts e que agora desenvolveriam "uma sequência oficial do original de 1988".

Apenas uma única captura de tela de Sword of Sodan 2 foi lançada, e adivinha, os personagens grandes desapareceram e, com eles, o que tornava o original tão distinto e único. Parece mais uma nova versão de Golden Axe do que Sword of Sodan, mas, claro, é cedo demais para julgar um jogo com base em uma única captura de tela. Ainda não há data de lançamento para Sword of Sodan 2.

Sword of Sodan provavelmente foi o primeiro grande sucesso internacional da Dinamarca em games. Foi criado por três rapazes da região de Copenhague, e todos eles, antes e depois de Sword of Sodan, trabalharam em jogos como The Vikings (Commodore 64), Hybris (Amiga), Dragon's Lair (PC), Arkanoid (Mac), The Elder Scrolls (PC) e vários jogos da Hugo.

Desde então, houve várias outras histórias de sucesso dinamarquesas, incluindo IO Interactive, Playdead, Ghost Ship Games, SYBO Games, Geometric Interactive, Triband e muitas outras, mas a Discovery Software, sediada em uma casa em Brønshøj, foi uma das primeiras.

Lego Star Wars 75452 BB-8 Droide Astromecânico

conny@gamereactor.pt (Conny Andersson) — Thu, 09 Apr 2026 09:00:00 +0200

Houve, claro, algumas coisas boas em Star Wars: Episódios VII-IX. Um deles era definitivamente o pequeno droide redondo recém-chegado chamado BB-8. Claro, ele não é exatamente R2-D2. Mas o design é muito bem feito, e agora que ele apareceu em forma de Lego, fiquei curioso para ver como Lego, que afinal é sinônimo de tijolos quadrados, poderia criar sua figura redonda.

A solução e, portanto, o resultado é muito bem-sucedido, na minha opinião. A engenhosidade de construir duas metades que são então colocadas uma sobre a outra e travadas no lugar cria técnicas de construção interessantes. Embora as quatro pequenas placas redondas com montantes expostos pareçam uma solução temporária um pouco simples demais, a impressão geral ainda é boa quando tudo está pronto.

Existe, claro, um conjunto Lego BB-8 já existente. A versão significativamente mais construída em blocos, com o número #75187, também tem pouco mais do dobro de peças que esta. Não sou particularmente fã desse tipo de design onde dá para ver todos os 'botões' logo de cara, mas mesmo essa versão fica bonita e consegue criar o corpo arredondado de uma forma interessante.

O modelo antigo à esquerda e o novo (que eu construí) à direita.

Se você olhar a construção de longe, o corpo, que é majoritariamente branco com alguns detalhes laranja, pode não parecer tão divertido de montar. Mas qualquer um que já construiu algo com Lego sabe que a superfície é só a ponta do iceberg. Fiquei realmente surpreso com o quão intrincada essa construção realmente era. As pequenas estruturas que você monta para formar as duas metades do droide são realmente inteligentes em seu design. A segunda bolsa, que forma o quadro, não é exatamente tecnicamente difícil, mas ainda tem alguns elementos divertidos, como rodas que permitem que a cabeça se mova ao rolá-la. Depois, você constrói a outra metade e, por fim, a cabecinha, que obviamente contribui muito para a personalidade do droide.

Um dos discos redondos maiores na frente também pode ser aberto para revelar uma garra e uma pequena chama, caso você queira recriar a cena do 'joinha' do BB-8 com Finn. Pesquise no Google se não souber qual deles estou falando.

Um feito de Lego e outro modelo de plástico controlado por rádio.

Como você pode ver acima, tirei uma foto com um modelo radiocontrolado que eu tinha, e de fato o formato do corpo tira um pouco da arredondamento em si. Talvez pudessem ter deixado o formato um pouco mais uniforme em vez de falsificar a forma com algumas soluções criativas. Por exemplo, ao colocar placas de cobertura lisas sobre os discos redondos menores que agora apresentam saliências visíveis. Ou peças semicirculares. Mas, no geral, como mencionei antes, acho que funciona como um todo.

O BB-8 inclina a cabeça para um lado quando você o rola para frente ou para trás.

A única crítica real que tenho é que talvez a cabeça pudesse ter sido feita um pouco mais móvel. No droide real, a cabeça meio que rola em todas as direções sobre o corpo em formato de bola, enquanto na versão Lego ela só gira para a direita ou esquerda. Talvez o mecanismo aqui pudesse ter sido um pouco mais sofisticado, de modo que a cabeça também pudesse se inclinar para frente e para trás, mais como uma peça separada do que completamente fixa e limitada a girá-la enquanto dirige.

569 peças são, claro, muito fácil de montar, e o preço é um pouco alto para esse número de peças. Isso se aplica, no entanto, à maioria dos conjuntos de Lego Star Wars, que custam bem mais do que o conjunto padrão, com algumas exceções. Mas se você é fã de Star Wars em geral, naturalmente vai querer colecionar todos os droides que existem. Então, da minha parte, claro que vou colocá-lo ao lado dos outros que colecionei, e ele vai ficar tão bonito ali na prateleira, completo com a pequena placa informativa.

Nossa classificação definitiva do Universo Absoluto da DC após 18 meses

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Wed, 08 Apr 2026 11:00:00 +0200

Enquanto a Marvel tem tido vantagem sobre a DC no cinema e na TV, no mundo dos quadrinhos, é a DC quem tem tomado as decisões melhores e mais bem-sucedidas ultimamente. O gigante do entretenimento recentemente trouxe de volta seu selo Vertigo, focado mais na maturidade, além de ter lançado uma nova série chave estrelada pelo Batman, escrita por Matt Fraction, que já foi um enorme sucesso. Mas talvez o esforço mais notável e bem-sucedido da DC nos últimos tempos seja o lançamento do universo Absolute, que oferece uma nova abordagem sobre muitos dos heróis e vilões mais icônicos da marca.

Absolute começou oficialmente há 18 meses, quando o DC All In Special chegou no início de outubro de 2024, conectando esse novo universo ao antigo universo, e a partir daí expandiu-se consideravelmente para uma série de histórias únicas baseadas em membros importantes da Liga da Justiça. Naturalmente, o Batman deu início à história, mas desde então fomos apresentados ao Superman Absoluto, Mulher-Maravilha, Flash, Lanterna Verde e Caçador Marciano, com planos de se espalhar para Arqueiro Verde e Mulher-Gato em maio e junho de 2026, respectivamente.

A maior parte desse universo Absolute está dividida entre os cinco ícones da Liga da Justiça, já que a história do Caçador Marciano é uma minissérie, assim como o plano para os arcos do Arqueiro Verde e da Mulher-Gato. Também houve uma história one-shot de Absolute Evil com foco de vilão e um rápido complemento para Absolute Batman chamado Ark M Special, então, como você pode ver, o universo já é bastante vasto.

Agora que se passaram 18 meses e muitos desses projetos da Absolute tiveram bastante tempo para se estabelecer e crescer, achei que era hora de realmente classificarmos o que foi apresentado até agora, especialmente para as histórias do Batman, Superman, Mulher-Maravilha, Flash, Lanterna Verde e Caçador de Marte, já que há muitas edições de cada uma no mercado no momento da escrita. Então aqui está minha classificação definitiva do universo Absoluto do pior ao melhor (mesmo que nenhuma dessas histórias seja ruim, ainda assim alguém tem que ser o 'perdedor'...).

6. Lanterna Verde Absoluto

O motivo pelo qual Absolute Green Lantern é relegado ao fim da lista é simplesmente porque essa história demora um pouco demais para se encontrar e também porque falta algumas das evoluções mais distorcidas e estranhas dos personagens que encontramos nas outras histórias de Absolute. Como toda a natureza da série Absolute é oferecer abordagens únicas e frescas sobre heróis e narrativas já estabelecidas, a que é apresentada nesta história do Lanterna Verde não consegue elevar esta série além de suas contemporâneas. Ele tem um gancho interessante que reinventa toda a dinâmica de poder do Corpo dos Lanternas, mas falta o impacto e a natureza monstruosa e fantástica encontrados em outros lugares, por isso o Lanterna Verde fica em sexto lugar.

5. Brilho Absoluto

Assim como Lanterna Verde, Absolute Flash também é uma ótima história, mas tropeça de forma muito parecida. Encontramos uma história que (ironicamente) não arranca tão bem quanto seus concorrentes e notavelmente sente falta das contorções brutais e monstruosas dos vilões encontradas nas outras séries. É uma jornada interessante e boa, mas comparado a alguns dos grandes títulos que estão por vir, Absolute Flash simplesmente não consegue acompanhar, pelo menos neste estágio de sua história e desenvolvimento mais amplos.

4. Mulher-Maravilha Absoluta

Na verdade, tenho muito apreço pela Mulher-Maravilha e adoro a personagem, por isso parte meu coração ver a Princesa de Themiscyra tão baixa. A razão pela qual a Mulher-Maravilha Absoluta cai para o quarto lugar é simplesmente porque essa história começa bem forte e desde então tem lutado para manter esse nível de emoção. As primeiras edições que apresentaram Diana como produto do submundo e não do Olimpo, antes de ver a icônica guerreira amazona enfrentando o Tetracídio, uma fera que faria qualquer homem tremer de medo, foram uma ótima forma de começar esta série. No entanto, desde esse período, as edições têm sido menos catastróficas e apresentaram uma narrativa que não tem o mesmo poder de socos caso a ponto que o que temos por vir.

3. Caçador Marciano Absoluto

Ok, então isso é quase uma pausa, um repasso sobre a fórmula que esperamos da série Absolute. O Caçador Marciano Absoluto é, de longe, a mais única dessas histórias, pois oferece uma narrativa mais artística e criativa que reimagina o herói de forma mais abstrata. É menos cheia de ação do que os outros desta lista, mas também é a mais incomum, um limpo perfeito de paleta na forma de uma história enxuta, com reviravoltas significativas e desenvolvimentos obscuros e estranhos. É uma expressão cômica em ótima forma.

2. Superman Absoluto

Quando penso no universo Absolute e em como ele contorce melhor o universo mais amplo da DC, tanto essa história quanto as aventuras do Cruzado Encapuzado me chamam atenção. Estamos falando de histórias de origem alteradas, reconhecíveis, mas únicas, combinadas com arcos narrativos de quebra-fúria e vilões ferosos que fazem Doomsday parecer pequeno e insignificante. Superman Absoluto é uma história emocionante e impactante, repleta de desilusões, traições, perdas e batalhas que abalam o chão. É quase tudo o que você poderia querer de uma história de Homem de Aço.

1. Batman Absoluto

E para surpresa de ninguém, no topo dessa lista está o Batman Absoluto. Nenhuma série representa melhor o formato Absolute como as últimas aventuras de Bats, que reimaginam o famoso protetor de Gotham como um gigante gigante, dirigindo uma escavadeira, empunhando um machado e lutando contra vilões monstruosamente contorcidos arrancados diretamente dos seus pesadelos. Esta série é de partir o estômago, violenta, aterrorizante e cruel. É carnificina. Seja em ver um Batman de dois metros de altura enfrentando bandidos implacáveis, um assustador Mister Freeze, sobreviver a torturas abissais, um Bane do tamanho de um estádio, ou até mesmo um Coringa que mais se assemelha a um demônio, essa história tem tudo. É uma série de quadrinhos verdadeiramente imperdível.

Então, qual é a sua opinião sobre o universo Absoluto? Como você classificaria essas seis histórias e qual arco de Absolute é seu favorito até agora?

A onda de jogos próximos ao estilo Mass Effect mostra o que os jogadores têm sentido falta há tempo demais

alex@gamereactor.pt (Alex Hopley) — Mon, 06 Apr 2026 12:00:00 +0200

Se tem algo que eu acho que resume a sensação que os jogadores precisam para se lançar em um novo lançamento, é a conexão. As pessoas se conectam com videogames de várias maneiras diferentes. Alguns precisam de uma jogabilidade rica, outros de uma narrativa profunda. A maioria aprecia uma mistura dos dois, mas também quer algo que pareça acessível. Sem mecânicas excessivamente complexas, no estilo de tabuleiro, nem mundos abertos exageradamente grandes. Personagens secundários que fazem você sentir que está se aventurando com pessoas reais, e um protagonista que você domina. Muitas dessas coisas aparecem em massa nos jogos Mass Effect.

Explorar o núcleo de RPG no estilo space opera de Mass Effect parece uma oportunidade que os desenvolvedores já tinham perdido há algum tempo. Não sou fã de copiar outras franquias diretamente, fazendo parte de uma tendência de aproveitar o sucesso de outra pessoa, mas já estamos chegando a dez anos sem um jogo de Mass Effect, com o último sendo muito criticado no lançamento. Há espaço para muitos nomes novos que nos darão uma tripulação improvisada com quem podemos acompanhar enquanto tentamos salvar pelo menos uma parte da galáxia.

Star Wars Zero Company, The Expanse: Osiris Reborn, e Exodus. IPs já estabelecidas, uma nova, e várias mecânicas de jogo, ambições e orçamentos diferentes. Ainda assim, há uma coisa que une todos eles. Cada um deles foi comparado a Mass Effect, e aceitaram essas comparações. A era dos Soulslikes acabou, e é hora do estilo Mass Effect? Provavelmente não, mas se ao menos um desses jogos for bom o suficiente para nos lembrar dos tempos em que exploramos a Normandia, será um ótimo sinal para o futuro dos RPGs de ficção científica como um todo.

Como eu disse no começo, a capacidade de um jogo se conectar com seu público é o fator chave para o sucesso no mercado atual. Jogadores mais jovens tendem a se conectar entre si por meio de experiências multiplayer, mas conforme os lobbies de CoD e as temporadas de Fortnite passam, os maiores do mundo preferem relaxar com uma experiência que possam viver no seu próprio ritmo, equilibrando isso com um trabalho e uma vida familiar exigente. É aí que um jogo que oferece uma experiência como Mass Effect realmente pode brilhar. Criar uma conexão semelhante com os companheiros, personagens e mundo, como nos clássicos da BioWare anteriores, pode causar uma impressão duradoura que fica com você, e pode fazer o público daqui a dez ou quinze anos dizer "ei, esse jogo é como Exodus."

Não sei se a tempestade perfeita de Mass Effect pode ser recriada. Ele entregou um universo original e expansivo, com uma lore profunda e um elenco verdadeiramente inesquecível de personagens secundários. Isso pode não parecer tão difícil de fazer, e espero que não seja, mas estamos onde estamos no desenvolvimento de jogos atualmente, onde é totalmente possível que companheiros de IA sejam a norma em alguns anos. Pelo menos, os três jogos mencionados não vão optar por isso (mesmo que o Owlcat use GenAI para The Expanse: Osiris Reborn ). A ideia de criar um mundo original já pode desacreditar Star Wars: Zero Company e The Expanse: Osiris Reborn de serem verdadeiros jogos parecidos com Mass Effect, mas o primeiro parece desenvolver uma pequena parte de um universo e história mais amplos, assim como Warhammer 40,000: Rogue Trader fez, e o segundo vem de um universo que sim, tem muito material de origem, mas ainda pode ser apresentado a um público amplo e novo. O que acho que atrai mais as pessoas a comparar um jogo com Mass Effect, do que com seu mundo original, são os companheiros do jogo e os sistemas ao redor deles.

Conexões, se preciso repetir, são uma parte enorme para tornar um jogo, especialmente um RPG, memorável. Quem melhor para criar essas conexões, se não com companheiros? Baldur's Gate III provou isso, assim como Mass Effect fez antes. A missão suicida de Mass Effect 2 (que, aliás, é a melhor missão de todo o mundo dos jogos) não funciona sem ter uma equipe que você realmente não quer que morra, mesmo sabendo que pode perder todos. Se Star Wars Zero Company, The Expanse: Osiris Reborn e Exodus têm algo em que devem focar, é nisso. Jogabilidade repetitiva ou uma trama principal um pouco arrastada podem ser esquecidos se houver um grande personagem ao seu lado. Lembro mais falas de Garrus, Tali, Liara, até da Miranda, do que da própria Comandante Shepard na série Mass Effect, e é aí que precisamos ver esses próximos jogos realmente terem sucesso para reivindicar adequadamente as comparações com Mass Effect.

Isso se estende tanto ao design quanto às personalidades dos personagens. Não posso dizer que fiquei empolgado ao ver Exodus revelar seus companheiros, pelo menos três dos quais usavam a mesma imitação do traje de stillsuit para sua "armadura", e tinham olhares bastante vazios. Consigo lidar com pelo menos um Jacob ou James, mas por favor, não faça um elenco inteiro deles. Felizmente, há um polvo amigável que vai te ajudar no combate, então pelo menos já há um pouco de molho para encontrar. Pode até parecer uma das anti-woke, toda mulher deve parecer protagonistas de Stellar Blade online, mas também diria que não há problema em tornar companheiros fisicamente atraentes, pois eles também serão em termos de personalidade. Só não opte por um visual Concord, e você vai ficar bem. Owlcat entende, pelo que parece, assim como a Larian fez com Baldur's Gate III. Faça todo mundo igualmente atraente, e você está pronto. Exceto pelo Polvo, estou bem sem conseguir romancear o Polvo, obrigado Arquétipo.

Não vou me alongar sobre design de companheiros para sempre, mas quando as pessoas buscam a conexão e o escapismo que esses personagens podem oferecer, isso ajuda quando elas podem se aprofundar no personagem por meio de coisas como romance. Avowed, por exemplo, não acertou muito bem, com todo mundo sendo apenas seu amigo e nunca havendo opção para algo mais. Não é necessário, claro, mas as pessoas adoram ficar estranhas com alienígenas. Mass Effect, novamente, é um exemplo claro. Star Wars Zero Company provavelmente não terá esses vínculos, mas com seu sistema de morte permanente, fico muito mais animado para me apegar aos meus companheiros falsos e depois lamentá-los por semanas depois de uma missão que deu errado.

Enquanto os Soulslikes tentavam se encaixar em um gênero já preenchido por um desenvolvedor que lançava clássicos de todos os tempos regularmente, os clássicos de Mass Effect chegam em um momento em que estamos desesperados por uma aventura espacial. Guardiões da Galáxia chegou bem perto, assim como Baldur's Gate III, ao recriar mundos e personagens igualmente viciantes, mas por um motivo ou outro eles não saciaram exatamente essa vontade de Mass Effect. Espero que pelo menos um desses jogos possa, nem que seja para provar que sim, publishers, nós amamos RPGs que nos permitem criar conexões com personagens tridimensionais e interessantes.

Um Salto de Fracasso, Expansão de Arkham e Supernatural San Andreas: Aqui estão alguns dos Easter Eggs favoritos do Gamereactor

gr@gamereactor.pt (GR Staff) — Sun, 05 Apr 2026 11:00:00 +0200

Mais uma vez, é hora da Páscoa. Embora esse feriado seja conhecido por seus laços religiosos, também se tornou um período para celebrar o início da primavera e se deliciar com grandes quantidades de ovos de chocolate. Falando sobre ovos, como fizemos no ano passado, vamos marcar esse período do ano destacando novamente uma coleção de Easter eggs em videogames que continuam nos chamando atenção.

Ben: The Witcher 2: Assassinos do Salto do Fracasso dos Reis

Embora eu tenha ficado tentado a simplesmente voltar ao mundo de Call of Duty Zombies e destacar mais um dos Easter eggs atemporais e épicos do modo, achei que este ano seria agradável fazer uma mudança marginal. Por isso estamos trocando os mortos-vivos por assassinos, recorrendo à referência a Assassin's Creed em The Witcher 2: Assassins of Kings. Perto do início do jogo, durante o ataque, Geralt encontra um indivíduo vestido de forma curiosa que claramente caiu de uma grande altura. Perto da balista durante o cerco, você provavelmente notará uma pessoa vestida com um manto branco e achatada no chão perto de uma pilha de palha. Há também uma torre curiosamente posicionada atrás do indivíduo, evidentemente indicando que alguém deu um salto de fé, mas obviamente não acreditou o suficiente. Uma queda longa e uma parada repentina, e enquanto Geralt diz ao se aproximar do cadáver esmagado, "acho que eles nunca vão aprender."

Você pode ver o Salto do Fracasso capturado pelo YouTuber Moziz abaixo.

https://www.youtube.com/watch?v=1Om0UpfQc0Q

Alex: Santo André Sobrenatural em Grand Theft Auto V

Grand Theft Auto V é um jogo enorme, cheio de Easter eggs. Algumas você vai encontrar por acaso. Outros demoraram meses até alguém perceber, e exigem uma rápida pesquisa no Google só para garantir que você os encontre da próxima vez que decidir invadir as ruas como Trevor, Franklin e Michael. Estamos combinando dois Easter eggs em um aqui, analisando tanto as aparições do alienígena congelado quanto do Pé Grande que você encontra em Grand Theft Auto V. O alienígena congelado aparece logo no início do jogo, quando você está lutando para fugir de um assalto a banco que deu errado como Michael. Ao dirigir o carro para longe, vire à direita e saia da estrada ao chegar em direção a uma ponte com um rio correndo por baixo. Logo abaixo da ponte, você encontra um cadáver alienígena congelado. Bem legal, né. O segundo episódio sobrenatural acontece depois, novamente interpretando Michael na missão Predador. Lá, você vai usar um rifle com mira térmica para eliminar os irmãos O'Neil. Se você dar zoom na área da missão no canto inferior direito, verá o contorno térmico do pé-grande por um breve segundo. Certifique-se de que sua câmera está pronta, pois o Pé Grande desaparece logo depois.

Confira os dois Easter eggs nos vídeos do YouTube do Typical Gamer e dos vídeos da série GTA abaixo:

https://www.youtube.com/watch?v=TNcwPfYW83Y

https://www.youtube.com/watch?v=gMW0tvp9ucY

Magnus: Descobrindo planos de construção de Arkham City em Batman: Arkham Asylum

Batman: Arkham Asylum estava repleto de mensagens ocultas, cortes profundos no lore e referências tentadoras, por isso meu irmão e eu passamos semana após semana vasculhando cada seção do labirinto, animados para ver o que estava escondido na próxima esquina. Lembro daquela manhã de sábado, um pouco de ressaca, olhando o escritório de Quincy Sharp e encontrando as plantas do que acabaria sendo o projeto Arkham City. A Rocksteady revelaria formalmente a sequência logo depois, mas já tropeçar em isso certamente estava ligado ao futuro da franquia foi impressionante. Embora 2009 não tenha sido análogo de forma alguma, a notícia dessas descobertas não se espalhou tão rápido quanto hoje, então isso foi, acredite ou não, uma surpresa completa, e sendo os fãs do Batman que somos, a empolgação que ambos sentimos naquela manhã era palpável.

Alex: Acariciando um Tyranid em Warhammer 40,000: Space Marine II

Os Tirânidos são uma das maiores pragas da galáxia no universo de Warhammer 40.000. Há um número infinito deles, e embora possam parecer um pouco fofos em sua forma de miniatura de mesa, como no lore, vão ser tudo menos um animal de estimação fofinho. Você vai passar horas esmagando-os até virar pasta de insetos em Warhammer 40.000: Space Marine II, mas na primeira missão você pode encontrar um que não tem intenção de te machucar, e que pode ser realmente acariciado. Em Avarax, chegue ao ponto em que você pode chamar o elevador via console, ative um segundo console e espere a fila de áudio, o que significa que você já gerou nove Tyranids para encontrar na próxima parte da sua missão. Se livrar de todos eles, você encontrará um hormagaunt amigável deitado em um corredor, livre para ser acariciado à vontade.

Confira o vídeo abaixo para saber como encontrar os nove Tyranids, cortesia da YouTuber Kimber Secundus:

https://www.youtube.com/watch?v=6_A-IDZBSGU

Os melhores protagonistas de jogos dos anos 2020 (até agora)

alex@gamereactor.pt (Alex Hopley) — Sat, 04 Apr 2026 13:00:00 +0200

Quando você olha para o que faz um jogo excelente, o mundo, as mecânicas de jogabilidade, os gráficos e as histórias têm um papel, mas tudo parece se encaixar quando o protagonista – o personagem no centro de toda a experiência – parece desenvolvido e vivo. Tivemos alguns jogos de destaque nos anos 2020 até agora, com protagonistas igualmente impressionantes no seu núcleo. Então, vamos listar algumas, certo?

Esta lista cobre apenas personagens que apareceram pela primeira vez em formato de videogame na década de 2020. Desculpe, Cal Kestis, Kratos adulto, Aloy e Henry de Skalitz, vocês não serão incluídos aqui, apesar de serem ótimos personagens por si só.

O Impulso Sombrio - Baldur's Gate III

Pode parecer meio barato colocar um personagem que o jogador controla tanto em um lugar dessa lista, mas comparado ao verdadeiro quadro em branco do Aventureiro ou do Tav, o Dark Urge/Durge é um personagem mais completo e detalhado, com uma história sombria e conexões profundas com o mundo e os antagonistas. Depois de jogar como um Dark Urge, é muito difícil voltar, e muito disso se deve à história pré-definida que você herda quando começa a criar esse personagem. Você pode fazer o Impulso Sombrio parecer do jeito que quiser, e ser tão maligno ou redimível quanto quiser, mas depois de terminar a campanha em Baldur's Gate III, uma grande parte do motivo de você lembrar disso são aquelas cenas específicas de personagem que você tem como o Durge. Parece que deveria estar entre os maiores personagens criáveis da era da BioWare, pois realmente permite que você deixe sua própria marca no mundo, sendo uma parte estabelecida dele.

Andreas Maler - Pentiment

Outro personagem sobre o qual o jogador ganha bastante influência, Andreas Maler ainda se destaca muito acima da maioria dos personagens que você encontrará em um RPG ou em um videogame, para falar a verdade. Ele é o centro de Pentiment, um veículo perfeito para o jogador experimentar o mundo, já que a pequena cidade de Tassing é tão nova para ele quanto para nós. Aprender sobre as pessoas da cidade, as implicações mais amplas dos avanços tecnológicos e sociais na Alemanha do século XVI, além de resolver alguns assassinatos complicados, tudo se mistura para criar uma história que você não esquecerá tão cedo, liderada por um personagem que parece ser uma das pessoas mais tridimensionais que os especialistas em RPG da Obsidian já criaram.

Jin Sakai - Fantasma de Tsushima

Eu gosto do Atsu, gosto, mas o homem que começou com toda essa história de fantasma é difícil de superar. A história de vingança de Jin Sakai é algo que já vimos muito em jogos anteriores, se você reduzir a história ao seu nível mais básico. No entanto, seguindo Jin pelo Japão, ele teve que abandonar quem era para se tornar outra coisa pelo bem de seu povo e de seu país. Jin parece logo no começo um herói bastante sem graça e bastante comum, mas conforme você passa mais horas explorando a história como ele, você vai desvendando as camadas do personagem dele e encontra algo incrivelmente envolvente dentro dele. Há um motivo para tantos fãs quererem ele de volta para a sequência, e não é só sexismo.

Saga Anderson - Alan Wake 2

É difícil ser o novato em um mundo e cenário pré-estabelecidos. Mesmo que o último jogo de Alan Wake tenha chegado mais de uma década antes da sequência aparecer, o jogo ainda leva o nome do autor fictício, então havia o receio de que Saga pudesse ser uma adição indesejada. Quem já jogou sabe que isso não poderia estar mais longe da verdade. A participação de Saga na história de Alan Wake 2 não só parece necessária, mas bem-vinda. Ao longo da narrativa, aprendemos mais sobre Saga, que precisa se adaptar rapidamente a ser jogada nas profundezas de uma história sobrenatural que certamente parece acima de seu alcance. No final, porém, vemos que ela já entende a história tanto quanto Alan, o que a leva a ser a responsável por decidir tudo.

Astro Bot - Astro Bot

Enquanto as outras entradas desta lista até agora foram avaliadas pelo uso como ferramentas narrativas envolventes, Astro Bot faz sua entrada aqui por ser uma das primeiras criações de mascotes novos bem-sucedidos em jogos em algum tempo. Astro Bot parece que sempre esteve ali, mas ainda não mostra nenhum sinal de ferrugem ou envelhecimento. Ele é um companheiro adorável e amigável que, por acaso, é o personagem principal de um dos melhores jogos de plataforma 3D já vistos. Vai entender. As aventuras de Astro Bot continuam nos impressionando toda vez que aparecem em nossas telas, e mesmo que a próxima vez que o virmos não nos impressione, é impossível imaginar um futuro onde não amemos esse design de personagem.

Will - Metáfora: ReFantazio

Você pode dar o nome que quiser para esse cara, mas o nome canônico é Will, pelo menos na localização em inglês, e é com isso que vamos manter. Perdendo por pouco para Astro Bot no Game Awards de 2024, Metaphor: ReFantazio provou ser um excelente RPG e um adorável acompanhamento de fantasia para a amada franquia Persona da Atlus. Ferozmente leal, sempre disposto a ir além e às vezes inocente até demais, Will parecia menos uma folha em branco ou um herói genérico do que muitos de seus colegas de JRPG. Ele ainda tem elementos desses personagens, e ainda assim sua história única e visão de vida e dos eventos de Metaphor: ReFantazio me mantiveram interessado durante as dezenas de horas que o jogo coloca em sua história principal. Como sempre, os personagens secundários ajudaram bastante, mas eu não queria estar jogando com nenhum deles em vez do Will.

Grace Ashcroft - Réquiem de Resident Evil

Uma entrada muito recente e muito merecedora nesta lista, Grace Ashcroft entrou na franquia Resident Evil com facilidade como um par de luvas antigas. Foi tentador colocar aqui a versão envelhecida e durona de Leon Kennedy, e embora ele seja certamente uma grande parte do que torna Resident Evil Requiem incrível, o jogo não seria tão excepcional sem Grace. Uma ótima atuação de Angela Sant'Albano dá vida a Grace, mostrando primeiro ela lidando com o medo e o terror compreensíveis que você certamente sentiria se se encontrasse em um cenário de Resident Evil. Então, à medida que ela se adapta junto com a história do jogo, vemos o arco da Grace se completar. Tomara que esta não seja a última vez que a veremos em Resident Evil, já que ela já fez sucesso entre os fãs.

Mae e Cody - São Dois

A Hazelight Studios entrega magia cooperativa, isso é claro, mas as narrativas do desenvolvedor às vezes são um pouco previsíveis. Não há nada de errado nisso. Nem todo jogo precisa de um roteiro vencedor do Oscar, e mesmo que It Takes Two tenha talvez a história mais previsível de todas, ainda é extremamente divertido graças aos humanos transformados em bonecos que podemos usar. Mae e Cody não têm medo de te irritar um pouco no jogo, e ainda assim continuam sendo um casal saudável e simpático mesmo quando estão lutando mais intensamente. Talvez não estejamos construindo uma franquia em torno deles, especialmente porque o filme It Takes Two parece estar em pausa, mas eles são memoráveis o suficiente para permanecer.

Melinoë - Hades II

Zagreu ou Melinoë, honestamente você poderia colocar qualquer um dos filhos problemáticos de Hades nesse lugar, mas o viés de recência me leva mais para a deusa dos pesadelos e da loucura. Zagreus é um protagonista instantaneamente simpático, mas pode-se argumentar que suas apostas parecem bem baixas, enquanto Melinoë precisa lidar com muito mais. Há muita pressão sobre os ombros dela para apresentar ao jogador essa nova narrativa mais sombria e tentar ser o ponto de apoio quando não conseguimos mais conversar com as pessoas que conhecemos e amamos do primeiro jogo. Supergiant fez um trabalho incrível tornando ambos os protagonistas muito simpáticos, mas me peguei torcendo ainda mais por Melinoë durante o tempo que passei pela sequência.

Maelle - Clair Obscur: Expedição 33

Outra adição relativamente recente, mas estamos falando dos jogos dos últimos cinco anos e pouco aqui. Se você não jogou Clair Obscur: Expedition 33, ou mesmo que ainda não tenha chegado aos créditos, pode pensar que Gustave ou Verso são os protagonistas do jogo. Se você já passou por tudo, saberá que Maelle é nossa verdadeira personagem principal. E que personagem ela é. Não vamos entrar em spoilers detalhados aqui, mas as reviravoltas da história principal giram em torno da Maelle, e no final eu estava tão envolvido com a jornada dela que escolhi o final que sabia que parecia o "pior" simplesmente porque acreditava que combinava melhor com o arco da personagem dela. Clair Obscur: Expedition 33 pode ser toda sobre aqueles que vieram depois, mas não invejo quem tiver que seguir o trabalho de Jennifer Svedberg-Yen e Jennifer English ao dar vida a essa personagem.

V - Cyberpunk 2077

Vou te contar um segredinho para encerrar essa lista: eu adorei Cyberpunk 2077 quando foi lançado. Claro, estava cheio de bugs. Claro, talvez não tivesse todas as liberdades de mundo aberto de uma experiência sandbox como GTA, mas os elementos que mostrou eram incrivelmente fortes. A CD Projekt Red mais uma vez impressionou com seus personagens e trabalho narrativo, com V no centro. V pode ser uma infinidade de personagens diferentes em Cyberpunk 2077, mas a magia vem de todos eles parecerem válidos e profundamente divertidos. Seja como Valerie ou Vincent, seja Corpo ou Nomad, V parece um protagonista quase perfeito, porque, enquanto você como jogador se sente livre para determinar os grandes momentos e detalhes de fundo para eles, também sente que está entrando em um personagem pré-definido. Eles têm uma participação ativa no mundo, em vez de apenas deixar o mundo acontecer ao seu redor. É isso que leva um protagonista ao próximo nível, e é o que a CD Projekt Red alcançou em Cyberpunk 2077, desde o início.

Prevemos sobre o que será The Super Mario Bros. Movie 3 (e qual será o título)

javier@gamereactor.pt (Javier Escribano) — Thu, 02 Apr 2026 16:00:00 +0200

The Super Mario Galaxy Movie Now e The Super Mario Bros. Movie em 2023 apresentam uma enorme quantidade de referências de 40 anos de história dos jogos do Mario, desde pequenas participações até grandes cenas e pontos da trama adaptados mais ou menos fielmente dos jogos. É certo que haverá mais filmes pelo caminho: nada confirmado até agora, mas esperamos que sequências e spin-offs sejam lançados a cada dois ou três anos, assim como a franquia Minions.

E isso nos fez pensar: para onde a série de filmes vai a seguir? Muitas coisas do universo Mario já foram abordadas, mas ainda há muitas coisas que ainda não apareceram nos filmes. Aqui prevemos as premissas, personagens e locais mais prováveis que esperamos ver em Super Mario Bros. Movie 3... Começando pelo título.

Porque, depois de Super Mario Bros. e Super Mario Galaxy, como será o nome do próximo filme? Estas são nossas previsões... Mas, claro, não continue lendo se você ainda não assistiu ao filme. GRANDES SPOILERS A SEGUIR.

Insisto, GRANDES SPOILERS DE The Super Mario Galaxy Movie.

The Super Mario Odyssey Movie

O primeiro filme foi nomeado em homenagem a Super Mario Bros., que é o nome coloquial da série, mas também o nome do primeiro jogo oficial, lançado em 1985. Se fôssemos adaptar todas as principais eras dos jogos do Mario, o próximo passo lógico teria sido The Super Mario World movie , baseado no jogo de 1991. Em vez disso, Illumination mergulhou diretamente em Galaxy, baseado nos jogos do Wii de 2007-2010, que provavelmente foi o ponto alto da série Mario do ponto de vista narrativo e de construção de mundo.

Isso nos faz pensar que o nome mais lógico para o terceiro filme será The Super Mario Odyssey filme. No entanto, isso representa um verdadeiro desafio, já que a maioria das melhores partes do jogo de Switch de 2017 já aparecem nos dois filmes anteriores: o casamento de Peach e Bowser, Tostarena e o Reino da Areia, o dinossauro, o Dragão Arruinado, até mesmo as partes do Brooklyn do primeiro filme pareciam New Donk City.

Fazer um filme Mario Odyssey sem a parte do casamento, que já foi feita, seria meio inútil. Eles poderiam focar em Cappy e sua irmã Tiara, e em ter os Broodals como novos vilões. Mas, honestamente, esses personagens não eram particularmente memoráveis. Ao mesmo tempo, a habilidade do Mario de se transformar em inimigos e animais era uma mecânica de jogo extremamente legal, mas não faz muito sentido narrativamente ser uma parte importante do filme...

The Super Mario Land movie

Um grande problema que a série de filmes enfrenta a longo prazo é a falta de bons vilões, algo que também afeta os filmes do Sonic. Bowser (e Robotnik) são legais, mas será que eles vão usar o mesmo vilão o tempo todo?

O universo Mario não tem tantos vilões além do Bowser (e do Donkey Kong, o que não conta, já que ele não é mais um vilão). Há uma exceção. Ou dois, Wario e Waluigi, possivelmente os maiores personagens do Mario que ainda não apareceram nos filmes. Já vimos a Daisy na cena pós-créditos de Galaxy, que leva a... Super Mario Land.

A princesa ruiva (também sugerida quando Luigi pede para Mario perguntar se Peach tem uma amiga) fez sua estreia em Super Mario Land, 1989. Wario fez sua estreia em Super Mario Land 2 (1992). Material suficiente para basear o terceiro filme no estranho reino de Sarasaland, o que pode levar a algumas participações realmente profundas.

O grande problema é que 'The Super Mario Land movie ' não soa nem de longe tão épico quanto The Super Mario Galaxy Movie, o que tornaria o final da trilogia muito menos atraente do ponto de vista comercial. E esse é o problema desta série de filmes: nada é maior que Galaxy, exceto Odyssey, e como dissemos, a maior parte do que vimos nesse jogo já foi adaptada...

The Untitled Super Mario 3D Game releasing in 2027 movie

Bem, pode haver algo maior que Galaxy e Odyssey... o próximo jogo do universo Mario, fortemente rumorado para lançamento em 2027 como o primeiro verdadeiro sucessor de Mario Odyssey. Esperamos que seja algo totalmente novo (não Galaxy 3 ou Odyssey 2), e se for lançado em 2027, seria possível que um filme lançado em 2028 ou 2029 levasse seu nome e se inspirasse diretamente no que a equipe de Yoshiaki Koizumi está preparando agora.

Dada a relação próxima entre Nintendo e Illumination, a ideia de que tanto o jogo quanto o filme estão sendo desenvolvidos em paralelo não é inconcebível, embora não tenhamos certeza se seria a escolha certa: isso levaria muitas pessoas a supor que o jogo é uma adaptação do filme, o que poderia desvalorizar o produto original da Nintendo como um todo. E há outras opções mais interessantes, como...

The Super Mario Sunshine Movie

Este clássico do GameCube de 2002 é, sem dúvida, um dos jogos do Mario com um mundo e história mais marcantes, e Isle Delfino ficaria absolutamente lindo. Também pode levar a um tempo de qualidade muito necessário entre os personagens enquanto eles saem de férias: o relacionamento de Mario e Peach poderia ser devidamente explorado, antes que Bowser Jr. se torne o vilão principal desta vez.

O problema é que Super Mario Sunshine é um jogo muito de nicho (tão nichado quanto um jogo do Mario pode ser) e, novamente, menos comercializável que Galaxy (embora eu diria que é mais empolgante do que simplesmente 'Land '). Se feito corretamente, poderia ser um filme com muita personalidade e uma boa desculpa para lançar no verão em vez da primavera.

The Super Mario 3D World + Bowser's Fury movie

Outro título relativamente obscuro, já que foi um bônus para um jogo maior, Bowser's Fury tem um potencial muito bom para uma história legal. Neste jogo, Bowser Jr. se une a Mario para deter um Bowser enfurecido, que se tornou um monstro gigante, antes de Mario virar um gato gigante. Seria uma ótima desculpa para ter Bowser como vilão principal novamente e criaria uma dinâmica interessante entre Mario, Bowser Jr. e Bowser, uma das melhores coisas do filme Galaxy.

O problema é que... Galaxy O filme já fez algo parecido com Mario se unindo ao Bowser, e Mario salvando o Bowser Jr. do dragão gigante que o Bowser criou. Além disso, não tem muitos personagens secundários para desenvolver a promessa de ter a Daisy como uma nova personagem principal.

The Super Mario Bros. Wonder Movie

Lançado em 2023, Wonder é o jogo principal mais recente do Mario, o que por isso seria uma opção comercialmente viável para dar nome ao filme. E também conta com Daisy e até Rosalina agora na versão do Switch 2. O problema é que o jogo, embora divertido, é extremamente básico em termos de história e o mundo não é muito interessante.

O que poderia ser divertido do ponto de vista cinematográfico, no entanto, seria ver os efeitos maravilhosos na tela, talvez brincando com diferentes estilos de animação, uma mistura de cores, efeitos especiais e novos números musicais. Seria uma chance para Iluminação enlouquecer... mas sejamos sinceros, esse estúdio não é a Sony ou a DreamWorks, que estão muito mais dispostas a correr riscos no aspecto visual.

No entanto, pode ser uma boa porta de entrada para apresentar os Koopalings, que quase certamente estrearão no cinema mais cedo ou mais tarde, talvez como irmãos ou primos de Bowser Jr. Os koopalings são as estrelas da recém-lançada edição do jogo para Switch 2, então mais jogadores vão conhecê-los antes do próximo filme...

Derivados

Talvez o próximo filme do Mario não seja uma continuação... mas um spin-off. Na verdade, seria uma ótima maneira de nos entreter, desenvolver os personagens individuais antes que uma história mais significativa possa ser contada na Parte 3 da saga Mario. Estas são as ideias mais prováveis para spin-offs:

Luigi's Mansion : Charlie Day estrelaria um spin-off que ainda permitiria que Mario, Peach, Toad e a maioria dos personagens do universo aparecessem, tornando-o quase uma sequência, mas colocando o foco no Luigi. Lançar no Halloween, dar alguns sustos leves para as crianças, e pode virar um sucesso...

Star Fox: Um filme Star Fox estrelado por Glen Powell é quase garantido, especialmente depois dos rumores de que não um, mas dois jogos novos na série relativamente obscura serão lançados em breve para o Switch 2. Os personagens também têm um potencial enorme para um filme cheio de batalhas épicas no espaço, mas focado na amizade e na camaradagem.

Princesa Peach Showtime: Está claro que a Nintendo e a Illumination querem fazer de Peach algo mais do que uma donzela em perigo, então dar a ela um filme próprio seria uma ideia legal. O jogo de 2024, no qual Peach se fantasia com todas aquelas peças de teatro diferentes, poderia ser legal de adaptar, mas esperaríamos algo totalmente novo para Anya Taylor-Joy.

Yoshi's Island: A origem dos irmãos Mario, vindo do mundo real, significa que Yoshi's Island não poderia ser adaptada para um filme. Além disso, a cena dos bebês em Galaxy já era um grande Easter egg, então podemos considerar a Ilha do Yoshi coberta. No entanto, outro tipo de história centrada no Yoshi, interpretado por Donald Glover, ainda poderia acontecer, e também poderia ter Bowser Jr. como vilão, já que ele também aparece no próximo jogo Yoshi e o Livro Misterioso.

Donkey Kong Country: O spin-off mais provável ainda é um centrado em Donkey Kong, de Seth Rogen, ausente do filme Mario Galaxy. Com um renovado interesse na personagem após Donkey Kong Bananza, poderia apresentar muitos dos membros da família Kong, e também reintroduzir Pauline no universo dos filmes Mario, após sua breve participação no primeiro filme.

No fim das contas, embora haja muitas possibilidades para continuações, tememos que a Nintendo e a Illumination possam ter se adiantado ao apressar a história do Mario Galaxy apenas no segundo filme, em um filme que, pode-se argumentar, não faz justiça ao jogo. O hype pelo filme Galaxy tem sido imenso, mas será que eles conseguirão mantê-lo no terceiro, quarto ou quinto filme, já tendo desperdiçado uma de suas melhores balas?

Teremos que esperar para ver... Enquanto isso, essas são nossas melhores estimativas sobre o que será o próximo filme do universo Super Mario (e qual será o nome dele). Você concorda com nossas previsões? Você acha que acertou? Ou você tem outras ideias? Conte pra gente!

O argumento a favor de bons ports em vez de mais remakes

alex@gamereactor.pt (Alex Hopley) — Thu, 02 Apr 2026 14:00:00 +0200

Há uma frase que frequentemente me passa pela cabeça sempre que penso na indústria dos games como um todo, e vem de um tal Ben Starr. Sou um grande fã do Sr. Starr e não tenho nada de ruim a dizer sobre ele, mas no Golden Joystick Awards de 2024 ele disse: "É absolutamente criminoso não termos uma versão oficial de Bloodborne rodando a 60 quadros por segundo."

Criminoso? Sério, Ben? Há assassinos andando pelas ruas. O presidente dos EUA em exercício é nomeado mais vezes nos arquivos Epstein do que Deus ou Jesus na Bíblia. Eu entendo, cada um tem sua própria definição de criminoso. Eu adoraria reunir pessoas sem percepção espacial, aquelas que deixam seus carrinhos de compras à mostra e os bobos que não conseguem encontrar o indicador enquanto dirigem, e simplesmente lançá-las para o sol. Eu entendo a frustração de não ter seu jogo antigo favorito tão bom quanto era todos aqueles anos atrás, quando você jogou pela primeira vez. No entanto, quando a comunidade clama por remakes, acredito que o que realmente precisamos é de um bom port para a grande maioria desses títulos. Os mesmos gráficos, jogabilidade e até desempenho em alguns casos, só que jogáveis em mais de um console antigo. Como vimos com o 3DS e o Wii U, é muito fácil que jogos presos a uma única plataforma desapareçam para sempre.

Isso não é para negar totalmente os remakes. Não, acho que existem alguns remakes fantásticos por aí. A Capcom faz um trabalho brilhante ao trazer os sustos da franquia Resident Evil aos padrões modernos, por exemplo. Também acho que um remaster pode ser um bom meio-termo aqui, como The Elder Scrolls IV: Oblivion Remastered, mas hoje em dia as águas entre remaster e remake ficaram tão confusas que fica difícil definir o que os separa. Ports e trabalhos de otimização, por outro lado, muitas vezes parecem deixados de lado. É menos empolgante ter o mesmo jogo de sempre jogado de volta, mas pode ser uma opção melhor para muitos desenvolvedores e títulos. Às vezes parece que a GOG é o único grande nome mantendo jogos antigos de PC disponíveis sem reformular completamente a experiência para um remake.

Remakes são divertidos, chamativos, mas também custam muito dinheiro e tempo. Dê uma olhada no remake de Star Wars: Knights of the Old Republic como um exemplo principal. Não é só pegar código antigo e deixá-lo com um visual novo e brilhante. Você está basicamente criando um novo jogo com um empreendimento desse tamanho, mesmo que tenha uma base sólida para construir. Em uma era em que os orçamentos estão disparando em desenvolvimento AAA em escala massiva, parece que é melhor economizar seus centavos onde puder e investir os recursos potenciais para remakes em outra coisa. Quanto ao tempo economizado, embora portar não seja algo que você possa simplesmente fazer com um estalo de dedos, trazer jogos antigos como eles são para novas plataformas, com pequenas atualizações, é muito mais fácil do que basicamente criar uma experiência AAA nova, com todos os recursos que as pessoas esperam em seus jogos hoje em dia.

Voltando ao Bloodborne como exemplo, sabemos que, se fosse refazer, a FromSoftware seria o estúdio para fazer isso. No entanto, a FromSoftware, como imagino que muitos outros estúdios fariam, prefere trabalhar em outra coisa. Remakes podem ser certificados mortos tanto quanto qualquer lançamento de jogos, já que você já tem uma base de fãs embutida e não precisa apresentar uma nova propriedade intelectual. É fácil entender por que muitos estúdios fazem isso. No entanto, é possível que estejamos perdendo projetos dos sonhos e universos novos e empolgantes se os desenvolvedores simplesmente dedicassem seu tempo a trabalhar em um remake. Imagine se Baldur's Gate III não tivesse sido lançado porque a Larian estava trabalhando no remake de Baldur's Gate II, por exemplo. É uma hipótese, então não é o argumento mais forte no caso anti-remake, mas com o quão focado no calendário de lançamentos mainstream pode ser de remakes, não me surpreenderia se tivéssemos perdido algumas obras originais legais com o passar dos anos.

Também acho que há algo a se dizer sobre os jogadores ainda poderem jogar muitos dos jogos que querem fazer remakes. Como mencionado, GOG é um lugar onde você pode pegar jogos como The Elder Scrolls III: Morrowind, Vampire: The Masquerade - Bloodlines, Dragon Age: Origins, Dino Crisis e muitos outros jogos e simplesmente apertar play. Claro, eles têm suas peculiaridades e mostram mais idade do que um jogo de cinco ou dez anos, mas à medida que os jogos se expandem a cada ano, parece que coisas como gráficos e um padrão visual universalmente aceito estão sendo descartados. Você espera um certo nível de qualidade de uma experiência AAA, mas quando jogos como Slay the Spire 2 estão alcançando centenas de milhares de jogadores, começo a pensar que provavelmente todos nós poderíamos suportar os visuais e o desempenho do início dos anos 2000 novamente, se fosse preciso. Não querendo perder anos da minha vida esperando pelo remake de Knights of the Old Republic, peguei a versão mobile e joguei em um tablet. Foi incrível. Recentemente comecei a jogar Dragon Age pela primeira vez. Mostra sua idade, mas também as pedras. Descartar imediatamente um jogo antigo por causa de gráficos ou desempenho parece estar ficando bastante ultrapassado, e uma opinião só defendida pelas contas mais firmes do Twitter, que olham para qualquer coisa 2D ou com um estilo visual que não seja realismo e chamam isso de lixo.

Mesmo que, por algum motivo, a ideia de jogar um jogo antigo como era, com funcionalidade completa via um novo port, te revire, ainda há muitos jogos disponíveis que são muito mais bonitos e que não precisam realmente de um remake. Você pode jogar Bloodborne desde que tenha um PS4 ou PS5. Claro, a taxa de quadros não é 60fps, o que pode fazer Ben Starr explodir um vaso sanguíneo, mas ainda assim é um jogo fantástico que não precisa de um remake. Ver remakes de títulos com uma década ou, em alguns casos, até mais jovens, mostra algumas das piores tendências dos jogos modernos. É ganância corporativa e sentimento de direito do consumidor, quando você reduz a demanda por remakes constantes até o âmago. Mais portos ainda poderiam abranger essas duas coisas, mas teriam uma fração do custo tanto em dinheiro quanto em tempo.

Remakes ficam mais bonitos, têm melhor desempenho. Você pode fazer um jogo o sonho que ele deveria ser há vinte e poucos anos. No entanto, uma versão ainda pode apresentar uma nova base de fãs a um título antigo e querido, ao mesmo tempo em que dá um cuidado para garantir que ele funcione bem em uma máquina moderna. O problema dos remakes é que eles vendem a ideia de que estamos sempre precisando de novo. É compreensível, claro. Se você pensou bem, provavelmente já tem jogos suficientes para jogar e rejogar para preencher dez vidas, então a indústria precisa vender essa ideia para que ela continue.

Quando penso nos melhores jogos da minha juventude, não penso neles recebendo uma repaginada brilhante no DLSS 5, só desejo que eles possam ser jogáveis em um PC moderno sem rezar para que algum modder heroico os tenha tornado compatíveis com os sistemas atuais. Se fôssemos um pouco mais honestos conosco mesmos e não corréssemos para exigir remakes assim que víssemos trechos de um jogo antigo que ainda se mantém em muitos aspectos, acho que acabaríamos com muito mais ports e uma preservação maior dos jogos antigos a longo prazo.

Falando sobre duração, IA, Story-Link e facções com o desenvolvedor Digixart Tides of Tomorrow

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Thu, 02 Apr 2026 10:00:00 +0200

Depois de passar alguns anos crescendo e expandindo o mundo de Road 96, a desenvolvedora Digixart está seguindo uma nova direção para seu próximo título conhecido como Tides of Tomorrow. Mantendo uma abordagem narrativa cheia de ênfase na tomada de decisões e na construção de uma história baseada nas escolhas que você faz, este projeto deixa o caminho aberto para seguir o mar aberto.

Descrito como uma aventura 'plasticpunk' onde os jogadores vão conhecer personagens excêntricos e interagir com eles para moldar tanto sua própria história quanto as narrativas de outros jogadores, com o lançamento cada vez mais próximo e planejado para 22 de abril, tivemos a oportunidade de conversar com a Digixart para aprender um pouco mais sobre este projeto ambicioso e aguardado.

Você pode ver a entrevista completa com o diretor de jogos Adrien Poncet abaixo, onde discutimos o recente atraso, como o recurso Story-Link impactará a jogabilidade, qual é a posição do estúdio sobre inteligência artificial, a duração geral de Tides of Tomorrow e muito mais.

Gamereactor: Como o recente atraso permitiu que vocês melhorassem e aprimorassem Tides of Tomorrow ?

Poncet: Conseguimos melhorar muitas coisas! Isso nos deu mais tempo para melhorar o polimento e a estabilidade do jogo, testar melhor nossos cenários de Story-Link e melhorar o balanceamento econômico (o que realmente influencia a história e as escolhas que os jogadores farão, já que a escassez de recursos é um dos principais temas do jogo).

Como somos pessoas loucas sempre querendo fazer o melhor possível, isso também nos deu tempo para adicionar algumas cutscenes ao jogo, adicionar jogabilidade extra de barco e reformular o design de certos personagens principais, como Nahe, que achamos não icônico o suficiente.

Gamereactor: Como vocês equilibram dar liberdade aos jogadores enquanto impedem que eles estraguem a jogada de outro jogador antes do tempo via o Story-Link?

Poncet: Vimos muitos jogadores preocupados com isso! Na verdade, a maioria dos cenários relacionados ao recurso Story-Link são feitos à mão. É uma teia complexa de possibilidades, mas com a contribuição de designers e escritores no seu centro. Assim, poderíamos garantir que até mesmo jogadores que seguissem uma rota de "encrenqueiro" gerassem cenários interessantes e divertidos para futuros jogadores que os seguirem. Se o jogador anterior foi um idiota, isso dá a VOCÊ a chance de consertar as coisas e sair parecendo a pessoa melhor. Além disso, encontramos um equilíbrio para garantir que você ainda pudesse controlar seu próprio destino.

Se eu tiver que ser simples: o outro jogador vai impactar principalmente sua jornada, não seu destino.

Gamereactor: Quão grandes são as respectivas ilhas e quanto podemos esperar que a exploração impacte o tempo que você passa em cada ilha?

Poncet: As ilhas são bem grandes! Você pode esperar passar o dobro do tempo na maioria das ilhas se decidir explorar tudo e conversar com todo mundo. No entanto, a maior parte da exploração é opcional: o caminho crítico em cada ilha é sempre guiado pela história, com ramificações dependendo das suas escolhas de história, não de como você explora o local.

Gamereactor: Quão abundante é o remédio para combater a doença da plastemia? Os jogadores serão obrigados a escolher entre salvar NPCs e a si mesmos?

Poncet: Como mencionei anteriormente, os recursos desempenham um papel fundamental no jogo e na narrativa. Medicina é bem rara e fica ainda mais rara conforme você avança na história. Você pode comprá-lo, roubá-lo, encontrá-lo explorando ou consegui-lo por meio de eventos narrativos. Depois, cabe a você decidir o que fazer com isso. Você vai precisar de um pouco para sobreviver, mas se tiver mais sobrando, vai guardar tudo para si mesmo, só por precaução? Deixar um pouco para outros jogadores ou para NPCs? E o que acontece se você não tomar o suficiente para si mesmo? Há dilemas morais difíceis e grandes consequências pela frente!

Gamereactor: Você consegue se apegar às facções do jogo, ou é mais um aventureiro solitário ao longo da história?

Poncet: O jogador personifica um Tidewalker, parte de uma comunidade misteriosa que se diz vir do "velho mundo". Você pode decidir jogar como um aventureiro solitário ou criar laços fortes com NPCs e outros jogadores. Cada facção tem uma relação diferente com os Tidewalkers, que pode evoluir com base nas suas próprias escolhas e nas ações dos jogadores anteriores.

Você encontrará potenciais amigos e aliados em todas as facções (os Recuperadores, os Marotos e os Místicos), mas cabe a você decidir se concorda com eles ou os desafia. Você pode tentar unir todo mundo ou arruinar o destino de uma facção para sempre! Os epílogos do jogo têm partes dedicadas a cada uma das facções.

Gamereactor: Qual é a abordagem da Digixart para utilizar inteligência artificial em seus projetos? Você tem um conjunto de diretrizes que segue de seguida?

Poncet: Temos muitas questões éticas com a IA. Nossos jogos não contêm nenhuma IA generativa no produto final. Usamos alguma IA como ferramenta de produção, não para arte (nunca!), mas principalmente para suporte à programação ou para automatizar tarefas demoradas, como análise de dados. Também usamos tecnologia de texto para fala para fazer os NPCs dizerem nossas falas enquanto iteramos na história, antes de substituí-la por dubladores de verdade!

Gamereactor: Quanto tempo você espera que uma jogatina de Tides of Tomorrow leve?

Poncet: Uma jogatina dura entre 10 e 15 horas, dependendo de quanto você explora e quantos níveis joga (muitos deles são opcionais). Se você tem menos tempo e quer vivenciar a história principal, pode terminar o jogo rapidamente. Mas se você quiser mergulhar fundo no mundo do jogo, encontrar todos os segredos e ler todos os documentos inspecionáveis, terá muito o que aproveitar!

Gamereactor: Você já pensou em trazer o jogo para Nintendo Switch 1 ou 2?

Poncet: O jogo é graficamente mais ambicioso do que nosso jogo anterior, Road 96. Também usamos o Unreal Engine 5 com Lumen e Nanite, que não são facilmente compatíveis com o Nintendo Switch. Então, por enquanto, focamos no PS5 e na Xbox Series.

Gamereactor: Qual é uma parte de Tides of Tomorrow que você acha que as pessoas não falam o suficiente?

Poncet: Falamos muito sobre o recurso Story-Link, já que é a principal novidade que o jogo oferece. Acho que não falamos o suficiente sobre a metáfora do mundo real em torno da poluição dos oceanos que tentamos mostrar no jogo – porque a sociedade no geral não fala disso o suficiente!

Também adoraria ver mais discussões sobre nossos personagens. Pode ser difícil conhecê-los antes do lançamento do jogo, mas pessoalmente acho a maioria dos personagens principais muito interessante. Também temos uma galeria de personagens secundários excêntricos que você vai conhecer durante sua jornada: alguém morando em uma lixeira, um cara estranho chamado BOMBI que passa a vida fazendo BOMBAS no topo de uma torre desmoronando, dois irmãos que dividiram seu reino-barco ao meio e atacam um ao outro à vista desde então... e muitos outros. Eu os chamo de "esquisitos plasticpunk", e é sempre um prazer conhecer um deles. Mas você vai ter que encontrá-los no jogo!

Obrigado à Digixart e à Poncet por dedicarem seu tempo para responder nossas perguntas. Tides of Tomorrow está previsto para lançamento no PC, PS5 e Xbox Series X/S em 22 de abril, então fique ligado para mais cobertura sobre o jogo.

Melhores participações especiais e maiores desaparecidos em The Super Mario Galaxy Movie

david@gamereactor.pt (David Caballero) — Wed, 01 Apr 2026 12:01:54 +0200

Já está em cartaz nos cinemas e você pode ler nossa análise de The Super Mario Galaxy Movie no Gamereactor. Claro, esta sequência é mais um turbilhão de referências e referências aos 40 anos dos videogames de Super Mario e outros personagens relacionados, então aqui está nosso resumo dos cameos mais brilhantes (se me permite o trocadilho) e ausências neste novo blockbuster animado.

Obviamente, recomendamos que você continue lendo apenas se já viu o filme, pois estamos entrando em território de spoilers, mas aqui está nossa lista de participações especiais e elementos favoritos que perdemos, muitos dos quais certamente serão guardados para futuros episódios ou spin-offs, como o óbvio com Donkey Kong.

As melhores participações especiais em The Super Mario Galaxy Movie

Fox McCloud. Os fãs já o tinham visto (ou a Nintendo tinha revelado a raposa) e então isso foi oficializado. Ele é O CAMEO deste filme. Seu design, suas linhas e atitude, suas animações, aquele Arwing que agora tem quatro assentos... até mesmo a sequência de anime que apresenta sua história e companheiros como Slippy Toad ficou perfeita para a Nintendo: uma promoção ideal para um novo jogo da Star Fox e talvez para algum conteúdo animado na forma de um filme ou série independente. Afinal, ele é outra das criações favoritas de Miyamoto

Daisy. Já era hora. Um dos favoritos entre nós que jogam certos jogos do Mario Tennis e uma lenda de Super Mario Land. Ela estrela a cena pós-pós-créditos (a segunda) e não sabemos o que ela está aprontando, mas ela conseguiu ficar. Naturalmente, e salvo outra surpresa canônica, ela não é irmã de Peach, mas princesa do Reino de Sarasaland. O amigo que Luigi queria que Mario apresentasse para ele?

Bowser Seco. Todos nós sabíamos disso no momento em que Bowser começou a atravessar a ponte levadiça, mas isso não tornava a coisa menos agradável. Também não importava que rimos quando isso aconteceu com o Dry Bones na montanha-russa de lava. A transformação lendária de New! Super Mario Bros. levado para as telonas, e uma nova abordagem para o melhor personagem dos filmes, Jack Black.

Sr. Jogo & Vigiar. Já havia silhuetas e acenos no primeiro capítulo, mas aqui temos uma aparição inesperada, quase na forma de um desafiante de Super Smash Bros. Luigi não sabe pintar, mas ele inventa essa criatura retrô fantástica para dar uma boa surra nos vilões.

Guarda-chuva da Peach. Ok, não é um personagem, mas é um ícone, e neste caso é um presente de 'aniversário' de verdade do Mario, dado com todo o amor e intenção. E a Princesa Cogumelo certamente o usa bem logo de cara!

Os Pikmin. Outro vazamento deliberado, mas também uma das participações mais bem colocadas, depois da estátua na mesa dos ricos Castellanos no primeiro filme. Então, onde está o Olimar?

R.O.B.. É uma das melhores piadas do filme, prestando homenagem ao burocrata preguiçoso de Zootropolis. O brinquedo Robótico Operador que vendeu tantos consoles de NES nos EUA e depois virou um personagem de videogame é tão retrô que a simples torção da cintura para dar instruções para Peach e Toad demora um pouco. É um dos poucos momentos de pausa do filme, e funciona.

Os Irmãos Martelo. Não por causa da aparência em si, o que era esperado, mas pelo formato. Quando o 'Rei' Mario e Luigi ficam responsáveis pelo Reino dos Cogumelos, eles precisam cumprir uma série de tarefas na forma de missões no mapa, acompanhadas pelo SFX 'você está prestes a morrer' de Mario 64. Nessa galeria de referências, referências e power-ups, os Irmãos Martelo te acertam duas vezes no coração.

O dragão de Super Mario Odyssey. Dragão Arruinado, chefe do Reino Arruinado, Senhor do Relâmpago, Herdeiro de Isildur, faz uma participação muito estilosa em uma das melhores cenas do filme: a batalha final entre Bowser/Bowser-Bowser Jr. e Mario-Luigi-Yoshi. A transformação é tão impressionante quanto dramática, e é uma das poucas referências bem executadas à odisseia do encanador.

O cachorro dos Castellano. Ele já havia se tornado um personagem no universo Mario, após seu papel muito parecido com Illumination no primeiro filme e sua conexão com Luigi. Aqui ele tem um momento na viagem de Yoshi a Nova York, mas também dizem que ele se assemelha a um certo personagem e revelam o nome da família rica.

Ukiki, o macaco. Mais do que sua aparência, adoramos como ele entra em cena, parecendo muito fofo, mas depois se transformando no pequeno malandro escorregadio e irritante que lembramos de Yoshi's Island e Super Mario 64.

Verruga, Pássaro e Rato. Não confundir com 'Bowser'. Já sabíamos que os vilões absolutamente malignos, quase mafiosos, de Super Mario Bros. 2 – o jogo mais 'falso' do Mario Bros. – estariam lá. E adoramos isso, porque exatamente o quão estranho, diferente e ridiculamente adequado para quatro personagens esse título era, ele merece esse reconhecimento canônico.

Os Piantas, a Rainha Abelha e os habitantes do Reino da Areia. Tostianos, Moe-Eyes e outras criaturas do universo Mario aparecem na tela em meio à sucessão de Reinos e Galáxias. Tudo bem terem destacado a Rainha Abelha com sua própria atriz de destaque e um momento dedicado, mas com tantas referências e poderes, achamos que é um desperdício não termos visto o adorável Mario Abelha.

Fogos de artifício de power-up. Cogumelo, flor de fogo, estrela... Fogos de artifício acompanham as celebrações do Reino dos Cogumelos desde o primeiro jogo, há 40 anos, mas em mais de um título (por exemplo, Super Mario Bros. 3, Super Mario RPG e Super Mario 3D World) eles apareceram na forma de itens de power-up. Essa referência está muito presente na festa de aniversário da Peach neste jogo. Aliás, não perca nosso TOP: Os melhores fogos de artifício em videogames.

Não perca: o filme Galaxy é limitado à Excitebike que Mario e Luigi estão jogando no quarto e pouco mais, então você pode olhar para trás e ver todos os jogos 8-bit que aparecem em Super Mario Bros. O Filme

Os principais ausentes em The Super Mario Galaxy Movie

Donkey Kong. Ele é um mito, uma lenda, quem começou tudo. Mas ele não aparece. Até os Lumas o reverenciam e imitam, mas ele desapareceu. Bem, ele tem uma pequena aparição nas memórias de Yoshi, o turista, mas nada mais. Ele certamente está ocupado 'filmando' seu próprio filme, mas o vazio deixado por sua personalidade monstruosa é muito perceptível.

Toadette. Se ela já era a segunda mais procurada há três anos, não podia ocupar outro lugar desta vez. Continuamos vendo Toads de todos os estilos, idades e cores, mas nenhum sinal do ~~melhor corredor de Mario Kart~~, o amado cogumelo rosa com dois rabos-chiquinhos.

Wario e Waluigi. Havia uma pista, mas era uma pista falsa. A trama não tocou nas travessuras desses dois, embora o cenário do Cassino pudesse ter um toque de Waluigi e seu pinball, e Wart poderia facilmente ter contratado o ganancioso Wario. Será interessante vê-los como antagonistas diferentes no futuro.

O power-up extra de vida (cogumelo 1-UP). Esperamos que traga de volta alguém morto que não sabíamos que tinha comido um em filmes futuros. Quer apostar? Desta vez, seu som inconfundível só é ouvido pouco antes do filme começar, depois que os Minions tocam a música do Donkey Kong, junto com o logo da Nintendo (de 39 para 40 vidas para Super Mario).

Chalres Martinet. Então, você dá dois papéis (Giuseppe e pai do Mario) para a voz mais lendária do encanador no primeiro filme e nenhum momento no segundo? E quem costumava dizer "Super Mario Galaxyyyy yahoo" na sua casa? É uma pena que a melhor participação de três anos atrás tenha acabado nessa outra lista de destaque desta vez.

Quais foram suas participações especiais favoritas e quais elementos você perdeu depois de assistir The Super Mario Galaxy Movie ? Deixe um comentário.

Tempo de tela - abril de 2026

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Wed, 01 Apr 2026 09:00:00 +0200

A primavera já chegou de verdade e, embora você possa esperar enfrentar o grande e cruel mundo e passar cada vez mais tempo ao ar livre, a grande quantidade de filmes e séries de TV que chegam aos cinemas e aos serviços de streaming fará o possível para convencê-lo do contrário. Este abril está repleto de filmes e séries imperdíveis, e como de costume, reunimos o melhor do melhor para o episódio deste mês de Tempo de Tela.

Como sempre, baseamos nossas escolhas em um calendário de lançamentos do Reino Unido, então certifique-se de verificar localmente informações e listas precisas.

O Filme Super Mario Galaxy - 1º de abril

Começando o episódio está o que pode ser um dos maiores filmes do ano. Após o esforço brilhante de The Super Mario Bros. Movie, Illumination e Nintendo estão de volta para uma sequência cósmica que levará o elenco carismático às estrelas para uma aventura galáctica. O filme Super Mario Galaxy busca deixar para trás o Reino dos Cogumelos enquanto apresenta muitos outros personagens lendários do universo mais amplo do Mario, entregando uma aventura que os fãs de videogames não vão querer perder.

O Drama - 3 de abril

Robert Pattinson e Zendaya são duas das maiores estrelas de cinema do mundo atualmente, então, naturalmente, ver a dupla se unindo para um filme produzido pela A24 vale a pena ser destacado. O Drama acompanha um casal felizmente noivo cuja semana de casamento desmorona quando um segredo sombrio é revelado e seu relacionamento é realmente colocado à prova...

Fuze - 3 de abril

Procurando uma ação mais direta? Se sim, Fuze é para onde você deve direcionar sua atenção. Este é um filme que mostra como uma equipe de elite de criminosos completa um assalto lendário usando uma bomba não detonada da Segunda Guerra Mundial como isca. Com Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington e Gugu Mbatha-Raw no elenco, espere um filme bastante estrelado.

Star Wars: Maul - Senhor das Sombras [Disney+] - 6 de abril

Seu Lorde Sith favorito que virou chefe do crime está retornando em abril para sua própria série animada dedicada de Star Wars. Maul - Lorde das Sombras explora os eventos da vida de Darth Maul após as Guerras Clônicas e vê como ele reconstrói seu império criminoso em um planeta que ainda não sentiu o domínio e a pressão opressora do Império.

The Boys: 5ª Temporada [Prime Video] - 8 de abril

No fim das contas, tudo se resume a isso. Após quatro temporadas de violência de cair o queixo, finalmente chegou a hora de The Boys chegar ao seu desfecho, tudo na forma de um capítulo final dedicado que mostra Billy Butcher e sua gangue levando a luta contra Homelander e Vought para um final que sem dúvida será sangrento, distorcido e um tanto hilário.

Ready or Not 2: Lá vou eu - 10 de abril

Samara Weaving simplesmente não consegue ter um descanso. Após sobreviver aos eventos brutais de Ready or Not, agora a atriz está de volta à fuga como Grace, em uma sequência dedicada que a vê caçada por quatro famílias rivais que disputam um trono agora vago. Será que ela e sua irmã, interpretada por Kathryn Newton, podem sobreviver para contar a história?

Desfecho [Apple TV] - 10 de abril

Há alguns motivos-chave para dedicar um tempo à Apple TV este mês, e um exemplo é assistir ao mais recente trabalho de direção de Jonah Hill. O icônico ator de comédia está de volta ao lugar de diretor (e diante das câmeras) para o filme conhecido como Outcome, um projeto que acompanha Reef Hawk, de Keanu Reeves, um ex-astro de Hollywood que tenta voltar aos holofotes após cinco anos afastado de um vício em drogas incapacitante e secreto.

Undertone - 10 de abril

A A24 tem um abril movimentado pela frente, já que o próximo passo é mais um projeto de terror imperdível da produtora. Undertone é uma história emocionante e perturbadora sobre uma apresentadora de podcast que, de forma inesperada, recebe algo mais sombrio e distorcido em sua vida enquanto ouve gravações horripilantes como parte de sua série contínua de mistério de assassinato.

Euphoria: Temporada 3 [HBO Max] - 13 de abril

Tivemos que esperar mais do que o esperado, mas finalmente Euphoria está de volta às telas de TV neste abril para o terceiro capítulo da história mais ampla. Esta série dramática se afasta do caos do ensino médio para retratar o elenco como jovens adultos lidando com todas as tensões e pressões que esse período de idade traz, com Zendaya, Sydney Sweeney, Hunter Schafer, Jacob Elordi e outros retornando para a próxima rodada de episódios.

Margo Tem Problemas de Dinheiro: Temporada 1 [Apple TV] - 15 de abril

Uma das outras grandes adições à Apple TV neste abril é a nova série de comédia dramática Margo's Got Money Troubles. Esta série coloca Elle Fanning no papel principal e a mostra interpretando uma jovem mãe que, numa tentativa de lidar com dificuldades financeiras crescentes, recorre ao OnlyFans, usando conselhos de seu pai afastado na luta livre para aproveitar ao máximo a plataforma.

Beef: Temporada 2 [Netflix] - 16 de abril

Como de costume, a Netflix tem alguns sucessos que valem destaque em abril, e um exemplo disso é o retorno da série de comédia Beef. Afastando-se da guerra entre Steven Yeun e Ali Wong, esta segunda temporada gira em torno do jovem casal de Charles Melton e Cailee Spaeny, que superam a experiência de testemunhar uma briga perturbadora entre Oscar Isaac e o casal de marido e mulher de Carey Mulligan.

A Múmia de Lee Cronin - 17 de abril

Mais um filme para os fanáticos do terror por aí. Lee Cronin, de Evil Dead Rise, está de volta ao lugar do diretor para mais um trabalho horrível e distorcido que gira em torno de uma filha há muito perdida que retorna como outra coisa... A Múmia, de Lee Cronin, é um conto que mergulha no mito da mumificação e mostra como uma família é assombrada pelo que já foi sua bela filha.

Stranger Things: Contos de 85 [Netflix] - 23 de abril

A história principal de Stranger Things pode ter chegado ao seu desfecho, mas ainda há motivos para voltar a Hawkins em busca de aventuras mais sobrenaturais e incomuns. Um exemplo disso é na série animada Stranger Things: Tales from '85, uma aventura mais isolada que testemunha como Eleven e a turma lidaram com um mistério paranormal que ameaçava a cidade no inverno de 1985, quando eram muito mais jovens.

Michael - 24 de abril

Você conhece o homem, conhece a música dele, mas você realmente conhece a história dele? Se ainda não decidiram o veredito sobre esse último ponto, você não vai querer perder Michael, o docudrama de Antoine Fuqua que mergulha na vida de Michael Jackson e busca registrar como um jovem músico talentoso se tornou o Rei do Pop e logo enfrentou todas as complicações que a fama global traz.

Apex [Netflix] - 24 de abril

O penúltimo projeto da Netflix que vamos destacar em abril é Apex, um thriller de ação que acompanha Sasha, personagem viciada em adrenalina de Charlize Theron, que, durante uma tentativa de conquistar um rio brutal, se vê lutando pela sobrevivência além do que a natureza pode oferecer. Com Taron Egerton e Eric Bana no elenco, espere um filme que realmente incorpora o mantra de caça ou ser caçado.

Homem em Chamas: Temporada 1 [Netflix] - 30 de abril

A última produção da Netflix e última entrada em Screen Time de abril traz Yahya Abdul-Mateen II estrelando uma nova adaptação da história O Homem em Chamas. Baseado em um romance que também serviu de inspiração para o filme de Denzel Washington de 2004, Homem em Chamas acompanha um ex-mercenário que embarca em uma busca de vingança enquanto simultaneamente protege a filha de um colega morto.

Mais um grande problema, de fato. Como sempre, você pode se juntar a nós em um mês para ver o que maio de 2026 tem a oferecer para os cinéfilos e usuários de serviços de streaming.

Jogos para Ficar de Olho - Abril 2026

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Mon, 30 Mar 2026 11:00:00 +0200

Foi um começo de ano para lembrar, já que fomos presenteados com muitos lançamentos de jogos empolgantes e importantes desde que o Ano Novo chegou. Para isso, abril não está desacelerando nem por um segundo, já que estamos entrando talvez no melhor mês de 2026 até agora. Sim, vai ser uma boa história, então não vamos perder mais tempo e começar os Jogos a Procurar deste mês.

Darwin's Paradox (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) - 2 de abril

Para começar, temos um jogo de ação e aventura com uma adorável protagonista polvo. Darwin's Paradox, do ZDT Studio, é um videogame desafiador e focado em furtividade onde os jogadores devem guiar uma pequena criatura marinha de volta à segurança do oceano, evitando perigos industriais e predadores ferozes pelo caminho. Com um formato 2D e side-scrolling, espere plataformas criativas e tensão de tirar o fôlego neste promissor indie.

O Ocultista (PC, PS5, Xbox Series) - 8 de abril

Em seguida, temos um tipo de jogo bem diferente, já que The Occultist, de Daloar, é um thriller narrativo em primeira pessoa que acompanha um investigador paranormal que viaja para uma ilha britânica abandonada na tentativa de descobrir a verdade por trás do desaparecimento de seu pai. Naturalmente, ou melhor, de forma sobrenatural, há muito mais nesta ilha do que se poderia imaginar, levando a uma aventura sombria, distorcida e perturbadora.

Samson (PC) - 8 de abril

O pessoal da Liquid Swords está pronto para lançar seu primeiro projeto, já que em abril deste ano Samson chegará. Esta é uma história dura e sombria que acompanha um homem enquanto ele tenta juntar dinheiro suficiente para pagar alguns indivíduos perigosos que mantêm sua irmã refém. Isso gera todo tipo de caos em um mundo urbano onde a melhor solução é Sansão passar por qualquer coisa em seu caminho.

Substituídos (PC, Xbox One, Xbox Series) - 14 de abril

Já fomos presenteados com algumas aventuras empolgantes de indies e AA e agora vamos um passo além para destacar Replaced. Vindo da Sad Cat Studios, Replaced é um jogo de plataforma de ação 2.5D que acompanha uma IA presa em um corpo humano, tentando escapar de uma cidade catastrófica e distorcida onde vidas são trocadas como moeda. Ambientado em uma América alternativa dos anos 1980, espere becos iluminados por neon, desertos industriais e uma atmosfera cyberpunk sombria.

Mouse: P.I. Para Aluguel (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) - 16 de abril

Está aproveitando este abril sem AAA até agora? Boas notícias, agora é hora da Fumi Games roubar os holofotes, já que Mouse: P.I. For Rent é o próximo da nossa lista. O impressionante shooter de ação animado em preto e branco com mangueira de borracha está quase chegando, trazendo combates bombásticos, trilha sonora antiga e um caso confuso para resolver, tornando mais um indie imperdível neste abril.

Cthulhu: O Abismo Cósmico (PC, PS5, Xbox Series) - 16 de abril

De volta ao mundo do desenvolvimento AA, desta vez Big Bad Wolf assume os holofotes para apresentar Cthulhu: The Cosmic Abyss, um jogo de aventura atmosférico e sombrio que acompanha um homem enquanto ele tenta desvendar os mistérios das profundezas enquanto está preso em uma estação de mineração no abismo do Pacífico. Com um tema lovecraftiano, este projeto de aventura verá os jogadores enfrentando horrores antigos e lidando com o que é e não é realmente real.

Tomodachi Life: Vivendo o Sonho (Switch, Switch 2) - 16 de abril

Nunca fizemos um mês totalmente indie ou AA no GTLF e é aqui que a tentativa deste abril chega ao fim, pois agora é hora da Nintendo aparecer e mostrar o exclusivo para Switch 1 e 2, Tomodachi Life: Living the Dream. Talvez só tenhamos tido Pokémon Pokopia, mas claramente a Nintendo acha que precisamos de mais simulação de vida em nossas vidas, e é exatamente isso que estamos recebendo com essa aventura focada no Mii.

Pragmata (PC, PS5, Xbox Series, Switch 2) - 17 de abril

A Capcom já teve um começo de ano brilhante com Resident Evil Requiem e espera conseguir replicar ao menos um pouco disso com o próximo Pragmata. Considerado a mais recente nova propriedade intelectual do titã japonês, este jogo de ação tem um tema de ficção científica e mostra como um herói humano e um androide companheiro parecem sobreviver e progredir por uma estação de pesquisa lunar onde todos os tipos de monstros robóticos espreitam.

Marés do Amanhã (PC, PS5, Xbox Series) - 22 de abril

É hora de voltar ao segmento AA por um tempo, já que o criador de Road 96, Digixart, está se preparando para apresentar Tides of Tomorrow. Este é um jogo de aventura com muita narrativa e foco na comunidade, onde as escolhas que você faz não impactam apenas sua experiência, mas também podem impactar outras pessoas. Ambientado em um mundo plasticpunk, o objetivo será se tornar um Tidewalker tentando sobreviver em um mundo inundado.

Masters of Albion (PC) - 22 de abril

Ame ou odeie, Peter Molyneux é um dos nomes mais conhecidos no mundo do desenvolvimento de videogames, e neste abril, o ex-chefe de Lionhead e criador de Fable está de volta para o que considera sua obra-prima. Masters of Albion é o nome dessa simulação de jogo divina que busca dar aos jogadores controle divino completo sobre um mundo onde você pode construir o que quiser, matar quem quiser, mover o que quiser, para onde quiser.

Kiln (PC, PS5, Xbox Series) - 23 de abril

Já se passaram cerca de seis meses desde a última aparição de Double Fine com o colorido jogo de aventura Keeper e já o desenvolvedor de Psychonauts está de volta com mais um jogo. No entanto, isso é uma besta bem diferente, já que Kiln é um jogo de luta de festa de cerâmica, um projeto onde os jogadores enfrentam diferentes tipos de cerâmica e depois batalham em modos diferentes com amigos e contra um time rival. Tudo isso soa tão Double Fine quanto um jogo pode ser, não é?

Aphelion (PC, PS5, Xbox Series) - 28 de abril

Ainda não se cansou de jogos de ação e aventura este mês? Bom, pois agora é a vez de Don't Nod, com o desenvolvedor francês pronto para apresentar Aphelion ao mundo. Esta é uma história que acompanha um par de astronautas que assumiram a missão extremamente importante de explorar e explorar um nono planeta distante na borda do sistema solar, com a esperança de que o mundo gélido possa servir como refúgio seguro para a humanidade que busca escapar de uma Terra moribunda.

Diablo IV: Lord of Hatred (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series) - 28 de abril

Está quase na hora da saga do Ódio chegar ao seu fim, já que a expansão Lord of Hatred de Diablo IV chegará no final de abril e verá como a humanidade finalmente leva a batalha contra Mephisto, com o destino de Sanctuary em jogo. Trazendo oficialmente a classe Bruxo e o Paladino também, esta expansão introduz uma nova região para explorar, muitas novas atividades, recursos reformulados e muito loot para caçar também.

Saros (PS5) - 30 de abril

Depois de surpreender o mundo há alguns anos com o excelente Returnal, a equipe finlandesa da Housemarque retornará em abril com o tão aguardado Saros. Também projetado como um jogo de ação e aventura sci-fi, a ideia será se vestir como protagonista, interpretado por Rahul Kohli, e então correr de cabeça para um mundo sob a sombra de um eclipse, na tentativa de desvendar os segredos assombrados da terra e lidar com seus habitantes hostis.

Invincible VS (PC, PS5, Xbox Series) - 30 de abril

Por fim, temos mais um jogo de batalhas de tag para os fãs de luta por aí. A Quarter Up tem trabalhado com Robert Kirkman, criador de Invincible, para criar um jogo de luta 2D emocionante e impactante, que coloca equipes de heróis e vilões uns contra os outros em locais icônicos e ao longo de uma história criada especificamente para este projeto.

Uau, que monstro. Nem preciso dizer que deve ter algo para todos neste abril, mas se você já está de olho no horizonte, voltaremos para ver o que maio de 2026 reserva para os fãs de videogames em algumas semanas.

Tendências recentes que os jogos devem deixar para trás

alex@gamereactor.pt (Alex Hopley) — Sun, 29 Mar 2026 13:00:00 +0200

Não vou falar sobre serviço ao vivo neste artigo. Não estou. Todos sabemos por que muitos jogadores odeiam, e mesmo assim você vê um sucesso como ARC Raiders e seria cego para não saber por que desenvolvedores e publishers continuam apostando, sonhando com seus 15 milhões de cópias vendidas e seus constantes 100k+ jogadores. Esse cavalo já foi massacrado e, embora possamos ver Concord 3 antes de Grand Theft Auto VI, há muitas outras tendências que surgiram nos games nos últimos anos que também devemos deixar morrer. Desde má prática no desenvolvimento até os próprios jogadores precisando aprender a se comportar, aqui estão algumas das piores tendências nos jogos dos últimos anos que precisamos deixar para trás.

Perseguindo o dragão

Ainda assim, não vou falar sobre serviço ao vivo aqui, porque mesmo que os olhos de certos publishers possam virar cifrões quando sonham com um novo hit de herói shooter, muitos jogos hoje em dia gastam incontáveis dólares em marketing dizendo que são como mais um jogo que estabeleceu precedente para um gênero. Não é necessariamente uma opinião polêmica, mas acho quase constrangedor quantos jogos foram chamados de Soulslikes ao longo dos anos, mostrando orgulhosamente que tentam ser como os RPGs da FromSoftware, mas sabendo que não são tão bons.

Essa ideia de perseguir e tentar emular o sucesso de um produto melhor raramente funciona. Se os últimos anos nos games provaram algo, é que os desenvolvedores trabalham melhor quando estão focados não no trabalho de outro grande estúdio, mas em um jogo pelo qual são apaixonados. Clair Obscur: Expedition 33 foi inspirado em Sekiro, mas você não vê o jogo assumindo um cenário japonês, adicionando furtividade e um macaco gigante jogando seu próprio esterco em você. Ser inspirado é ótimo; Hoje em dia é quase impossível criar algo totalmente novo, mas as tentativas desesperadas de aproveitar o sucesso dos outros devem chegar ao fim.

Criar chefes difíceis sem entender por que eles funcionam

Isso se estende a muitas outras mecânicas também, mas sinto isso com mais urgência ao ver um jogo que não deveria jogar "Mallowbold, o Rei Infiel do Fogo, Morte e Sofrimento" em mim, quando eu já teria dificuldade fácil para derrotar inimigos normais. Isso é menos uma reclamação sobre dificuldade, porque mesmo estando velho demais e tendo pouco tempo para passar horas batendo a cabeça contra um chefe, ainda entendo o propósito e a razão por trás de criar encontros difíceis e agradáveis.

O problema surge com chefes e outras mecânicas jogadas em um jogo sem esse propósito. Sem a lógica que faz você entender por que está sendo maltratado e que faz você querer continuar perseverando. A FromSoftware nem sempre acerta o design dos chefes, como provaram chefes como Fire Giant e o Radahn pré-patch, então é estranho quando vejo tipos semelhantes de lutas adicionadas nos jogos porque os desenvolvedores acham que os jogadores vão gostar, em vez de vê-los como um recurso narrativo e de jogabilidade que eleva a experiência. Claro, você quer coisas no seu jogo que os jogadores vão gostar, mas não deve transformar seu jogo em um mingau espesso de recursos queridos, pois para impressionar todo mundo, você não agrada ninguém.

Pensar maior é sempre melhor

Essa era uma tendência mais forte nos anos 2010 do que é hoje, mas ainda vemos jogos que mostram um mapa enorme, ou até uma galáxia enorme (Starfield, cof), e dizem "ei, não pode esperar para passar horas se perdendo nesse barulho?" Aí você pergunta o que tem no mundo, e eles apenas te encaram como aquele quadro do Brendan Fraser em The Whale. Você não precisa de 100 horas de jogo, nem de um mapa que leva 5 dessas horas para atravessar a pé, para criar um ótimo jogo. Muitos jogos têm mapas, mundos e histórias enormes, dando aos jogadores a sensação de que recebem mais do que o dinheiro que recebem, mas acho que se você se empolga ao ver marketing que é só "mapa grande", está perdendo algo.

Os jogos estão mais caros do que nunca hoje em dia, então até parece um pouco insultuoso gastar $80 em uma experiência de dez horas, mas ao mesmo tempo tem que haver um meio-termo. Estamos vendo isso ser alcançado em alguns pontos, mas quero uma indústria onde não seja sobre o tamanho do mapa, mas sim sobre como você o usa.

Farmar engajamento/isca de raiva

O mundo é negativo, não é? Este artigo é bem negativo, se você pensar bem. Consigo suportar olhar para más práticas ou algum marketing maltratado nos dias de hoje. O que eu não suporto é a quantidade de discurso de má-fé, desinformação e recusa em entender as emoções e pensamentos humanos mais básicos no clima dos games de hoje. Desde os anos anti-woke até as batalhas constantemente travadas contra escritores, influenciadores e mídia, parece que ninguém respirou há tempo demais. Ei, sabe daquela vez que seu jogo favorito não ganhou o GOTY? Você também percebeu que o mundo não desmoronou naquele momento? Não deveria ser condescendente, e não vou fazer de novo, mas parece que está mais fácil do que nunca para as pessoas se irritarem com coisas que realmente não importam.

Essa negatividade se espalhou para os desenvolvedores agora, onde existem alguns jogos e estúdios que não vou citar se promovendo pelo fato de que sim, eles estão adicionando armaduras de peito, ou mulheres medievais com maquiagem moderna, ou qualquer uma daquelas coisas que tentam "revidar" contra a indústria em geral. O problema é que a indústria é tão grande hoje em dia, você realmente pode jogar os jogos que quiser para sempre e nunca ficar sem títulos. Se o objetivo é fazer uma declaração, em vez de fazer arte, então você está apenas fazendo o que diz que todo mundo está fazendo.

Programas incrivelmente longos e sem sentido

Como britânico, o Game Awards pode ser difícil de assistir. Você tem que ficar acordado até tarde, e cada vez mais cada ano é para tentar te animar para os próximos anos, em vez de celebrar o ano que simplesmente acabou. Estamos onde estamos agora, mas se o Sr. Keighley, o Sr. PlayStation, o Sr. Xbox ou o Sr. Nintendo conseguissem reduzir ao menos 10% os programas que fazem, isso poderia torná-los um pouco mais empolgantes.

Ou então fazer o que o Xbox tem feito com seus Developer Directs. Mostrando alguns desenvolvedores em detalhes, para que você lembre de tudo que viu. Caso contrário, as pessoas entram em uma transmissão, veem ou não veem o jogo que querem passar rapidamente em meio a tantos jogos que sentem que sua memória está sendo apagada, e depois seguem em frente, esperando pelo próximo.

Ignorando certos gêneros porque eles não vendem

Essa parece que pode desaparecer, graças aos sucessos recentes em alguns gêneros antes de nicho. É fácil, quando você olha para as estatísticas gerais dos jogos mais vendidos, dizer que as pessoas só gostam de shooters, jogos esportivos e Minecraft. Você estaria perdendo uma grande parte dos jogadores que não só estão dispostos a comprar um jogo de um gênero que não viam há anos, mas que também ficam com o desenvolvedor que trouxe seu tipo favorito de jogo de volta para o grande público.

Dispatch e Baldur's Gate III são exemplos excelentes, mas a demanda por remakes e remasterizações de clássicos antigos deve nos mostrar que os jogadores não só querem os jogos que já jogaram, mas também títulos novos que possam criar uma sensação semelhante. Note que eu disse algo parecido, não o mesmo, para não contrariar meu primeiro ponto. O importante desses dois exemplos é que eles construíram fortemente sobre os gêneros que os inspiraram.

O HBO Max foi lançado no Reino Unido: O que saber e esperar do serviço

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Fri, 27 Mar 2026 15:00:00 +0100

Como está sua conta bancária? Como você está achando a infinita variedade de serviços por assinatura disponíveis atualmente? Espero que você ainda esteja segurando, pois agora mais um grande serviço estreou no Reino Unido, o HBO Max. Fãs na Grã-Bretanha estarão familiarizados com grande parte do que esse serviço oferece graças à conexão entre HBO e Sky/Now, que permanece em vigor, já que o novo serviço também está acessível por essas plataformas existentes. No entanto, a estreia abre caminho para que vários shows cheguem ao Reino Unido, seja pela primeira vez ou da forma mais acessível que já foram.

Diante disso, destacamos algumas adições que você pode querer conferir agora que o HBO Max chegou ao solo britânico.

The Pitt

Quem gosta de séries dramáticas hospitalares e médicas não vai querer perder este programa, que acompanha a equipe do Trauma Medical Centre de Pittsburgh. Espere caos e turbulência, enquanto a equipe médica qualificada trabalha incansavelmente 24 horas por dia para salvar vidas em um departamento de emergência subfinanciado.

Galo

Steve Carrell retorna à comédia televisiva nesta aclamada série que acompanha um autor que viaja para um campus universitário para lidar com a relação complicada que tem com sua filha. Considerado espirituoso e bem escrito, este é perfeito para quem busca uma série de comédia mais refinada.

Harley Quinn

Grande parte do que a DC lançou nos últimos anos tem sido amplamente e facilmente acessível no Reino Unido, mas a série animada da Harley Quinn é uma das poucas exceções. Felizmente, agora todas as cinco temporadas da série que foram criadas até agora estão acessíveis, o que significa que você pode acompanhar as travessuras da Harley e da Hera Venenosa.

Homem Pipa

Uma série derivada baseada na série da Harley Quinn acima. Nenhuma dessas séries faz parte do Universo DC mais amplo que está nascendo gradualmente, mas se você gosta desse mundo e dos personagens excêntricos que ele oferece, vale a pena conferir essa série maluca mesmo assim.

O Retorno

Lisa Kudrow retornou a um de seus papéis mais populares na televisão ao assumir as funções da atriz de segunda linha Valerie na série de comédia The Comeback. Esta não é uma série nova, já que tendemos a ter uma temporada dessa série a cada década mais ou menos, com estreia em 2005, segunda temporada em 2014 e agora terceira temporada este ano. Então, se você gosta do humor excêntrico dos Friends Legends, não perca isso.

DTF St. Louis

Jason Bateman, Linda Cardellini e David Harbour. Com três nomes importantes como esses ligados a uma série de TV, provavelmente não precisamos dizer muito mais para convencer você a conferir o projeto. Mas se você conhece, este programa é descrito como uma comédia negra que explora um triângulo amoroso entre adultos enfrentando crises de meia-idade e como um deles logo acaba morto...

Além dessas séries que possam merecer sua atenção, também vale lembrar que a HBO Max agora é a única localização para assistir à cobertura da TNT Sports, incluindo o seguinte:

Premier League (futebol)

FA Cup - Masculino e Feminino (Futebol)

Liga dos Campeões (futebol)

Liga Europa (futebol)

Conference League (futebol americano)

Serie A (Futebol)

LIV Golf

Gallagher Premiership (Rugby)

MotoGP

Ciclismo

Campeonato Mundial de Superbike da FIM

Sinuca

Críquete

Esportes de Inverno

Da mesma forma, a HBO Max é o ponto único para estreias de streaming para as estreias da Warner Bros., o que significa que você pode assistir a filmes recentes como Pecadoros, Superman, Uma Batalha Após a Outra, Um Filme de Minecraft e outros. Muitos até apresentam versões em ASL, que antes não estavam disponíveis na Sky ou Now.

Além disso, a HBO Max será a única casa da próxima adaptação da série de TV de Harry Potter, que chegará em dezembro e busca adaptar A Pedra Filosofal nesta primeira temporada. O mesmo vale até para projetos televisivos do DC Universe, como Lanternas quando estrear ainda este ano.

Com tudo isso em mente, você vai assinar a HBO Max?

Discutimos duração, dificuldade, IA e muito mais com o desenvolvedor Sluggerfly Super Meat Boy 3D

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Thu, 26 Mar 2026 20:00:00 +0100

O garoto voltou. Seguindo Super Meat Boy Forever em 2020, chegou a hora do adorável cubo de carne ser a estrela principal de um videogame mais uma vez, tudo na forma de Super Meat Boy 3D. Chegando ao PC, PS5, Xbox Series X/S e Nintendo Switch 2, com o lançamento se aproximando, tivemos a oportunidade de conversar com o CEO e cofundador da desenvolvedora Sluggerfly, Dominik Plaßmann, para responder a algumas perguntas urgentes sobre o plataforma tridimensional e desafiador.

Antes de continuarmos, um grande obrigado ao Plaßmann, da Sluggerfly, por dedicar seu tempo para responder nossas dúvidas.

Gamereactor: Quantos 'mundos' você tem reservados para Super Meat Boy 3D e quanto tempo normalmente leva para completar o jogo? Existem motivos para os jogadores voltarem aos níveis depois de terminá-los?

Plaßmann: "Temos 5 mundos no jogo, e cada um deles também apresenta uma versão mais difícil de cada fase do Mundo Sombrio. Além disso, cada fase contém um colecionável escondido e um requisito de tempo específico necessário para completar 100%. Por causa disso, muitos jogadores provavelmente não vão completar todos os desafios na primeira jogada. Mesmo depois de terminar tudo, ainda pode ser muito gratificante melhorar seus tempos de conclusão. Com a transição para o 3D, também há muitos atalhos e pulos para descobrir, o que torna rejogar fases especialmente interessante para jogadores que gostam de otimizar suas rotas."

Gamereactor: Os fãs adoram speedrun de jogos do Super Meat Boy, então quão rápido você já viu o jogo ser vencido até agora e quão rápido acha que os verdadeiros especialistas podem vencer?

Plaßmann: "Para ser honesto, não queremos estragar nenhum horário específico ainda. Nos tornamos bastante habilidosos no jogo, e alguns dos nossos testadores também passaram muito tempo com ele, então temos uma ideia geral do que esperar — pelo menos antes que os jogadores comecem a quebrar completamente os níveis:D. Uma jogatina rápida é definitivamente possível, mas fazer uma speedrun completa de 100% vai levar muito mais tempo e exigir dedicação real."

Gamereactor: Os jogos Super Meat Boy são notoriamente projetados para serem desafiadores de ser vencidos, então como isso se encaixa na sua filosofia sobre dificuldade e design? Você considera jogadores mais casuais, ou Super Meat Boy 3D é feito, apropriadamente, para quem gosta principalmente de desafios?

Plaßmann: "Desde o início, sabíamos que o jogo não seria para todos, e tudo bem. Desafio é uma parte central do que define Super Meat Boy, e foi muito importante para nós preservar essa identidade. Dito isso, ainda buscamos encontrar um equilíbrio tornando os primeiros níveis acessíveis para a maioria dos jogadores. Conforme o jogo avança, a dificuldade definitivamente aumenta. No entanto, a maioria dos jogadores ainda deve conseguir completar uma jogada completa e alcançar o chefe final, já que os desafios mais difíceis são opcionais e não são obrigatórios para ver o final."

Gamereactor: Como a transição totalmente em 3D muda fundamentalmente a forma como você aborda a criação de um jogo Super Meat Boy? Para aqueles que só experimentaram Super Meat Boy em duas dimensões, como essa evolução vai redefinir o paradigma de expectativas?

Plaßmann: "A abordagem central não mudou muito. No fundo, ainda é um jogo sobre movimentos precisos e rápidos, mortes frequentes e respawns instantâneos. O que a terceira dimensão adiciona é uma nova camada de complexidade à travessia. Tivemos que repensar bastante o design dos níveis, especialmente com um ângulo de câmera fixo, para garantir que tudo parecesse certo. Mas, no geral, acreditamos fortemente que o clima clássico de Super Meat Boy ainda está muito presente."

Gamereactor: Qual é a sua posição sobre o uso de IA no desenvolvimento de jogos?

Plaßmann: "Vemos a IA como uma ferramenta que pode ser útil em certas áreas, mas não algo que deva ser usado em todos os aspectos. Por exemplo, não incluiríamos ativos gerados por IA em nossos jogos."

Gamereactor: Com o lançamento planejado para várias plataformas, haverá algum tipo de cross-save/cross-progression suportado para o jogo?

Plaßmann: "Isso não está planejado no momento."

Gamereactor: Qual é uma parte de Super Meat Boy 3D que você acha que mais pessoas deveriam falar?

Plaßmann: "Para ser honesto, a maioria dos aspectos-chave do jogo já está sendo discutida, o que mostra que os jogadores realmente entendem do que se trata Super Meat Boy. Do nosso ponto de vista como desenvolvedores, a importância histórica de Super Meat Boy como um dos títulos indie que ajudou a moldar e estabelecer a cena indie é algo de que estamos muito conscientes, mas naturalmente é algo que tem mais peso para nós do que para a maioria dos jogadores."

Mais uma vez, obrigado a Plaßmann por dedicar seu tempo para responder nossas perguntas. Você poderá jogar Super Meat Boy 3D no PC, PS5, Xbox Series X/S e Switch 2 em breve.

Opinião: The Crimson Crossroads - Um dos lançamentos AAA mais confusos e bizarros da história dos videogames

alberto@gamereactor.pt (Alberto Garrido) — Wed, 25 Mar 2026 15:00:00 +0100

Crimson Desert, um dos jogos mais aguardados dos últimos anos, finalmente chegou. Em 19 de março, às 23:00 CET, em um horário bastante incomum e obrigatório em todas as plataformas, Pearl Abyss finalmente abriu as portas para seu vasto mundo aberto de Pywel, permitindo que os jogadores o explorassem como Kliff, o protagonista principal. No entanto, quando essa hora chegou, as primeiras críticas da imprensa e dos críticos já haviam sido publicadas há um dia inteiro, incluindo a minha, e já mostravam que esse não era o título que mudaria tudo dentro do gênero. Ou pelo menos, era assim que parecia há cinco dias, na época em que escrevi.

Mas não vamos nos precipitar. Agora que todos os embargos e compromissos expiraram, permita-me falar um pouco sobre o processo de análise do jogo. Sem entrar em muitos detalhes, posso dizer que tive pouco menos de duas semanas para jogar o jogo na minha análise. Ia demorar alguns dias a mais, mas um patch pré-lançamento na versão de imprensa (o primeiro de vários) me obrigou a deletar meus arquivos de salvamento e começar do zero. Apesar desse revés, o período de análise seria suficiente e confortável para a maioria dos jogos... mas totalmente insuficiente para a escala desta. Além disso, ser o primeiro a pisar em um novo mundo — e em que quase não há contexto para entender seus mistérios ou o que é exigido para progredir — foi um processo bastante exigente, tanto em termos de tempo quanto de paciência.

Você pode se interessar: Crimson Desert: Dicas e Truques para Começar Sua Jornada em Pywel

Felizmente, todos nós, testadores europeus, estávamos em contato uns com os outros e com membros do Pearl Abyss por meio de um canal privado, onde destacamos tanto as questões mais urgentes do jogo quanto oferecemos conselhos sobre como continuar progredindo e completar a história. Devo dizer que esse canal, além de ser um ponto de encontro para os jogadores envolvidos no processo de avaliação, também serviu como campo de testes para muitos dos ajustes que estão chegando (e virão) no jogo. Em vez de críticos, éramos testadores do jogo, e é por isso que acredito que agora, cinco dias depois, a maioria das análises de lançamento do jogo, incluindo a minha, se tornaram obsoletas.

Com questões resolvidas em relação aos controles, interação com objetos, equilíbrio nas lutas contra chefes, um redesenho do sistema de armazenamento e uma enorme expansão do inventário dos personagens (para mim, a principal melhoria da experiência), além da adição de uma série de pontos de viagem rápida, a experiência atual é diametralmente diferente do que vimos durante o processo de análise. E todos esses problemas foram corrigidos ao longo de três atualizações durante o primeiro fim de semana do jogo. Incrível... E muito estranho.

O que me faz torcer o nariz para essas mudanças — bem-vindas — é como elas poderiam ter sido implementadas tão rapidamente no jogo sem avaliar se isso realmente afetava a experiência geral. É como se Pearl Abyss tivesse dito: "Certo, concordamos com todas as críticas, com todo o feedback; Vamos te dar tudo o que você quiser imediatamente." Ninguém tinha percebido isso antes? Isso não sugere uma certa falta de direção no jogo? Porque se você começar a adicionar pontos de teletransporte onde antes não havia, grande parte dessa exploração — que era um dos pilares do jogo antes do lançamento — fica borrada. Por exemplo, no acampamento da Guilda dos Mercadores Goldleaf há dois Nexus do Abismo separados por 200 degraus. É uma adição apressada e desajeitada.

A questão da falta de direção, aliás, também veio à atenção pública recentemente, após um suposto vazamento de conversas e comentários de membros atuais e antigos da equipe de desenvolvimento Crimson Desert, nos quais falavam sobre uma cultura de desenvolvimento de 'toxicidade positiva', onde ninguém apontava a falta de direção ou os problemas estruturais que o jogo estava acumulando. Isso, sem confirmação oficial ainda (e o post removido do Reddit), seria sustentado pela óbvia falta de coerência na história do jogo, um dos seus pontos mais fracos, porque supostamente foi adicionado em cima da hora. Também pode estar ligado à falta de um plano de trabalho, tendo tido que realizar um rápido exercício de controle de danos depois que os recursos criados pela GenAI foram descobertos no jogo, mas vou dar o benefício da dúvida neste caso e assumir que foi uma gota no oceano que é o gigantesco mundo aberto deles.

Não estou reclamando que o Pearl Abyss avançou tão rápido a ponto de tornar todas as avaliações de lançamento Crimson Desert obsoletas, que foi o que aconteceu. Pelo contrário, saúdo o fato de terem reagido (tão) rápido e resolvido as questões mais urgentes para a crescente comunidade do jogo, que agora ultrapassa três milhões de jogadores.

Agora é um candidato ao GOTY? Na minha opinião, não. É uma experiência melhor, sem dúvida, mas não um videogame melhor. Agora é muito menos agressivo para novos jogadores, e a curva de dificuldade foi visivelmente suavizada, mas ainda sofre de uma desconexão excessiva entre suas várias partes.

E agora vem meu pensamento final, por isso intitulei este artigo 'A Encruzilhada Carmesim'. Parte de mim fica feliz que o feedback direto tenha chegado tão rápido às mesas dos desenvolvedores. No clima atual, é um caso único de reação positiva, e talvez seja por isso que estou ficando para ver para onde Kliff está indo nesse Pywel em constante mudança. Mas também tenho algumas preocupações, porque se este jogo – que agora está se esforçando para agradar os fãs, lançando patches quase diariamente com mudanças na jogabilidade e vendo suas vendas dispararem – realmente chegar ao limite do sucesso... Como isso afetará o desenvolvimento futuro de títulos single-player no mesmo gênero? Outras equipes com orçamentos menores, ou até semelhantes, seguirão seu roteiro para seus próprios títulos? Suponho que em breve, talvez quando o trimestre financeiro acabar e a poeira baixar, veremos se esse modelo pode ser replicado no futuro.

Saturday Night Live Reino Unido: Muito a melhorar, mas é uma adição bem-vinda à televisão noturna

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Tue, 24 Mar 2026 14:00:00 +0100

Embora eu não tenha sido e não tenha sido crítica preconceituosamente durante qualquer reportagem que fiz sobre a tentativa da Saturday Night Live de invadir a cena da comédia britânica com seu esforço no SNL UK, fora da reportagem de notícias tenho sido muito, muito cético em relação a esse esforço. Na verdade, eu diria que não tinha nem um pouco de confiança de que seria um sucesso.

A razão dessa crença é simplesmente que existe um abismo bastante grande entre o humor britânico e o americano, especialmente stand-up e esquetes. Nós, britânicos, não temos o mesmo amor pela comédia de esquetes mais excêntrica, animada e um tanto infantil que programas como SNL alimentam no mercado americano. Da mesma forma, e provavelmente um pouco devido ao complexo de superioridade associado à cultura britânica, gostamos de humor mais intelectual e espirituoso, ainda mais seco, o que provavelmente é uma das principais razões pelas quais há uma diferença significativa entre a primeira e a última temporada da versão americana de The Office.

Não vou dizer que um estilo de humor é melhor que o outro, apenas que há uma divisão clara no que fãs britânicos e americanos gostam. É com isso em mente que nunca vi o SNL UK sendo um sucesso. Já vi a versão americana do SNL muitas vezes antes e, embora haja momentos que se destacam, muita coisa não se conecta com meu estilo de comédia. E ainda assim aqui está Lorne Michaels, criador da Sky e do SNL, tentando dizer a todos que isso vai funcionar e que deveríamos sintonizar para 75 minutos divertidos e hilários de televisão. Claro...

Mas aqui está outra coisa que o público britânico provavelmente esquece; A televisão noturna atualmente é francamente péssima. O nível para que o SNL UK seja sequer minimamente um sucesso está no nível mais baixo de todos os tempos. Não estamos falando de uma cena em que velhos clássicos como Only Fools and Horses e Fawlty Towers estão em seu auge, nem mesmo de um período em que sucessos modernos como The Thick of It, The IT Crowd ou Peep Show chamam a atenção dos espectadores. O SNL UK compete contra os chamados programas de 'comédia' cansados e desanimados, como Mrs. Brown's Boys, qualquer talk show, jogo ou reality show apresentado por Romesh Ranganathan ou Rob Beckett, ou reprises de ícones consagrados. Se algum dia houve um momento para o SNL vir ao Reino Unido, um momento em que precisamos desesperadamente de uma comédia televisiva para assistir à noite, este é. E sabe de uma coisa, apesar de toda minha hesitação e preconceito, fico feliz que o SNL UK tenha chegado.

Não vou dizer que o primeiro show foi um sucesso estrondoso, pois não foi, mas definitivamente há potencial aqui que pode ser explorado mais a fundo. O elenco reunido tem qualidades nas quais pode se apoiar, a forma como o marco britânico é estruturado (não preso a um fuso horário três horas atrasado como nos Estados Unidos) faz com que seja ainda mais maduro e grosseiro, e o foco em ter um estilo britânico e não ser uma tradução americana do formato SNL funciona a seu favor. Vimos provocações políticas brutalmente honestas, paródias e performances excelentes, e um Weekend Update de destaque, onde Paddy Young e Ania Magliano brilharam e entregaram piadas que realmente fazem você rir alto. Não é surpresa que essa parte mais parecida com stand-up tenha sido a manchete do programa, já que talvez seja a área do SNL dos EUA que mais conecta com um público não americano.

Da mesma forma, Tina Fey foi uma escolha notável como apresentadora convidada de estreia. Claro, teria sido ótimo ter uma estrela britânica de renome para cortar a fita metafórica, mas como Fey mencionou em seu monólogo hilário e honesto, "nenhum de vocês, seus filhos da puta, faria isso." Fey trouxe experiência e classe e lidou com a tarefa brilhantemente, continuando a provar o quão eficaz pode ser na comédia, Independentemente da região. Ah, e depois deste monólogo um esquete baseado em não-cena é uma maneira certa de conquistar os fãs britânicos de comédia, então crédito a quem tomou essa decisão também.

Mas, novamente, não foi tudo alegre e para cada excelente escolha e esboço foi igualmente ruim. Quase todos os outros esquetes deixavam um gosto bastante insatisfeito na boca, seja o covarde Keir Starmer, A Última Ceia de David Attenborough, a paródia da cadeia provocante Hamnet, a matéria de sucesso sobre Paddington Bear, e assim por diante. Muitos desses tinham ótimos elementos e piadas engraçadas, mas duravam demais, se arrastavam e simplesmente soavam cansados e um pouco entediantes. Se for para o exemplo, o programa poderia se beneficiar de ser 15 minutos mais curto e ter esquetes mais enxutos e bem estruturados.

E não vamos esquecer da apresentação musical... Se Fey foi uma escolha de destaque para apresentadora inaugural, Wet Leg estava longe de ser o caso para o convidado musical, oferecendo uma performance que carecia de impacto e de uma natureza memorável que este primeiro programa realmente precisava ter. Tudo o que a apresentação me fez pensar foi "nossa, ela realmente gosta de engatinhar no chão muito... "

As participações especiais marcantes pelo menos conquistaram e conectaram com os fãs, trazendo talentos novos e emergentes como Nicola Coughlan e Rege-Jean Page e colocando esses talentos com superestrelas globais como Michael Cera e ícones britânicos como Graham Norton.

Então, há muito a melhorar, sem dúvida, mas na verdade estou ansioso por mais, pois prefiro SNL UK do que quase todos os outros programas cansados e desanimados que atualmente preenchem a janela de "tarde da noite" nos sábados à noite. Claro, desde que o SNL UK continue sendo algo independente e, se for o caso, se aprofundar ainda mais nisso. Se o SNL UK conseguir ser uma fração do que Mitchell e Webb, Armstrong e Miller, Fry e Laurie, a lista continua, pode ser, então será um elemento bem-vindo do entretenimento noturno em solo britânico.

Lego The Legend of Zelda 77093 Ocarina of Time - A Batalha Final

conny@gamereactor.pt (Conny Andersson) — Tue, 24 Mar 2026 12:00:00 +0100

Vou ser honesto desde o começo e dizer logo que nenhum dos dois conjuntos de Lego dos jogos de Zelda lançados me impressionou pessoalmente ou me fez pegar a carteira imediatamente. O que, claro, é uma verdadeira pena. Como a franquia Zelda é minha série de jogos favorita absoluta, alguém poderia naturalmente supor que eu aproveitaria a chance de criar esses dois conjuntos que foram lançados. Mas não tem sido o caso. Felizmente, tive a sorte de poder analisar Lego – e no final, ainda havia muitos detalhes sobre esse conjunto que gostei, e o processo de construção em si foi divertido, como geralmente acontece com Lego.

A construção começa com a pequena plataforma onde a cena acontecerá.

Um deles pode ser um pouco pequeno; mas minifiguras de Link, Zelda e Ganondorf são absolutamente lindas. Então, vamos começar com esses três, e eu realmente gosto deles. A impressão é linda, os detalhes fantásticos e, por si só, já são uma ótima adição à coleção de qualquer fã de Lego. Agora, só três minifiguras não valem o preço – mas este conjunto, como o nome sugere, recria a batalha final do fantástico Zelda: Ocarina of Time, e isso por si só é realmente, realmente muito legal. Uma cena clássica que resulta em uma exibição estilosa quando, uma vez construída, finalmente acaba na estante.

Este conjunto é composto por 1.003 peças. Oito sacos, metade dos quais são para construir a base em si e o que fica nela, enquanto a outra metade serve para construir o monstro parecido com um javali que conhecemos como Ganon. Na verdade, não há muita coisa acontecendo em termos de detalhes na base. Você constrói a base, coloca uma torre meio arruinada que também serve como suporte para os portadores transparentes, permitindo que Link e Navi flutuem no ar.

Três (ou melhor, quatro, incluindo a Navi) lindas minifiguras

Fora isso, o conjunto consiste em algumas outras pequenas ruínas de castelo onde você pode colocar a minifigura da Zelda, e uma ruína com um pequeno recurso onde você pode se esconder e conjurar Ganondorf. Pessoalmente, coloquei ele bem na frente da base porque queria que ele fosse visível. Um pequeno suporte com uma Triforce na frente também foi montado, e algumas chamas na parte de trás estão entre as decorações. No geral, é bastante esparso, embora a cena em si seja bastante eficaz.

Porque, afinal, é aquele monstro chamado Ganon que é a principal atração aqui. Afinal, ele compõe metade das sacolas e ocupa quase metade do espaço na própria exposição. Na verdade, era ele quem eu estava mais incerto antes – mas devo dizer que as articulações articuladas das pernas, braços e cabeça – assim como as espadas enormes – criam uma cena dramática quando ele é colocado no lugar. Na verdade, ele fica bem legal como um 'instantâneo' do jogo – o que, no fim das contas, significa que, como modelo de exposição na estante, também é uma adição estilosa ao espaço.

O produto final fica ótimo em exibição na prateleira.

O processo de construção em si envolve um trabalho bastante delicado. Não há muitas peças grandes aqui, exceto algumas para a base e alguns 'tijolos' para a torre em ruínas. Fora isso, tudo é muito pequeno. Não há dificuldades técnicas específicas, apenas muitos pequenos pedaços no geral. No entanto, não há passos particularmente repetitivos aqui, exceto talvez as chamas dispostas em fileira ao fundo – mas mesmo essas não são particularmente numerosas ou repetitivas de colocar. Outra coisa que vale mencionar é que não há adesivos nenhum neste conjunto, o que sempre (sempre!) é um ponto positivo.

O que acho mais decepcionante nessa build provavelmente é o fato de que ela parece um pouco plana e baixa. Teria sido bom ter um pouco de altura. Uma torre com escadas subindo, ou algumas colunas para criar altura e tornar tudo mais dramático e impressionante. Ao mesmo tempo, Lego sempre é sobre um compromisso entre preço e número de peças, e expandir a própria base ou seu conteúdo automaticamente significaria um preço significativamente maior. Mas claro, é principalmente a base que acho que poderia ter sido um pouco mais empolgante aqui.

Vai ter muitos Lego para Nintendo, e realmente espero que haja mais no futuro.

Considerando tudo, ainda fico bastante satisfeito quando o coloco junto com todos os meus outros sets de Lego da Nintendo. Se eu fosse bem mais jovem, provavelmente acharia até que esse é um conjunto de 'peças' bem divertido, já que você pode criar cenas legais com as minifiguras. Então, mesmo não tendo ficado particularmente impressionado ou sentido vontade imediata de comprá-lo quando o vi pela primeira vez na inauguração, é um pouco como me senti com minha última análise de Lego sobre Fylke – é simplesmente melhor na vida real do que eu imaginava pelas fotos anteriores. Quanto ao processo de construção em si, também não tenho reclamações negativas diretas. Não é um dos favoritos nem em aparência nem em quão divertido foi montar – mas, afinal, é Lego, e sempre é uma das coisas mais divertidas do mundo para experimentar.

Fazendo um balanço de 2026: Olhando para trás e os jogos mais bem avaliados até agora

magnus@gamereactor.pt (Magnus Groth-Andersen) — Tue, 24 Mar 2026 09:00:00 +0100

Estamos bem cientes de que ainda é cedo para falar sobre o Jogo do Ano no final de março. Mas, em vez de mergulhar de cabeça, talvez haja uma certa elegância em fazer balanço conforme avançamos.

É exatamente isso que queremos fazer aqui, ao mesmo tempo em que destacamos os jogos que têm tido melhor desempenho no Gamereactor até agora. Abaixo você encontrará uma seleção – principalmente os parágrafos finais das análises relevantes – dos jogos que consideramos nossos favoritos no momento.

O campo naturalmente mudará conforme o ano avança – de fato, estamos apostando nisso – mas a questão é se já conseguimos identificar alguns jogos sobre os quais estaremos falando até o final de novembro, quando as discussões mais importantes começarão.

Então, vamos ouvir: qual é o seu jogo favorito de 2026 até agora?

Réquiem de Resident Evil

Nota: 9/10

Trecho da resenha:

"Independentemente de onde você esteja nesse espectro, por mais exigente que seja com a fórmula de Resident Evil, está muito, muito claro que Resident Evil Requiem é um jogo de terror brilhante e memorável, um capítulo mais recente bem elaborado que deixará os fãs ansiosos pelo que a Capcom reserva para a próxima aventura. Estamos apenas em fevereiro e já temos alguns excelentes jogos de terror para apreciar, e com a mais recente proposta da Capcom, há uma grande chance de estarmos falando sobre a aventura de Grace e Leon novamente ainda este ano, quando começar a premiação, já que este é um título maravilhoso e que você não deve nem pode perder. Bravo, Capcom, bravo."

Pokémon Pokopia

Nota: 9/10

Trecho da resenha:

"No geral, tive um tempo muito agradável em Pokopia, que nunca deixa de me alimentar com coisas novas para fazer. As condições de vida dos Pokémon precisam ser melhoradas, itens devem ser construídos e propriedades devem ser planejadas. Provavelmente todos nós já passamos por aquele tipo de jogo em que você repete o mantra "Eu vou fazer isso também" várias vezes até finalmente olhar para cima e perceber que são cinco da manhã e você não piscou os olhos. Essa é minha experiência com Pokopia em poucas palavras, e já sinto vontade de mergulhar de novo. Se a Nintendo continuar experimentando Pokémon dessa forma, o futuro da marca parece muito promissor!"

Reanimal

Nota: 9/10

Trecho da resenha:

"É maravilhoso enquanto acontece, e felizmente a experiência permaneceu comigo enquanto continuei refletindo sobre o simbolismo e como tudo se encaixou nos dias após chegar ao fim. Agora tenho uma teoria clara, e estou ansioso para conversar com vocês sobre os detalhes e o panorama geral quando jogarem o mais recente jogo de Tarsier. E todos vocês que têm pelo menos um pouco de amor por Little Nightmares, jogos de plataforma cinematográficos ou simplesmente horror em geral deveriam fazer isso, porque Reanimal já é um candidato a melhor jogo de terror de 2026. E até me fez rir feito um idiota."

Mio: Memórias em Órbita

Nota: 9/10

Trecho da resenha:

"Se você quer experimentar um Metroidvania com um nível de dificuldade um pouco mais permissivo, sem ser fácil de forma alguma, recomendo muito que eu confira Mio: Memories of Orbit. O jogo é vendido por um preço muito razoável de £15 e também estará disponível no Game Pass no dia do lançamento, então é difícil encontrar uma desculpa para não dar uma chance a este jogo."

World of Warcraft: Meia-Noite

Nota: 9/10

Trecho da resenha:

"Então, no geral, Midnight é uma expansão muito sólida. A progressão continua empolgante, a aquisição de equipamentos parece menos tediosa, e a Blizzard entende claramente o que faz o jogo funcionar. É World of Warcraft no seu melhor mais uma vez."

Cairn

Nota: 8/10

Trecho da resenha:

"Eu gostei do meu tempo com o Cairn, de verdade. Gostaria que a Aava tivesse exposto um pouco mais sua personagem. Voltando à forma como o jogo a posiciona, há muita conversa sobre ela, e embora isso seja sutil e discreto, poderia ter sido benéfico para ela revelar um pouco mais de si mesma. Dito isso, ela não é exatamente uma personagem superficial, e Cairn não é uma história esquecível sobre orgulho pessoal, ambição tóxica e a capacidade de identificar maus motivos em si mesmo e nos outros."

Romeu é um Homem Morto

Nota: 8/10

Trecho da resenha:

"Se, como eu, você é inexplicavelmente atraído pelo cérebro maluco de Goichi "Suda51" Suda, então definitivamente deveria jogar Romeu é um Homem Morto, porque simplesmente não existe nada igual quando se trata da experiência geral de jogo. O jogo pode ser concluído em 12-15 horas, dependendo de quão minucioso você é e do nível de dificuldade em que você joga. Romeo is a Dead Man provavelmente é um bom ponto de partida se você quer ter um gostinho do mundo distorcido desse homem – não porque não seja louco e absurdo, porque é – mas porque é o jogo mais digerível e funcional que ele já criou."

Mewgenics

Nota: 8/10

Trecho da resenha:

"O nome literal do jogo – além do trocadilho de gosto duvidoso – vem da criação de gatos. Ele vem com animações cartunescas, mas explícitas, que podem ser desativadas no menu de Configurações. Você pode tentar influenciar quem beija quem, mas o resultado final é sempre um jogo de sorte. Se tudo correr bem, o filhote herda as melhores qualidades dos pais e, assim, pode vencer adversários mais difíceis. Essa é uma das partes mais inovadoras do jogo incomum que, em outros lugares, pode parecer um pouco repetitiva e tradicional, mesmo que a quantidade de conteúdo corresponda bem ao preço acessível."

Acoplado

Nota: 8/10

Trecho da resenha:

"Em primeira pessoa, tudo se torna muito mais desafiador, mas também mais realista, claro, mas devo admitir que prefiro ver as máquinas de diferentes perspectivas de fora. Acima de tudo, é a sensação de me divertir quando estou sentado na cabine de uma máquina que é o mais importante aqui. Docked pode ser basicamente sobre mover coisas pesadas, mas faz isso brilhantemente, e sentar atrás de um joystick em qualquer uma das máquinas é, como sabemos por uma velha lenda da internet, o que te dá energia. Por isso, acho difícil ver como esse tipo de simulador poderia ser feito de uma forma mais divertida do que o Docked realmente consegue fazer. Apesar de haver algumas partes pouco desenvolvidas e de sofrer um pouco pelo fato de que o título anterior, Roadcraft, é melhor em quase todos os aspectos. Se você gostou dos jogos anteriores do desenvolvedor, esse é definitivamente algo que você deveria conferir."

Deserto Carmesim

Nota: 8/10

Trecho da resenha:

"Muitas pontas soltas que não estragam a experiência ou me fazem querer parar de jogar, mas certamente não a elevam a um candidato a Jogo do Ano. Crimson Desert pode ser um lugar onde você pode se perder por meses como jogador, mas não espere que todas essas horas sejam gastas em uma aventura enriquecedora em um mundo que, repito, é maravilhoso. Posso ignorar certos problemas técnicos devido à escala do projeto e porque podem ser corrigidos com um patch, mas há conflitos de design demais em todos os sistemas operando simultaneamente para que eu possa chamar isso de uma 'obra-prima'. Se você consegue simplesmente conviver com isso e aproveitar a jornada, mesmo sem necessariamente entender onde ela leva, então esse mundo aberto vale a pena tentar."

Refluxo Esotérico

Nota: 9/10

Trecho da resenha:

"Eu ainda adorava jogar como o Clérigo e arrasar com Tolstad com meu duende favorito bem vestido ao meu lado. Esoteric Ebb é simplesmente um RPG adorável que coloca a agência do jogador em primeiro plano. Seu mundo é incrivelmente imersivo, profundo e convida você a ficar um bom tempo, com visuais encantadores, personagens e uma história tão detalhada que eu aceitaria mais um ou dois jogos ambientados nesse universo. Se você quer jogar dados, lutar contra esqueletos e tentar flertar com toda criatura que tenha um batimento cardíaco, vai se divertir muito com Esoteric Ebb. O deleite de um jogador de mesa em videogame."

Conversando sobre os maiores polvos dos games com o diretor de arte e o diretor de gameplay de Darwin's Paradox!

alex@gamereactor.pt (Alex Hopley) — Mon, 23 Mar 2026 13:00:00 +0100

A cena moderna de plataforma com mascotes pode ser retomada pelos nomes de antigamente. Mario, Kirby, Sonic e afins, mas sempre há espaço para um nome novo, e adoraríamos que fosse Darwin, o polvo. Darwin's Paradox! está chegando em poucas semanas, e antes do lançamento do jogo em 2 de abril, conversamos com o diretor de arte Mikael "Mika" Tanguy e o diretor de gameplay Gilles Aujard do ZDT Studio sobre Darwin em pessoa, as mecânicas do jogo, quanto tempo leva para ser vencido e muito mais. Aproveite!

P: Darwin's Paradox! parece diferente de tudo que vimos nos jogos nos últimos anos. O que te atraiu no conceito das aventuras de um polvo?

Mika: A ideia de um polvo como protagonista veio de um sonho que tive há mais de uma década — um polvo perdido em um mundo industrial, usando suas habilidades naturais para sobreviver. Polvos são criaturas fascinantes: inteligentes, adaptáveis e cheias de personalidade. Eles podem se camuflar, se espremer em espaços minúsculos e até resolver quebra-cabeças — qualidades que os tornam perfeitos para um jogo que mistura furtividade, plataforma e narrativa. Queríamos criar algo novo, lúdico e emocionalmente envolvente, e um polvo nos deu a liberdade de explorar mecânicas e temas que parecessem realmente únicos.

Gilles: Um polvo não é apenas um personagem; é uma revolução na jogabilidade. Sua biologia nos permitiu reimaginar furtividade e plataformas de maneiras que parecem orgânicas e intuitivas. As habilidades de Darwin — como escalar 360 graus, usar tinta defensivamente e camuflagem — estão todas enraizadas no comportamento real do polvo, mas nós as amplificamos para criar algo cartunesco, divertido e surpreendente. É raro encontrar um protagonista que dita tão perfeitamente o design do jogo, e Darwin fez exatamente isso.

P: O que você pode dizer sobre o personagem Darwin? Que tipo de polvo estamos controlando no jogo?

Mika: Darwin é uma Octopoedia ceruleanus — uma espécie fictícia que criamos para refletir sua inteligência, adaptabilidade e charme. Ele não é um herói típico; Ele é vulnerável, inteligente e cheio de personalidade. Visualmente, ele é expressivo e cartunesco, mas seus movimentos e habilidades são fundamentados no realismo. Ele é um sobrevivente, usando sua inteligência e talentos naturais para navegar em um mundo hostil a ele. Os jogadores vão se conectar com sua resiliência e humor, que o fazem se sentir identificável apesar de ser um polvo!

Gilles: Darwin é um super-herói nato. Ele não é um soldado nem um guerreiro — é um polvo pequeno e engenhoso que prospera superando seus inimigos em esperteza. Suas habilidades parecem instintivas, mas abrem possibilidades criativas para a jogabilidade. Seja escalando paredes, jogando tinta para distrair os inimigos ou se camuflando para se esconder, cada ação está ligada ao seu personagem. Ele é um herói que incorpora adaptabilidade, e é isso que o torna tão divertido de jogar.

P: Na demonstração, ficou claro que Darwin tinha muitos poderes, como camuflagem. Que outras habilidades podemos desbloquear?

Gilles: As habilidades de Darwin evoluem conforme os jogadores progridem. Além da camuflagem, ele pode usar sua tinta de maneiras criativas — como criar uma cortina de fumaça para se proteger dos inimigos ou bloquear câmeras de segurança. Seus tentáculos permitem que ele escale qualquer superfície, se esprema por espaços apertados e até manipule objetos no ambiente. Projetamos essas habilidades para parecerem orgânicas e versáteis, para que os jogadores possam experimentar e encontrar novas soluções para quebra-cabeças e desafios de furtividade. Cada habilidade está ligada ao personagem de Darwin e aos temas do jogo sobre adaptabilidade e resiliência. Queríamos que cada habilidade parecesse uma extensão natural de quem Darwin é.

P: Também notei que uma fantasia que Darwin usa é uma referência a um certo mestre da furtividade. Tem muitas fantasias para equiparmos no jogo?

Mika: Sim! A demo apresentou uma skin especial chamada "Sneaky Snake" como uma homenagem divertida à nossa colaboração com Metal Gear Solid, e essa fantasia estará disponível no jogo completo. Jogadores que fizerem a pré-venda do jogo também receberão duas skins exclusivas de bônus, criadas como um agradecimento especial aos primeiros apoiadores. Também incluímos outros figurinos que refletem a personalidade de Darwin e o humor do jogo. Esses trajes não são apenas cosméticos — são uma forma de celebrar a jornada de Darwin e dar aos jogadores a chance de personalizar sua experiência. Espere uma mistura de designs divertidos, nostálgicos e até absurdos!

Gilles: Os figurinos são nossa forma de adicionar uma camada de diversão e criatividade ao jogo. Eles são uma referência aos gêneros e personagens que nos inspiraram, mas também refletem a adaptabilidade de Darwin.

P: O Paradoxo de Darwin é uma aventura que parece perfeita para um filme de animação, mas espero que dure mais de uma hora e 30 minutos. Quanto tempo dura aproximadamente uma jogada?

Gilles: Uma jogatina típica de Darwin's Paradox! leva cerca de 5 a 7 horas, dependendo de quanto tempo os jogadores passam explorando, resolvendo quebra-cabeças e descobrindo segredos. O jogo foi projetado para ser rejogável, com áreas escondidas e colecionáveis que incentivam os jogadores a revisitar fases. Queríamos criar uma experiência que tivesse um toque cinematográfico, mas que oferecesse a profundidade e o desafio de uma aventura completa.

Mika: O ritmo é cuidadosamente elaborado para equilibrar tensão, exploração e humor. Estruturamos o jogo para que os jogadores possam aproveitar a atmosfera com calma ou mergulhar direto na ação. O mundo é rico em detalhes, e esperamos que os jogadores queiram voltar para descobrir tudo o que a jornada de Darwin tem a oferecer.

P: Vimos vários polvos nos games ao longo dos anos. O que você acha que torna esse animal uma escolha interessante para um protagonista?

Mika: Polvos são inerentemente fascinantes — são inteligentes, misteriosos e cheios de surpresas. A biologia deles se encaixa perfeitamente na jogabilidade: camuflagem, defesa com tinta, movimento ágil e habilidades de resolução de problemas. Mas além da mecânica, polvos têm um charme único. Elas podem ser engraçadas, assustadoras e cativantes ao mesmo tempo, o que nos dá muito espaço para brincar com o tom e a narrativa. Darwin não é apenas um personagem; Ele é um símbolo de resiliência e criatividade, o que o faz se destacar nos games.

Gilles: Um protagonista polvo nos permite explorar temas de adaptação e sobrevivência de uma forma que parece fresca e orgânica. As habilidades de Darwin não são apenas ferramentas — são extensões de seu caráter. Os jogadores não controlam apenas um herói; Eles incorporam um polvo, com toda a fluidez e engenhosidade que isso implica. É uma perspectiva rara nos games, e é isso que torna o Darwin's Paradox! tão especial.

P: O mundo parece ter sido tomado por alienígenas em O Paradoxo de Darwin. Os humanos estão cientes disso, e cabe a Darwin salvar a Terra?

Mika: Os alienígenas em Darwin's Paradox! representam uma ameaça externa. Os humanos neste mundo em grande parte desconhecem a verdadeira natureza dos alienígenas, já que os invasores atuam nos bastidores, manipulando indústrias e ambientes. A jornada de Darwin não é apenas sobre escapar; é sobre descobrir a verdade e, à sua maneira, atrapalhar os planos dos alienígenas. Embora não seja um herói convencional, suas ações impactam e desafiam significativamente a ordem estabelecida.

Gilles: O papel de Darwin é mais sobre sobrevivência do que sobre salvar o mundo em um sentido grandioso. Sua história é pessoal — ele é um forasteiro lutando para voltar para casa, e sua luta reflete o tema mais amplo da capacidade da natureza de se adaptar e prosperar mesmo em condições hostis. O jogo não coloca o peso do mundo em seus tentáculos, mas sua jornada é uma poderosa declaração sobre engenhosidade e esperança.

P: Como Darwin's Paradox pega a fórmula clássica de aventura de plataforma e a traz para a era moderna?

Gilles: Pegamos os elementos centrais dos jogos clássicos de plataforma — movimento preciso, quebra-cabeças ambientais e exploração guiada pela narrativa — e os infundimos com tecnologia moderna e sensibilidades de design. Darwin's Paradox! usa o Unreal Engine para criar um mundo que parece vivo, com iluminação dinâmica, animações fluidas e transições fluidas entre jogabilidade e cinemáticas. Também damos grande ênfase em tornar a jogabilidade orgânica e intuitiva, com cada novo ambiente introduzindo naturalmente novas mecânicas ao longo da aventura. Cada evolução da jogabilidade é cuidadosamente entrelaçada ao mundo e à narrativa, garantindo que novas habilidades e interações sempre pareçam significativas, justificadas e conectadas perfeitamente à jornada de Darwin. O resultado é um jogo que honra o passado enquanto impulsiona o gênero adiante.

Mika: Visualmente, misturamos charme cartunesco com profundidade cinematográfica, inspirados em clássicos como Looney Tunes e jogos modernos como Inside e Ori. A perspectiva 2.5D nos permite controlar o ritmo e a narrativa de forma rigorosa, criando uma experiência linear, porém imersiva. Também removemos elementos tradicionais da interface para aprofundar a imersão, para que os jogadores sintam que fazem parte do mundo de Darwin, e não apenas estão jogando.

P: Darwin e Steven, a Gaivota, algum dia vão se dar bem?

Mika: (risos) Steven, a Gaivota, é o inimigo do Darwin. O relacionamento deles é uma mistura de rivalidade e alívio cômico. Os jogadores terão que ver por si mesmos como sua história se desenrola!

Gilles: Steven está lá para adicionar humor e contraste à jornada de Darwin. As interações deles são caóticas, mas fazem parte do que torna o mundo de Darwin's Paradox! tão vibrante. Você vai ter que jogar para descobrir se eles realmente se dão bem — mas espere muitas risadas pelo caminho!

Darwin's Paradox! será lançado no dia 2 de abril para Xbox Series X/S, PS5, PC e Nintendo Switch.

Top 10 capas mais impressionantes do Sega Mega Drive

marcus@gamereactor.pt (Marcus Persson) — Mon, 23 Mar 2026 09:00:00 +0100

Depois de cobrir tudo, do Super Nintendo ao PC, finalmente chegou a hora do Mega Drive. Não, certamente não esquecemos a fama da Sega, o garanhão preto que dominou grandes partes do mercado no início dos anos 90 e causou muitas dores de cabeça para a Nintendo, a alternativa legal para todos os pirralhos que não se deram ao trabalho de encanadores gordinhos, dinossauros verdes famintos ou mascotes bem definidos.

E essa jornada começou bem ali, na prateleira da loja com as capas dos jogos. Talvez o componente mais importante de todos seja uma obra de arte feita para chamar sua atenção e te convencer das incríveis aventuras que estão por vir. Foi exatamente aqui que a Sega conseguiu criar algo totalmente seu, com uma atitude claramente mais dura e convencida do que a Super Nintendo. Não, estamos falando de capas que realmente se esforçaram, misturando livremente entre quadrinhos americanos, anime japonês, ilustrações clássicas de fantasia e estética puramente heavy metal.

O resultado eram capas que muitas vezes pareciam mais pôsteres de filmes ou capas de álbuns do que caixas tradicionais de jogos. Basta olhar para a prateleira de uma antiga loja de brinquedos de 1991, que estava cheia de heróis de peito nu, naves futuristas, ruas iluminadas por neon e robôs. Era dramático, colorido e, às vezes, quase ridiculamente exagerado. Mas é justamente por isso que é tão memorável. Pintado à mão e incrivelmente icônico, imbuído de uma sensação completamente diferente das capas digitais e estéreis que vemos hoje em dia.

Não, estamos falando de personalidade e alma aqui. As capas do Mega Drive eram muito mais do que publicidade; Eles eram mágicos, e aqui estão dez dos mais bonitos que estrearam, sem ordem específica. Então vamos lá.

Super Lâmina do Trovão

A capa de Super Thunder Blade é um exemplo clássico de como o Mega Drive poderia vender ação pura e pura através de uma única imagem. Aqui somos jogados direto em um inferno caótico que grita filme de ação. Os paralelos com Blue Thunder (o filme, no caso) são inevitáveis. Arranha-céus, explosões e uma perspectiva dramática que faz o helicóptero blindado parecer prestes a voar para fora da cobertura. Além disso, eles conseguem, com precisão quase cirúrgica, capturar aquela sensação de arcade.

Toki Fazendo O Espeto de Macaco

O simples fato de o título do jogo conseguir fazer uma piada já é suficiente para despertar meu interesse. Mas o fato é que Toki também é uma das capas mais coloridas e vibrantes do console. Uma selva cheia de monstros e intrigas, vinhas sinuosas e tudo que transmite um certo grotesco senso de joie de vivre. Uma capa que realmente consegue fazer você parar e pensar; Isso desperta curiosidade e imediatamente se destaca de quase tudo.

Machado de Ouro

Alguém falou fantasia épica? Naturalmente, Golden Axe pertence à lista das capas mais legais e estilosas para o console e, embora as sequências também não sejam demais, a arte do primeiro jogo é pura perfeição. Músculos salientes, espadas reluzentes e belezas bem formadas. É impossível olhar para a capa e não ficar completamente louco de alegria; poderia muito bem ter sido a capa de um álbum de Manowar ou de alguma outra banda contemporânea.

Truxton

Com uma paleta de cores extremamente intensa e uma nave inimiga gigantesca (ou criatura?), isso me irrita bastante com a estética. O azul forte e tons escuros contra o fundo laranja flamejante, entrelaçados por feixes de laser piscantes. Sim, eu aceito. Uma composição extremamente inteligente e equilibrada que funcionaria tão bem hoje quanto funcionava naquela época. É uma capa que não só parece boa, mas realmente cria uma energia explosiva e realmente PARECE perigosa.

Alisia Dragoon

Enquanto Golden Axe é épico, Alisia Dragoon é elegante. Muito mais do que muitas outras capas de jogos Mega Drive, com a heroína titular no centro e o enorme dragão atrás dela. É claramente mais suave e um pouco menos exagerado, quase cinematográfico e onírico, com uma referência ao anime e mangá japoneses. É tão poderoso quanto estiloso ao mesmo tempo. Admito que, quando era jovem, provavelmente não teria aprendido (paixões de garota eram perigosas naquela época), mas pelos olhos de adulto, Alisia Dragoon é uma joia da mais alta nível.

Dois Caras Grosseiros

Se alguma capa captura a estética exagerada de ação do início dos anos 90, é Two Crude Dudes. No meio de uma cidade bombardeada estão dois heróis enormes e musculosos, prontos para destruir qualquer coisa que se mova. Provavelmente os caras mais legais de todos, com absolutamente nenhuma autoconsciência ou um pingo de sutileza, que também é exatamente o motivo pelo qual a capa é tão desesperadamente encantadora. É um pouco como se alguém pegasse partes iguais Mad Max e Les Edwards, colocasse no liquidificador e chegasse em velocidade máxima. Quando era jovem, você teria ficado impressionado com isso. Um exemplo perfeito de como covers do Mega Drive frequentemente ousavam ser exageradamente exagerados, barulhentos e absolutamente brilhantes.

Ruas da Fúria

Outro clássico da mais alta ordem. Sinceramente, será que pode ser mais icônico do que isso no Mega Drive? Streets of Rage é a essência de tudo que a Sega representava nos anos 90. Emoção, ação, paixão e uma grande quantidade de energia. Tanta capa de quadrinhos quanto capa de jogo, com dois (dos três) heróis - Axel e Blaze - enfrentando a escória da cidade, em meio a incêndios, arranha-céus e neon. Por algum motivo, porém, Adam não podia estar nela.

Quackshot estrelando o Pato Donald

Em meio a espadas, monstros e explosões, Quackshot aparece e nos lembra que a Disney pode – e quer – participar da diversão também. Mas este não é o Donald "entediante" de sempre; não, aqui está ele, em vez disso, um aventureiro convencido, totalmente de acordo com a atitude da Sega, com um chapéu de safári e um olhar determinado nos olhos. Sai da frente, Indiana Jones. A capa também consegue equilibrar o estilo entre o amigável para crianças e o estilo. Ele parece encantador sem ser infantil, e é exatamente por isso que ainda é uma das versões mais atemporais do Mega Drive.

Phantasy Star III: Gerações de Perdição

Aqui temos uma capa que eu claramente lembro de chamar a atenção nos catálogos de brinquedos da época. Um herói solitário enfrentando um inimigo aparentemente avassalador no topo de uma escada que parece levar ao céu estrelado. Há algo quase melancólico na cena, como se sugerisse um destino muito maior do que apenas uma aventura comum, e, honestamente, ela quase se assemelha à capa de um romance do que a um videogame. Memorável e épico, com um mistério maravilhoso e cores incrivelmente bem escolhidas. É um bônus que o jogo em si é simplesmente absurdamente fantástico.

Street Fighter II: Edição Campeão

Claro, a capa de Street Fighter II para o Super Nintendo tem seu charme e também é instantaneamente e ridiculamente icônica. Mas a versão Mega Drive é, por Deus, em outro nível. Mais afiado, mais bonito e carregado de energia explosiva. A arte claramente tende para o estilo mais japonês, e Bison, com suas mãos brilhantes ao fundo, parece maravilhosamente ameaçador, exatamente como deveria. Honestamente, pode muito bem ser a capa de Street Fighter mais bonita de todas; É tão bom assim.

Sim, a biblioteca do Mega Drive está cheia de capas fantásticas, e reduzir para dez foi, na verdade, uma tarefa nada fácil. Então, ainda gostaria de aproveitar para mencionar alguns dos jogos que ficaram de fora da lista, incluindo Castle of Illusion Starring Mickey Mouse, Turbo Outrun, Gynoug e Sonic the Hedgehog 2. E sem dúvida perdi pelo menos tantas outras, então deixo para vocês, queridos leitores, me lembrarem.

De qualquer forma, isso nos lembra que o Mega Drive não foi apenas um console fantástico, mas também abrigou algumas das capas de jogos mais bonitas da história. O que você acha?

Quais capas eu perdi e quais você gostaria de ver mencionadas na lista?

Poppy Playtime Entrevista: Tocando em teorias de fãs, o filme live-action, a IA e o que vem a seguir com a MOB Entertainment

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Sat, 21 Mar 2026 11:00:00 +0100

A história de Poppy Playtime chegou ao fim. Ou será que...? O Capítulo 5 estreou recentemente no PC, com a intenção de também chegar às plataformas de console no futuro. Com isso em mente, tivemos o luxo de conversar com a desenvolvedora MOB Entertainment, para ter um vislumbre do que acontece nos bastidores da criação de um capítulo Poppy Playtime, e assim como o que o futuro reserva para a série.

Para isso, lançamos algumas perguntas ao diretor sênior de desenvolvimento criativo, George Krstic, onde perguntamos sobre o final do Capítulo 5, teorias de fãs, o filme live-action, o uso da IA e o elefante na sala final do que vem a seguir para Poppy Playtime ?

Confira tudo isso e muito mais na entrevista completa abaixo, e se ainda não viu, não perca nossa análise dedicada do recente Capítulo 5 e também nosso guia prático.

Você está surpreso com a contínua e imensa recepção de fãs ao redor do mundo todo que você tem a Poppy Playtime ?

Embora eu não esteja com Mob desde o início, posso dizer sem sombra de dúvida que a equipe aqui nunca deixa de se surpreender e agradecer pela recepção dos fãs a cada lançamento de capítulo. Mesmo agora, cinco capítulos depois, você meio que se pergunta se esse mesmo nível de empolgação vai estar lá, mas nossos fãs e a comunidade são incríveis. E não é só a quantidade de jogadores que nos surpreende — é a profundidade do engajamento. Teorias, análises do lore, a fan art, vídeos de especulação, tudo isso. Desde o Capítulo 1, Mob só esperava que as pessoas se conectassem com o mundo de Poppy Playtime e seus personagens. Ver isso continuar a ressoar com os jogadores da forma como tem sido é incrivelmente humilde e gratificante.

Poppy Playtime tem sido um trabalho feito com amor por anos, mas o final que você entregou no Capítulo 5 sempre foi o desfecho planejado, ou você ajustou e ajustou a narrativa conforme cada capítulo chegava?

O capítulo 5 prepara o caminho para mais, mas a jornada até chegar a esse ponto foi, sim, certamente um trabalho feito com amor. Internamente, a base para o final esteve lá desde o início e sempre giramos em torno de uma estrutura narrativa básica para o jogo. Mas, como costuma acontecer com a maioria das mídias, seja videogames, cinema ou televisão, o produto final raramente é o que começou no storyboard. Os detalhes mudam na narrativa, por assim dizer. Nesse sentido, muita coisa evoluiu. À medida que você constrói capítulos e passa mais tempo com os personagens, encontra maneiras mais ricas de contar a história.

Houve alguma teoria ou opinião de fãs que mudou a narrativa geral que você queria transmitir?

Prestamos atenção às teorias dos fãs e ao conteúdo especulativo porque são um sinal de que as pessoas estão realmente envolvidas no jogo (e é divertido ver o que as pessoas acertam e erram!), mas, no fim das contas, a narrativa de cada capítulo é guiada internamente com base no que a equipe constrói com mecânicas, personagens e história trabalhando lado a lado. Dito isso, ver como os fãs interpretam certos detalhes pode influenciar como esclarecemos ou aprofundamos as ideias depois.

Como você teve que se superar constantemente com os eventos de cada capítulo? Houve alguma ideia que você concebeu, mas que no fim das contas não se tornou realidade por causa do quanto eles levaram a experiência Poppy Playtime ?

Definitivamente há pressão para elevar o nível toda vez. No Capítulo 5, por exemplo, houve algumas tramas que meio que culminaram após muita construção, e a pressão para acertar e parecer uma grande recompensa para os jogadores é intensa. Iterar pode ser um desafio, mas nossa equipe aqui na Mob é incrível em como conseguiram tanta coesão sem parecer repetitivos.

Em termos de ideias descartadas, tivemos algumas que talvez fossem ambiciosas demais para o momento, seja técnica ou tonalmente. Às vezes, algo é legal isoladamente, mas não serve à história. Somos cuidadosos com isso. Só porque podemos ir mais longe não significa que sempre devemos ir mais longe. A experiência precisa permanecer coesa.

Agora que a história chegou ao fim, há algum momento específico que se destaca para você, uma parte que você admira com orgulho?

Bem, o Capítulo 5 realmente prepara mais, então não enfie isso ainda! Mas posso dizer com certeza que, embora haja muitos momentos que me marcam ao longo dos ciclos de desenvolvimento e momentos de orgulho com a equipe, em um nível pessoal, eu relembro com carinho do meu tempo jogando o Capítulo 1 pela primeira vez. Nunca vou esquecer o tipo particular de medo que senti ao ver Huggy parado atrás de mim inesperadamente e criando essa sensação inquietante de desmoronamento iminente. Quer dizer, ele é um brinquedo! Você simplesmente não espera esses sentimentos de algo tão tradicionalmente seguro e saudável. Mas isso definiu o tom de toda a série, e lembro como aquele primeiro momento realmente abriu caminho para mim em termos de entender o que é possível com a premissa de um jogo assim.

Quando podemos esperar que as edições de console cheguem para o Capítulo 5 e qual é o motivo de as versões de console demorarem mais antes de serem lançadas?

O desenvolvimento de consoles leva um pouco mais de tempo por causa dos processos de certificação, otimização e de garantir que a experiência seja adequada em cada plataforma. Não é só uma porta reta. Queremos que os jogadores de console tenham o mesmo nível de polimento e desempenho que os jogadores de PC. É sobre controle de qualidade. Vamos compartilhar detalhes assim que tudo estiver fechado, mas ainda esperamos um pouco mais para o final deste ano.

Como está o desenvolvimento do filme Poppy Playtime live-action?

Estamos trabalhando em estreita colaboração com nosso parceiro Legendary Pictures e compartilharemos mais assim que essas informações estiverem prontas.

Qual é a posição da MOB Entertainment sobre IA?

Nosso foco sempre foi nas pessoas por trás do trabalho. A criatividade, narrativa e direção artística que moldam nossos jogos vêm dos talentosos artistas, escritores, designers e desenvolvedores da equipe da Máfia.

Como muitos estúdios, acompanhamos tecnologias e ferramentas emergentes que podem apoiar fluxos de trabalho em áreas como pesquisa ou tarefas administrativas. Mas quando se trata do coração criativo dos nossos jogos, dos personagens, da construção do mundo e da experiência do jogador, essas decisões permanecem firmemente guiadas pela criatividade humana e pela imaginação distorcida da nossa equipe.

O que vem a seguir para o universo Poppy Playtime ? Você tem ideias adicionais para explorar, spin-offs que gostaria de tornar realidade, qual é o plano?

O mundo de Poppy Playtime é maior do que uma única fábrica poderia conter, mas no momento, estamos tirando um tempo para refletir sobre o Capítulo 5, celebrar o lançamento com nossa comunidade e realmente garantir que o que vier a seguir pareça deliberado. Para nós, sempre precisa haver uma história que valha a pena ser contada, e não apenas porque há demanda. Nos importamos muito em proteger a integridade do universo.

Obrigado ao George e à MOB Entertainment por dedicarem seu tempo para responder nossas perguntas. Como mencionado anteriormente, você pode jogar todos os cinco capítulos de Poppy Playtime no PC a partir de hoje, com o quinto capítulo chegando aos consoles ainda este ano.

Mouse: P.I. For Hire - Discutindo casos, mangueiras de borracha, IA e adaptações com o CEO Fumi Games

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Fri, 20 Mar 2026 09:00:00 +0100

Tivemos que esperar um pouco mais do que o esperado antes de poder entrar em Mouse: P.I. For Hire, já que o esperado shooter indie da Fumi Games foi recentemente adiado e adiado em um mês. Essa mudança de planos nos deu espaço para entrar no jogo e ter uma primeira experiência prática, algo que pudemos contar em nossa prévia recente.

Aproveitando isso, também tivemos o luxo de fazer algumas perguntas ao CEO e fundador da Fumi Games, Mateusz Michalak, em uma entrevista que você pode ler completa abaixo, e que aborda a narrativa de detetives confusa, o estilo marcante de animação com mangueiras de borracha, como o desenvolvedor aborda a IA, como ela analisa adaptações, e mais.

Confira e não esqueça que Mouse: P.I. For Hire agora será lançado para PC, PS5, Xbox Series X/S e Nintendo Switch 2 a partir de 16 de abril.

A recepção ao Mouse: P.I. For Hire tem sido imensa. Isso te surpreendeu de alguma forma?

Nunca poderíamos imaginar que Mouse: P.I. For Hire receberia esse nível de atenção. O primeiro vídeo que postamos sobre o jogo no TikTok explodiu do nada, e foi um efeito bola de neve a partir daquele momento. Nosso jogo gerou mais de 1,3 milhão de listas de desejos, recebemos dezenas de milhões de visualizações nas redes sociais e até conseguimos um contrato de publicação. Não podemos agradecer a todos os nossos fãs pelo incrível apoio!

Há um mistério no coração deste jogo, um caso que precisa ser resolvido. Quanta autonomia o jogador terá para montar as peças do quebra-cabeça por conta própria e descobrir a verdade por trás de cada caso de pessoa desaparecida?

Embora existam algumas situações em que você pode explorar certos níveis e abordar casos específicos na ordem que escolher, a história em Mouse: P.I. For Hire ainda é relativamente linear. Mas isso não significa que você não possa tirar conclusões erradas às vezes! Ao reunir provas e pistas para cada caso, você pode achar que sabe as respostas e exatamente como as coisas vão terminar, mas pode haver algumas reviravoltas pelo caminho...

A versão de prévia nos deu um gostinho interessante do mundo aberto e de como cada fase está conectada. Devemos esperar precisar visitar cada local, ou alguns níveis/áreas são reservados para missões secundárias e tarefas adicionais?

A maioria dos níveis em Mouse: P.I. For Hire precisa ser visitada em algum momento para completar a história principal – então sim, espere visitar todos eles! Embora existam algumas tarefas adicionais que podem ser realizadas, elas geralmente são feitas nos níveis que você já está visitando, em vez de locais novos e específicos.

Foi desafiador encaixar o estilo de mangueira de borracha tanto em um jogo FPS quanto em uma experiência 3D?

Definitivamente foi um desafio utilizar sprites de mangueira de borracha 2D em um espaço mundial 3D! Por exemplo, para mostrar inimigos andando pelo mundo, precisamos desenhar e animar o mesmo inimigo muitas vezes e de diferentes perspectivas (ou seja, frente, esquerda, frente, direita, lateral, traseira, etc). Como você também viu na jogabilidade, precisamos então "amarrar" esses inimigos ao personagem principal, Jack Pepper, para que você sempre veja um plano da arte 2D de uma perspectiva visível. E isso só arranha a superfície, sem falar em todos os desafios ao fazer um jogo em preto e branco!

Os diferentes filtros visuais e configurações de áudio parecem um verdadeiro deleite. Quão importante foi destacar esses elementos e prestar uma homenagem adequada ao estilo artístico e à estética dos anos 1930? Além disso, você tem uma forma favorita de jogar usando esses filtros e configurações de áudio?

Essas características têm sido muito importantes para nós por muito tempo. Mouse: P.I. For Hire é inspirado em desenhos clássicos dos anos 1930 e filmes inspirados no noir, então queríamos fazer o possível para permanecer fiéis à época. É exatamente por isso que implementamos configurações como mudar a intensidade do grão do filme e da difusão da interface, além de ajustar a degradação do áudio, para que as coisas soem como se estivessem sendo tocadas em um disco de vinil ou até mesmo através de um cilindro de cera! Para nós, pessoalmente, gostamos de aumentar esses efeitos, para que o jogo realmente pareça e se sinta com os desenhos antigos que nossos avós provavelmente assistiam.

O jogo parece ser muito maior do que muitos poderiam esperar. Então, quanto tempo vai levar uma jogada de Mouse: P.I. For Hire, quanto tempo os jogadores devem esperar reservar para ver os créditos rolarem?

Espere que uma única jogada de Mouse: P.I. For Hire leve de 12 a mais de 20 horas para ser concluída. Claro, isso vai depender de como você joga e de quanto você procura em cada canto. O jogo tem muitos segredos e colecionáveis para descobrir – os jogadores mais atentos vão aproveitar ao máximo!

Qual é a posição da Fumi Games sobre a IA?

Mouse: P.I. For Hire é um jogo totalmente feito à mão, oferecendo uma experiência única que esperamos que os jogadores gostem!

Você já pensou em outras formas de expandir o mundo Mouse: P.I. For Hire, talvez com uma série animada de verdade? Cuphead levou ao The Cuphead Show, você teria interesse em explorar algo parecido?

No momento, estamos fortemente focados no Mouse: P.I. For Hire como videogame, para garantir que ele ofereça aos jogadores a melhor experiência possível no lançamento. Então, para responder sua pergunta, ainda não tivemos discussões reais sobre fazer uma série animada. No entanto, você definitivamente deve ficar de olho nas próximas semanas, pois temos parcerias muito legais para anunciar e outras coisas para revelar!

Qual é a parte de Mouse: P.I. For Hire que você está mais animado para que os fãs experimentem por si mesmos?

Mal podemos esperar para que os jogadores vejam que Mouse: P.I. For Hire é muito mais do que apenas um projeto artístico legal. Além dos visuais em preto e branco com mangueiras de borracha, o jogo também é um shooter em primeira pessoa cheio de ação, repleto de uma história policial emocionante, elenco eclético de personagens, ambientes animados, músicas originais de jazz e muito mais. No fim das contas, estamos preparando algo muito especial aqui e estamos contando os dias para que os jogadores experimentem o jogo inteiro por si mesmos!

Obrigado ao Mateusz e à Fumi Games. Fique ligado para mais novidades sobre Mouse: P.I. For Hire antes de sua estreia em menos de um mês.

O mundo dos games merece mais do que a reformulação genérica de IA da Nvidia

jonas@gamereactor.pt (Jonas Mäki) — Thu, 19 Mar 2026 15:00:00 +0100

A Nvidia provavelmente já imaginava um momento triunfante quando, na noite de segunda-feira, anunciou orgulhosamente o DLSS 5, acompanhado de um comunicado explicando o quão significativo isso é. O fundador e CEO da Nvidia, Jensen Huang, disse, entre outras coisas, que "vinte e cinco anos depois que a Nvidia inventou o shader programável, estamos revolucionando a computação gráfica mais uma vez".

Palavras difíceis, e ele chegou a chamar isso de "momento GPT para gráficos", onde o GPT inegavelmente foi um divisor de águas para o mundo inteiro de várias maneiras. Não há dúvida de que há muito potencial na IA, mas quando solicitados a criar coisas, os resultados muitas vezes foram muito pouco imaginativos, sem vida e genéricos, algo que resultou no termo agora amplamente aceito "IA slop".

Então, o que exatamente é esse DLSS 5? Segundo a própria Nvidia, ela "combina renderização artesanal com IA generativa para alcançar um avanço dramático no realismo visual", com rostos em particular parecendo ser um grande atrativo, algo claramente evidente no vídeo lançado, onde rostos são o foco principal. Comecei a assistir com curiosidade, pronto para ficar impressionado depois de todo o hype, e vi Grace Ashcroft de Resident Evil Requiem, primeiro sem DLSS 5 e depois com ele...

A Nvidia desenvolveu uma tecnologia que transforma todos os personagens do jogo em avatares de IA (imagem de Starfield com o DLSS 5 ativado).

O vídeo rapidamente mudou para Leon, e aí meu cérebro entrou em ação. Espera um minuto... Pausei o vídeo brevemente e voltei para atrás. Grace de repente recebeu lábios carnudos, maçãs do rosto pronunciadas como modelos, muita base, olhos amendoados e um nariz mais refinado, entre outras coisas. A um tanto inocente Grace, que pretende ser uma personagem tímida com a qual podemos nos identificar, de repente se torna uma femme fatale com aspirações de modelo, não muito diferente de como mods nerds de PC costumam parecer onde as mulheres devem ser "melhoradas".

Surpreso, comecei o vídeo novamente e assisti até o final. Coçei a cabeça e assisti mais uma vez. Então, a Nvidia desenvolveu uma tecnologia que substitui o que os desenvolvedores de jogos tinham em mente, e o que um designer de arte e um designer de personagens criaram, por algo que parece uma bagunça de IA – um pouco como filtros em tempo real do Snapchat em nossos jogos – e exatamente como normalmente parece quando você pede para a IA criar algo: genérico, como é a palavra para descrever.

Num piscar de olhos, Grace se transforma da garota comum com quem deveríamos nos identificar em uma garota que definitivamente tem 'modelo' na bio do Instagram, clinicamente desprovida de personalidade.

Dei uma olhada rápida na seção de comentários do YouTube, curioso para ver se as pessoas realmente estão acreditando nisso. Mas... Eles não são. Praticamente nenhum comentário está satisfeito com o filtro de IA da Nvidia, e as críticas são às vezes realmente duras. Uma rápida olhada no Resetera, seguida pelas redes sociais (especificamente Bluesky, Instagram, Threads e X), dá para ver que mal consegue encontrar alguém que goste dessa abordagem. Enquanto isso, a Nvidia tomou nota das críticas massivas e apressou-se em postar um comentário sobre o assunto em um FAQ oficial sobre o DLSS 5. E aqui estamos agora. Se isso vai levar a Nvidia a fazer alguma mudança, ainda está para ser visto, assim como o quão dispostos os desenvolvedores de jogos estão a apoiar isso após toda a reação negativa.

Da minha parte, estou decepcionado e um pouco surpreso. O fato de que até mesmo gráficos pré-renderizados dos nossos jogos serão substituídos por tecnologia de IA que torna tudo sem graça e impessoal é simplesmente trágico demais. Não acho que a mesma abordagem teria sido possível em qualquer outra forma de arte.

As redes sociais estão atualmente repletas de memes que destacam o quão absurdo é substituir a arte dos desenvolvedores de jogos por interpretações geradas por IA (crédito da imagem: Nintengamersng).

Imagine se o Spotify vendesse fones de ouvido que pegasse a música que você ama em tempo real e a reformulasse com o que o Spotify considera melhorias. Como remover qualquer imperfeição, suavizar vocais roucos do rock para algo mais melodioso, tornar os solos de guitarra mais sofisticados, e assim por diante. O fato de vozes icônicas não soarem mais como elas mesmas e de bandas queridas terem um som mais polido e de IA não faria muita diferença. Ouvintes de música ao redor do mundo provavelmente teriam enlouquecido, e isso é completamente impensável.

Aplique a mesma ideia ao mundo da arte. Imagine se você tivesse ido ao Louvre e recebesse um par de óculos de IA que permitissem ver obras aprimoradas. Tudo teria sido iluminado, cores ajustadas, a Mona Lisa "babeificada", contrastes ajustados, e passaríamos de sala em sala olhando arte aprimorada por IA. Poderíamos continuar assim com forma de arte atrás de arte, então por que não livros? Leia em um tablet com e-ink que altera o conteúdo para que uma IA controle o que você pode ver, ou assista filmes ou séries onde tudo está bem melhorado em tempo real. Se você acha que Sarah Chalke parece mais velha no novo Scrubs, um pouco de DLSS 5 não vai fazer mal, e se Liam Neeson parece um pouco cansado no reboot de Naked Gun, a história é a mesma lá.

Imagine andar pelo Louvre e observar arte interpretada por IA. Basicamente, é isso que a Nvidia acha que devemos aceitar no mundo dos jogos. Genérico e sem graça.

Infelizmente, porém, o mundo dos games não tem nem de longe o mesmo respeito pela nossa própria forma de arte que outras mídias têm, o que tanto leva quanto levou a uma enorme erosão do que acredito que os jogadores mais dedicados costumam querer. Há uma demanda significativamente maior por aventuras single-player luxuosas e cooperativo, e uma demanda muito menor por lojas que se passam por jogos do que as publishers estão dispostas a admitir.

Então, agora está sendo dado outro passo para tornar os jogos mais automatizados e genéricos, e eu estaria mentindo se dissesse que não fiquei feliz com os protestos nas seções de comentários ao redor do mundo, porque, mesmo que as empresas vejam os videogames como uma mina de ouro e uma forma de arte que absolutamente não precisa de atenção, os fãs percebem isso na hora.

Inteligência artificial: Um salva-vidas?

joel@gamereactor.pt (Joel Petterson) — Wed, 18 Mar 2026 12:00:00 +0100

Inteligência artificial. O apocalipse e a tecnologia Skynet que não só nos obrigam a pagar uma fortuna se quisermos atualizar a RAM do nosso computador, mas também é a tecnologia que corre o risco de destruir completamente a beleza do mundo dos games. Mas será que isso realmente é verdade na realidade? Temos medo de algo que na verdade é mais um incômodo do que um perigo real? Não sei e não tenho as respostas, porque o que faço é mais uma forma de especulação de caras voltada para videogames do que pesquisa de alta qualidade baseada em estatísticas. Mas você não deve descartar toda essa história de caras especulando sobre as coisas.

E não, eu sei que não sou o primeiro a trazer isso à tona, e que esse assunto já está sendo discutido demais agora. Isso não muda o fato de que ele está mais relevante do que nunca, considerando tudo relacionado a Asha Sharma, Xbox Helix e os preços dos componentes que estão disparando (sério).

Acredito que a IA veio para ficar. Vamos ter que conviver com isso agora; Não há dúvida nenhuma sobre isso. Se você conseguir incorporar uma IA que faça o trabalho tão bem quanto ou melhor que um humano, essa decisão será tomada desde que economize dinheiro. Tudo muito bom sobre inovação e hurra, mas, no fim, o que importa é a economia para os grandes nomes das mesas de reunião. Parece – infelizmente – um fato do qual não podemos escapar, e mesmo que eu acredite absolutamente que a bolha da IA vai estourar, é uma realidade à qual teremos que nos acostumar.

Asha Sharma fez com que todo o mundo dos games expressasse preocupação em uníssono por causa de sua experiência na indústria de IA.

A bolha, sim! Provavelmente vai diminuir um pouco quando a demanda começar a diminuir. Assim como o setor de TI sobreviveu a uma fase difícil, o setor de IA também sobreviverá. Espero que isso leve a menos hype e componentes mais baratos. Inteligência artificial é, afinal, uma indústria da qual TODO MUNDO quer participar, mas o bolo simplesmente não será grande o suficiente no final, e então provavelmente veremos um punhado de players dominando o mercado, em vez de startups demais e velhas gigantes tentando entrar no mercado. Vai se estabilizar e alcançar algum tipo de status quo em que não pestanejaremos mais com sua presença em nossas vidas.

Mas o que isso significa para o desenvolvimento de jogos e, no fim das contas, para nós, jogadores? Para os grandes desenvolvedores AAA e AAAA, isso provavelmente significará que personagens humanos serão gradualmente substituídos por soluções baseadas em IA. O dilema moral colocado por essa questão, com o tempo, se tornará confuso, mais difuso e difícil de interpretar, e você pode pensar o que quiser sobre isso, mas suspeito que os opositores mais vocais eventualmente perderão força. E os gigantes da indústria, é claro, vão capitalizar isso. Um pequeno passo de cada vez até que nos acostumemos completamente com o fato de que não é um humano escrevendo diálogos para personagens secundários, mas sim uma IA lidando com isso, assim como lida com assets e programação.

Isso certamente vai sair dos trilhos em alguns setores, onde os jogos que hoje chamamos de sem alma e sem identidade passarão a ser vistos como obras-primas absolutas em termos de mérito artístico. Jogos de alto orçamento impulsionados por IA, mais ou menos. Mesmo não sendo espiritual – de forma alguma – tenho certeza de que um jogo não desenvolvido por humanos vai carecer do que realmente temos e que uma IA não tem – uma alma e sua própria identidade única.

Podemos esperar ver muita IA no novo dispositivo tudo-em-um da Microsoft.

A vantagem, claro, é que os jogos serão desenvolvidos mais rapidamente e, com a ajuda da IA, poderão rodar em hardware menos potente. Em termos de hardware, vejo mais vantagens do que desvantagens, pois esse campo não depende nem cai pela vontade e espírito humanos. A aceleração de IA e todas as soluções DLSS dão nova vida a configurações antigas, e as CPUs poderão realizar cálculos em nível quântico mais rapidamente com a ajuda de ferramentas de IA. Não sou especialista no assunto – mas, como um adivinhador experiente, eu definitivamente diria que, no mínimo, deveríamos, dar as boas-vindas à IA aqui.

Mas, enquanto Tencent, Electronic Arts, Activision Blizzard e gigantes ávidos por dinheiro abraçam cada vez mais IA e enviam para casa mais desenvolvedores humanos, há algo que vai brilhar mais forte e mais forte do que nunca – as grandes forças da humanidade: arte, inovação e identidade. E onde isso será mais evidente enquanto o próximo Call of Duty for genérico ao extremo? Bem, no mundo indie, claro. Amado, amado mundo indie.

A indústria de jogos vai - possivelmente - levar um golpe no começo, mas desenvolvedores e publishers indie menores, sem dúvida, vão querer mostrar como os jogos devem ser desenvolvidos e o quão grande é a diferença quando alguém com paixão genuína coloca seu coração e alma no trabalho. Algo que a inteligência artificial avançada jamais será capaz de alcançar. Vamos ver um renascimento de jogos que parecem vivos. Jogos onde um único desenvolvedor, com manchas de café no teclado e três anos de relativa falta de sono, colocou sua alma em cada pixel, cada loop sonoro e cada linha de diálogo mal elaborada (mas comovente).

A Larian Studios já experimentou um pouco com IA, mas teve que voltar atrás, já que os fãs claramente não gostaram muito desses recursos.

Pense bem: quando o próximo título AAA parecer uma casca bem polida, mas completamente vazia – assim como aqueles mapas de mundo aberto gerados proceduralmente que parecem ótimos no trailer, mas são tão envolventes quanto folhear um catálogo DIY – é aí que as pessoas começarão a desejar algo diferente. E que algo diferente não virá da Tencent ou da EA. Vai vir de um cara em um porão em Skövde, uma dupla na Polônia ou um trio no Japão que se recusam a usar IA para algo além de talvez uma textura provisória rápida.

Nós, gamers, vamos melhorar em diferenciar a diferença. Assim como agora podemos sentir quando um jogo foi feito com paixão e amor, em vez de quando foi feito para maximizar os 'ganhos trimestrais'. E esse sentido? Não pode ser treinado em um modelo. É humano. É bagunçado e às vezes até feio de verdade, mas está vivo e infunde alma e humanidade no jogo.

Então não, eu – pessoalmente – não tenho medo de que a IA acabe com a arte dos jogos por completo. Na verdade, acredito que isso fará o oposto a longo prazo, refinando e esclarecendo o que vale a pena se importar. Os grandes estúdios podem produzir suas produções de IA de grande orçamento com ray tracing de caminho e 240 fps. E o resto de nós vai recuperar a sensação de tocar algo que foi realmente criado por alguém que se importava – um luxo que devemos parar de dar como garantido. Jogos feitos por alguém que chorou, xingou, riu e talvez até odiou seu próprio jogo em algum momento do meio da noite. Fraquezas que, no fim das contas, se tornam nossa força e a razão pela qual sairemos vitoriosos dessa batalha.

O que você acha? Você concorda com o raciocínio do Joel?

A conveniência mata a alegria de jogar

jonas@gamereactor.pt (Jonas Mäki) — Tue, 17 Mar 2026 14:00:00 +0100

Quando recentemente escrevi meu artigo sobre o Virtual Boy, tirei minha velha e confiável máquina, que gentilmente ligou e começou a exibir seus gráficos vermelhos distintos. Joguei para refrescar a memória antes da análise do novo acessório para Switch e escolhi focar principalmente em Mario Clash e Wario Land.

A Nintendo está rapidamente adicionando clássicos ao seu serviço de assinatura.

Era só para ser uma pesquisa rápida, especialmente porque o dispositivo é incrivelmente pouco ergonômico, mas acabei jogando por horas, com Wario Land em particular sendo um desafio. Embora ambos sejam bons jogos, há jogos melhores para passar a noite, então por que fiquei viciado neles? Tenho uma teoria.

Na verdade, já notei algo interessante antes. Quando jogo qualquer um dos muitos jogos clássicos disponíveis no Switch e Switch 2 via Switch Online + Expansion Pack, meu engajamento tende a ser meio sem vontade. Posso alternar entre todos os jogos quando quiser, e todo o desafio desaparece porque posso voltar no tempo e desfazer erros.

Adoro jogos retrô e fico feliz em revisitar os momentos mais finos e obscuros da história dos games para vivenciar a magia de outrora. Meus antigos pilares de 16 bits ainda estão fortes, e de vez em quando compro um jogo novo-antigo que nunca joguei antes. Frequentemente fico deitado na cama jogando quando estou com vontade de retrô, e consigo tocar por horas a fio quando uso os cartuchos. Mas não são os cartuchos que tornam isso possível.

Também tenho um Mega Everdrive Pro para poder jogar títulos emulados quando não quero abrir uma caixa, lidar com um cartucho quebrado ou comprar uma ROM do Kickstarter. Também é um cartucho que se parece com um cartucho de Mega Drive em todos os aspectos, mas permite save States e coisas do tipo. Quando jogo jogos desses, naturalmente uso esses recursos e, de repente, parece menos interessante e um pouco mais soporífero.

Existem muitas formas de usar os save states no Super Nintendo, como o FXPAK Pro.

Vocês são leitores inteligentes (leem Gamereactor, não lê?) e já imaginam onde quero chegar com essa linha de raciocínio, ou seja, que o valor de entretenimento dos jogos retrô diminui até certo ponto se você tornar fácil demais o acesso e adicionar save states. Acho que é o equivalente a ligar a Netflix numa sexta-feira à noite e decidir o que você quer assistir. A escolha é tão grande que torna tudo mais difícil e um pouco menos envolvente. Você acaba escolhendo algo por impulso, enquanto aqueles que estavam por aqui na era do aluguel de vídeos certamente lembram como escolhiam seu filme e iam para casa, só para depois apreciá-lo de forma quase cerimonial.

Os save states, por sua vez, têm sido descritos como algo que torna jogos antigos divertidos até hoje. Há um pouco de verdade nisso, mas eles também tiram o valor do entretenimento. Jogos antigos não eram difíceis porque eram impossíveis de vencer; Eram desafiadoras porque geralmente duravam cerca de uma hora. Se você remover o desafio, o que resta é uma aventura que você enfrenta às pressas sem precisar colocar seu coração e alma nela.

Ao jogar sem pensar títulos como Mega Man, Castlevania ou Contra, a empolgação e o espírito deles se perdem completamente.

Muitas vezes, isso significa que você perde detalhes brilhantes da jogabilidade, como o quão engenhosamente desenhados são os movimentos do Yellow Devil no primeiro Mega Man, quando a criatura se move para frente e para trás pela sala. Certamente foi projetado para ser relativamente fácil de vencer, mas exige foco e concentração de altíssimo nível, seguidos de uma onda de adrenalina e endorfinas quando você consegue. Qualquer um que use estados de salvamento e assim elimine completamente isso nunca entenderá sua grandeza.

É exatamente pelo mesmo motivo que os títulos da FromSoftware são tão populares hoje. Esses não são jogos que você pode jogar sem grande vontade; Você precisa estar totalmente envolvido. Ninguém vai te dizer para onde ir; Você tem que descobrir isso por si mesmo, e ninguém vai te dizer como vencer os chefes, porque, de novo, você tem que descobrir isso por conta própria. A sensação de sucesso é eufórica; Você se sente competente e que conquistou algo que vale a pena.

Jogos como (da esquerda para a direita) The Adventures of Bayou Billy, Fester's Quest, Ikari Warriors e Ghost 'n Goblins são todos jogos de NES que, eu diria, são impossíveis de completar sem a ajuda de trapaças.

Então, estou declarando guerra aos estados de salvamento? Não, de jeito nenhum. Claro, existem jogos antigos que são completamente impossíveis, especialmente Battletoads e Trojan, e esses realmente exigem a opção de save states para serem jogados novamente, e isso mal é possível com ajudas como essas. Além disso, jogos antigos são exatamente isso, antigos, e é fácil cometer erros para que você perca coisas e, no pior dos casos, pode nem conseguir progredir. Além disso, você não pode salvar (e se conseguir, é só em pontos selecionados, resultando em longas distâncias de viagem).

Mas durante a era do NES, os jogos eram feitos principalmente para crianças; Eu mesmo era criança naquela época, e passávamos pelos jogos um após o outro. Não eram tão difíceis, mas como eu disse, exigem um pouco de envolvimento emocional. A série Mega Man é frequentemente considerada absurdamente difícil, mas como um cara com quase 50 anos, ainda consigo passar por elas sem muita dificuldade. Não é porque eu seja um jogador muito bom (porque realmente não sou, exceto talvez em jogos de luta onde geralmente consigo me virar razoavelmente bem na companhia certa), mas porque joguei muito e pratiquei.

Títulos como Ori and the Will of the Wisps, Hades II e Hollow Knight: Silksong são essencialmente jogos retrô em uma nova versão e teriam sido meio sem graça se tivessem incluído estados de salvamento.

Para mim, que frequentemente exibe consoles retrô e sei quais jogos antigos jogar no PlayStation 5, Switch 2 ou Xbox Series S/X, quando jogadores mais jovens e iniciantes vêm visitar, muitas vezes recebo a confirmação de que são clássicos atemporais. Até crianças acostumadas com jogos mais modernos tendem a se viciar se eu ofereço uma partida de Hóquei no Gelo no NES, Sonic the Hedgehog no Mega Drive ou Troup do Pateta no Super Nintendo. Bons jogos são atemporais se você os jogar como deve.

Como eu disse, existem jogos que simplesmente não podem ser aproveitados sem save states, mas o que quase todos esses títulos têm em comum é que eles não são particularmente divertidos mesmo com eles – embora pelo menos possam ser jogados. No entanto, também temos gêneros onde os save states realmente agregam valor, e isso diz respeito principalmente a aventuras mais longas e jogos de RPG. Ter que recomeçar do zero em uma aventura que dura várias horas não é divertido, e escrever senhas absurdamente longas é algo que na verdade não acrescenta nada. Além disso, como mencionado acima, é bom não ter que voltar em jogos de RPG só para salvar em um dos poucos locais absurdamente permitidos que permitem isso.

A FromSoftware cria jogos que devem ser aproveitados da mesma forma que os clássicos e são incrivelmente populares. Se os estados salvos tivessem existido, provavelmente nunca teriam se tornado tão grandes quanto são.

Mas escolher preguiçosamente um jogo de uma biblioteca infinita de ROMs onde você usa save states significa que você quase certamente nunca vai conseguir entender a grandiosidade do que quer que esteja jogando. Por isso, é ótimo encontrar uma joia do Mega Drive (o formato que estou colecionando mais agora) e colocar o cartucho em casa. Três vidas e geralmente nenhum continuo. Se eu morrer, eu morro. Começar um jogo retrô épico como Alisia Dragoon, Ranger-X ou Shadow Dancer: The Secret of Shinobi é tão mágico quanto quando eram novos. Tenho que lutar para superar, tentar entender o que está dando errado quando inevitavelmente morrer, e então tentar de novo. Se fica realmente difícil, é um desistir de raiva, um passeio ao ar livre com os cachorros, depois do que, armado com uma xícara de café ou uma cerveja gelada e um pouco de manga seca, eu dou mais uma chance e muitas vezes consigo conseguir.

A satisfação é imensa, e aquela sensação de folhear sem vontade uma pilha de jogos só para mergulhar os pés por alguns minutos antes de decidir que parecem completamente ultrapassados desaparece instantaneamente. Ainda no último fim de semana, comprei a coleção de remakes Mega Man: The Wily Wars para o Mega Drive em uma loja de jogos bem abastecida e, mais uma vez, fiquei grudado na tela de um jeito que não se encontra usando ajudas.

Jogos antigos podem ser desafiadores, mas se gerenciávamos quando crianças, agora também conseguimos gerenciá-los. Jogos como os melhores momentos de Sonic e Mario da era dos 16 bits nunca parecerão ultrapassados.

Nem todos os clássicos envelheceram bem, mas muitos envelheceram. Se você simplesmente der uma chance justa a eles, há uma mina de ouro de ótimos títulos para descobrir. Se as crianças conseguiam esses jogos nos anos 80 e 90, você também conseguia, e há até estudos mostrando que esses jogos são ótimos para o cérebro porque você precisa estar totalmente engajado, desafiado e não pode simplesmente jogar no piloto automático. Há um motivo para os clássicos serem chamados de clássicos, e não é porque são jogos antigos, mas porque são bons jogos antigos. É uma diferença enorme. Aproveite-os de verdade e assista a um novo e velho mundo se abrir, o que explica por que nos apaixonamos tanto por esses jogos naquela época.

Falando sobre IA e Lovecraft com o diretor de jogo Tommaso Nuti Cthulhu: The Cosmic Abyss

alex@gamereactor.pt (Alex Hopley) — Tue, 17 Mar 2026 11:00:00 +0100

Recentemente, tivemos a chance de jogar uma boa parte de Cthulhu: The Cosmic Abyss. Depois de experimentar o novo jogo de aventura do Lobo Mau, ficamos viciados como arqueólogos em um artefato que eles definitivamente deveriam ter deixado em paz. E assim, quando surgiu a oportunidade de conversar com o diretor do jogo, Tommaso Nuti, é claro que agarramos a chance. Abaixo, você pode conferir nossa entrevista completa com Nuti, discutindo IA, histórias lovecraftianas, como você pode lidar com os horrores que enfrentará em Cthulhu: The Cosmic Abyss e quanto tempo leva para escapar deles.

P: Quais histórias lovecraftianas serviram como principais inspirações para o jogo?

Nuti: "Nos inspiramos em muitos contos lovecraftianos ao adaptar o mito. Nosso objetivo era menos recontar uma história específica e mais usar o lore mais amplo para construir um senso de continuidade dentro deste universo. Você, é claro, reconhecerá elementos de O Chamado de Cthulhu, assim como de A Sombra sobre Innsmouth e O Assombrador das Trevas. Há também outro conto cult que nos inspirou, embora eu prefira não revelá-lo ainda para manter a surpresa!"

P: Como os jogadores podem lidar com os horrores que enfrentarão no jogo?

Nuti: "Queremos colocá-lo no lugar de um investigador ocultista explorando um universo completamente além da compreensão deles. Por isso, descartamos o combate desde o início. No entanto, a ausência de combate não significa ausência de perigo.

Muitas coisas podem te matar em R'lyeh, seja as ruínas em si ou as criaturas que as habitam. Nenhuma arma convencional será útil aqui. Apenas suas ferramentas e sua inteligência permitirão que você siga em frente e complete a aventura. Para sobreviver, você precisará entender as regras que regem este mundo, seja aceitando-as ou encontrando maneiras de enganá-las.

Assim, o horror está presente em todos os aspectos da experiência, criando uma atmosfera que pode parecer sombria às vezes e fascinante em outras, mas sempre imersa em mistério e desconhecido. Nosso objetivo era abordar o horror cósmico em seu sentido mais puro, onde o medo vem de confrontar um mundo que supera a humanidade em todos os aspectos possíveis."

P: A forma como a IA é retratada no jogo é como você espera vê-la usada no futuro?

Nuti: "Essa é uma pergunta fascinante. Devo ressaltar que essa é uma opinião muito pessoal, que vai além do meu papel como Diretor de Jogo em Big Bad Wolf.
Minha principal esperança é que a IA ajude a acelerar grandes avanços na medicina e na ciência, ajudando, em última análise, a preservar tanto nossa saúde quanto nosso mundo.

Para dar um exemplo concreto relacionado ao jogo, a IA é integrada diretamente ao cérebro do personagem. Noah a usa para 'pingue-pongue' de ideias, extrair informações e analisar evidências. Nesse sentido, representa uma evolução lógica de suas ferramentas investigativas. No entanto, quando se trata de lidar com pessoas, é importante preservar o próprio julgamento e agir de acordo. Na minha visão, existem normas básicas que a IA pode apoiar, mas o bom senso deve permanecer humano.

Do ponto de vista profissional, vejo a IA como uma ferramenta poderosa que deve sempre ser equilibrada com a supervisão humana. O mesmo vale para áreas criativas, onde os humanos devem permanecer no centro de qualquer projeto. A IA pode ajudar a dar vida a conceitos ambiciosos, mas questões sobre direitos autorais ainda precisam ser resolvidas para evitar uma industrialização sem alma da arte.
De forma mais ampla, a sociedade deve abordar a IA com cuidado e reflexão. É importante aprender os fundamentos antes de depender da ferramenta, assim como aprender a contar antes de usar uma calculadora. No fim das contas, ter um 'supercérebro' à nossa disposição não deve nos levar a desligar o nosso próprio."

P: Quanto tempo leva uma corrida média de Cthulhu: The Cosmic Abyss ?

Nuti: "Em média, completar a aventura levará entre 12 e 15 horas, dependendo do modo de dificuldade escolhido e de quão profundamente cada jogador escolhe se envolver na investigação. Para dar um pouco mais de detalhes, nosso jogo recompensa a curiosidade acima de tudo. A profundidade da sua investigação determina, em última análise, a duração da experiência.

Em cada capítulo, os jogadores podem investigar livremente em áreas abertas. Se você decidir seguir uma pista ignorando certas pistas ou partes do mapa, progredirá mais rápido. No entanto, isso pode levar a conclusões precipitadas, que podem resultar em decisões ruins e aumentar seu nível de corrupção.

Por outro lado, dedicar tempo para explorar cada canto e desvendar os muitos mistérios escondidos em cada fase permitirá que você faça escolhas mais informadas e se proteja melhor. Essa é nossa principal forma de ampliar a experiência. Além disso, os jogadores podem buscar componentes de melhoria para seus equipamentos. Esses componentes são cuidadosamente escondidos pelo ambiente, adicionando uma dimensão de caça ao tesouro à aventura."

P: Quantos finais existem para os jogadores encontrarem?

Nuti: "O jogo apresenta seis epílogos diferentes para os jogadores descobrirem, além das várias formas pelas quais investigações podem ser resolvidas ao longo da aventura."

LEGO Pokémon 72152 Pikachu e Poké Bola

marie@gamereactor.pt (Marie Liljegren) — Tue, 17 Mar 2026 09:00:00 +0100

Quando Pokémon apareceu pela primeira vez em jogos e programas infantis no final dos anos 90, eu estava ocupado com sair e com meninos; afinal, eu tinha 19 anos e me divertir era praticamente a única coisa na minha versão mais jovem, então pode-se dizer que a febre pelos jogos, cartas colecionáveis e pela série passou por mim sem causar muita impressão. Claro, eu sabia quase tudo sobre Blaziken e Typhlosion, qualquer um com crianças por perto sabe que é doutrinado por esse tipo de coisa e é praticamente a única coisa que eles falam o dia todo. Meu sobrinho Oscar amava tanto Pokémon que, no dia seguinte ao aniversário dele, quando recebeu um tão esperado Gameboy SP prateado, ele trocou por um cartão simples de Pokémon na caixa de areia com o filho do vizinho, para choque dos pais, o que resultou em um nível oito na escala de raiva.

Uma caixa bem grande cheia de petiscos e guloseimas.

Mas para mim, foi só isso. Conhecendo os nomes e, ocasionalmente, sendo forçada a assistir programas infantis com um pequeno babando e ranho nos braços. Mas há um personagem que todo mundo conhece, e acima de tudo, todos reconhecem, e esse é o Pikachu, e tive a honra de montá-lo em forma de Lego. Pika pika, mais ou menos! A caixa em si é uma bomba, e eu a carreguei para casa como um grande bebê nos braços, passando por vizinhos e crianças que olhavam maravilhadas para meu precioso, que segurei firme para protegê-lo de mãos gananciosas e imaginárias.

Acabei de começar. Relaxamento total.

Como de costume, o conjunto de Lego vem com um manual grosso, e desta vez chegou em 16 saquinhas brancas diferentes contendo um total de 2.050 tijolos – o que me deu uma emoção intensa, pois sei que isso vai demorar um pouco. Porque se tem uma coisa que percebi desde a última montagem, é que Lego me deixa feliz. Isso me transforma em um verdadeiro mestre de yoga que esquece tempo e espaço e só vai construindo. O relaxamento é real, e eu diria que todo mundo deveria construir. Nós, adultos, temos mentes que nunca realmente desligam, pois estamos cheios de preocupações com finanças, eventos mundiais do outro lado do mundo, crianças e a casa, mas se tem uma coisa que permite desligar seus pensamentos, são aqueles pequenos blocos de construção chamados Lego. Enquanto construía, não pude deixar de ficar impressionado com o quanto os tijolos de construção evoluíram, já que fiquei ali com meu baú de brinquedos no quarto da minha infância, construindo cidades e carros em grandes placas verdes que realmente não eram nada agradáveis aos olhos.

Está começando a tomar forma. Finalmente, o painel traseiro combinava com o corpo! Eu estava nas nuvens.

Imaginação era a única coisa que estabelecia os limites, e a minha era realmente ilimitada. As peças lindamente arredondadas de hoje realmente fazem cada criação parecer o mais realista possível quando todas as pequenas seções são pressionadas juntas. As peças deste conjunto vêm em todas as cores do arco-íris, muitos tons pastéis, e você se pega se perguntando repetidamente: "Não é amarelinha rato?" Porque sim, é o nosso querido Pikachu. Devo dizer pouco? Ele certamente ficou tudo menos pequeno depois que terminei. Mas terminar acabou sendo mais fácil falar do que fazer. Porque em algum lugar da minha construção, um erro microscópico foi cometido. Em tudo o mais na vida, um pequeno deslize geralmente não importa, mas em Lego, é um grande NÃO-NÃO.

Talvez uma imagem um pouco grotesca. Sinto um pouco como se tivesse cortado a cabeça da pobre criatura.

Por quê, vocês que não são construtores podem se perguntar? Como todos os construtores sabem, seja construindo uma parede de tijolos ou uma estrutura de Lego, todas as peças precisam se encaixar; caso contrário, tudo vai dar errado a longo prazo. Infelizmente, percebi meu erro várias horas depois de começarem a montar, bem quando estava prestes a prender a parte de trás ao corpo. Por mais que eu pressionasse, simplesmente não se fundia com o resto. Fiquei olhando para todas as partes e tudo parecia como deveria, até que finalmente meu bom amigo me disse para tentar voltar passo a passo até encontrar o problema. Mas alguns puxões aqui e ali, e pedaços começaram a cair; a bagunça era um fato, e sim, fiquei com raiva. Tão irritado que desmontei tudo que tinha construído, exceto o painel traseiro, que pelo menos eu sabia que estava correto.

Olha como ele está feliz com a bolinha.

Agora sou especialista em Pikachu, tendo construído ele não só uma vez, mas duas vezes. E no fim, encontrei o erro: duas pequenas peças que tinham acabado no slot errado. E é com essa experiência que gostaria de recomendar não usar o guia de construção que vem com o conjunto, mas sim baixar o aplicativo incrivelmente útil 'Lego Builder', que usei da última vez para realmente encontrar meu erro de construção. O app parece exatamente com o catálogo de construção, mas a diferença é que você pode girar em 3D para realmente ver tanto o topo quanto o inferior, ou seja, não dá para perder quantos montantes precisa contar ao montar as peças. E foi uma salvação, posso garantir, porque só uma hora depois eu estava de volta ao ponto onde tudo desandou, e sabe de uma coisa? O painel traseiro deslizou para o lugar num piscar de olhos. Então é isso – uma história para mostrar que as coisas nem sempre saem como planejado.

Aquele Pikachu é bem fofo.

Até uma deusa como eu comete erros às vezes. Mas geralmente a culpa é de outra pessoa. Neste caso, o catálogo Lego. Repare no sarcasmo aqui, antes que fãs de Lego me enviem o Duplo em retaliação por essa blasfêmia. É um pouco difícil estimar quanto tempo a montagem real leva, já que precisei montá-lo duas vezes, mas você terá algumas noites aconchegantes pela frente se investir nesse conjunto. Mas se eu tivesse que chutar, cerca de seis horas, dependendo da sua velocidade. O conjunto é na verdade composto por três builds diferentes. Primeiro, você constrói o Pikachu, que é um cara bastante impressionante com 35 centímetros. Depois tem a pequena Poké Bola para montar, que monta bem rápido porque não tem muitas peças. Por último, mas não menos importante, está a própria base de placa, que mantém tudo junto, e isso levou um bom tempo.

É um trabalho e tanto.

No geral, é uma peça grande que ocupa bastante espaço, e logo percebi que, ao colocá-la no meu quarto, precisava optar por uma versão reduzida. Então, graças a Deus pelo suporte pequeno que você pode usar, enquanto o gigante pode ser guardado na caixa em que veio. Pikachu ficou incrivelmente fofo quando terminou, e devo dizer que foi um pouco difícil colocá-lo em seu stand pela primeira vez, já que a colocação talvez não tenha sido tão bem pensada pelos nossos inventores dinamarqueses. O bastão onde você deve montar nossa linguiça gorda amarela, fofa, parecida com porquinho-da-índia, tem que ir bem no traseiro do pobre coitado. Ou melhor, o traseiro. A traseira. O rabo. Não é de se admirar que eu tenha me machucado quando ele foi espetado no espeto do churrasco como um cordeiro para o abate.

Para ter uma ideia do tamanho, você pode comparar com uma garrafa plástica de 1,5 litro.

De qualquer forma, ele é muito detalhado no design e certamente será uma adição estilosa ao meu pequeno expositor, onde agora ele está entre Leon S. Kennedy e Jill Valentine. No entanto, a cauda precisou ser aparada porque era um pouco grande demais. Falando em cauda, ela existe em duas versões: uma para um macho e outra para uma fêmea. Você também pode mover as orelhas, braços e pés da figura, mas por algum motivo essa parece um pouco mais frágil que minha última construção, que era o Homem de Ferro da Marvel, que era um pouco mais compacto e durável. Menciono isso porque, em várias ocasiões, transformei o pobre Pikachu em um bandido de um braço só e um sujeito um pouco menos esperançoso quando um dos pés dele caiu.

No geral, foi uma construção muito divertida e, como já disse antes, você sempre fica impressionado com todas as pequenas peças que monta sem ter ideia do que está montando, e de repente está sentado ali com uma cabeça ou um braço. As pessoas que criam esses produtos são realmente engenheiros do mais alto nível. Será que esse é o melhor e mais inteligente "brinquedo" do mundo? Você está ansioso para colocar as mãos nessa joia? Bem, pode ser seu por entre £179,99. Essa foi realmente uma forma encantadora de celebrar o 30º aniversário de Pokémon.

Lego Venusaur, Charizard e Blastoise

fredrik@gamereactor.pt (Fredrik Malmquist) — Sun, 15 Mar 2026 11:00:00 +0100

Vermelho ou azul? Qual foi sua escolha? Bulbasaur, Charmander ou Esquilo? Antes de embarcar na minha primeira jornada pela região de Kanto, tive que fazer várias escolhas, decisões que repeti várias vezes desde então: Red e Charmander. Se você tivesse dito ao Fredrik, de 13 anos, que ele estaria sentado com seus dois filhos, passando uma semana construindo três Pokémon gigantes de Lego, ele nunca acreditaria em você. Charmander sempre será meu primeiro Pokémon e o primeiro que treinei para evoluir para sua forma final, Charizard.

Se você comprar o enorme conjunto de Pokémon da Lego, não precisa escolher um Pokémon inicial. Neste enorme conjunto de Lego de 6.838 peças, você tem Venusaur, Charizard, Blastoise e uma base legal para colocar as criaturas. A única escolha que você precisa fazer é qual dos três gigantes construir primeiro. Na caixa enorme, você recebe três caixas impressas como Poké Balls. No verso, há ícones que revelam qual tipo de Pokémon está escondido na caixa. As caixas são numeradas, mas nada impede você de construir as três figuras na ordem que preferir. Se você seguir a numeração das caixas, Venusaur vem primeiro, seguido por Blastonese e, por fim, Charizard.

Decidi facilitar para mim mesma e comecei a construir enquanto meus filhos dormiam. Depois de duas horas e dez minutos, era hora de dormir. Até onde cheguei? Seis sacos e uma base acabada, fresca coberta de plantas, para o Venusaur ficar em cima. No dia seguinte, meu filho de 8 e meu filho de 6 anos participaram, e juntos passamos quase sete horas completando o Venusaur. É totalmente possível que eu pudesse ter construído o tipo Grama mais rápido sozinho, mas toda vez que meus filhos e eu olharmos para o conjunto de Lego daqui pra frente, saberemos que a construção foi um esforço em equipe.

Venusaur foi de fato o número um na ordem quando seguimos os números nas caixas e instruções do conjunto de Lego. Quando meus filhos e eu terminamos Venusaur, ambos insistiram que Charizard seria o próximo. Não foi difícil me convencer, dado meu favoritismo. A base do Charizard é um vulcão com uma montagem no topo onde o gigante laranja deve ser acoplado. Meu filho mais velho me ajudou a construir a base, o que levou mais quatro horas para nós. Depois levou mais três a quatro horas para completar Charizard. Depois disso, perdemos a conta, mas provavelmente levou mais sete a oito horas para montar a base e Blastoise para completar o modelo de Lego, exatamente uma semana depois que trouxe a caixa para dentro de casa.

Venusaur, Charizard e Blastoise é o maior conjunto de Lego que construí desde a Ultimate Collector's Edition da Millennium Falcon em 2017. Descobri Star Wars antes de Pokémon, mas ambos os universos são muito próximos do meu coração e, embora eu tenha construído a Falcon sozinho, desta vez fiz isso com minha família, o que foi ainda mais especial. Diferente da Millennium Falcon, este é um conjunto 18+ que contém significativamente menos peças de Lego Technic, e isso me caiu muito bem, além de servir para meus filhos também.

Como foi a construção do cenário? Variado, desafiador, divertido e que consome tempo. Para quem é? Fãs de Pokémon e entusiastas de Lego. Venusaur e Blastoise são ambos compactos e mais semelhantes em design. Charizard é mais magro e tem duas asas feitas de tecido estampado. As três bases diferem muito no design, enquanto a bolsa seis da base do Venusaur era como um conjunto botânico comum de Lego para montar. O vulcão do Charizard parecia a parte da construção que continha mais partes Technic e, para as crianças, o maior desafio era manter o foco por muito tempo. Depois de três horas construindo, meu filho mais novo disse: "Pai, isso é a coisa mais divertida que eu conheço. Construindo grandes conjuntos de Lego!" Foi aí que percebi que ele tem muitos projetos futuros pela frente.

Conjuntos de Lego estão disponíveis em todas as faixas de preço e este está entre os mais caros. É uma peça de destaque, algo que você constrói porque ama Lego e Pokémon. É um cenário que precisa de um lugar na sua casa onde possa ser visto, com uma base de 54 centímetros de largura e um trio que atinge 50 centímetros de altura, você pode imaginar o espaço necessário. Muitos criadores de conteúdo e escritores mencionaram o preço e sugeriram que a Lego poderia ter removido a base para tornar o conjunto mais barato. Eu me pergunto por quê? Quando Pokémon comemorar seu 30º aniversário e for lançado como um conjunto de Lego pela primeira vez, ele deve ter espaço. Se eu tivesse que mencionar algo que poderia ter sido melhor, seria o formato do rosto do Charizard e as lacunas em Venusaur. No geral, porém, este é um conjunto que é um modelo premium digno para celebrar três décadas de um universo que entretém milhões de pessoas todos os anos.

Nota de rodapé: O conjunto de Lego é vendido exclusivamente pela própria Lego e tem sido extremamente popular. O conjunto está em espera até abril.

Top 10 capas mais impressionantes do Nintendo 64

kenny@gamereactor.pt (Kenny Nordgren) — Sat, 14 Mar 2026 11:00:00 +0100

Possivelmente é a era do Nintendo 64 que mais me lembra. Eu tinha 10 anos quando o grande e pesado pacote na véspera de Natal de 1997 trouxe o novo console da Nintendo, o que me deixou feliz e satisfeito até a chegada do PlayStation 2 no final de 2000. Em outras palavras, era o momento perfeito para moldar os hábitos de videogame de uma pessoa.

Nesta lista, minhas "capas favoritas" são fortemente influenciadas pela nostalgia. Foi impossível evitar isso quando eu estava montando este texto, onde, após cuidadosa reflexão e um balde cheio de nostalgia, acabei com a seguinte lista:

10. Castlevania: Legado das Trevas (Nintendo 64)

De modo geral, Castlevania tem capas incríveis, especialmente para o NES. É aí que estamos falando de mágica. Legacy of Darkness ainda não está lá, mas ainda se destaca no catálogo do Nintendo 64 quando se trata de capas. É um pouco incomum que uma capa inspirada em mangá me atraia do jeito que Legacy of Darkness me atrai, já que mangá é uma estética que geralmente não gosto nada, mas o mistério de Drácula, do castelo, dos morcegos e da lua grande ao fundo é outra coisa, de uma forma positiva.

9. Super Mario 64

Não consigo deixar de pensar que esse jogo precisa estar nessa lista. Mas, por outro lado, é uma capa minimalista e estilosa que me atrai muito, mesmo não estando entre meus 10 jogos favoritos para o console. Mas, não estamos aqui para discutir uma lista tão importante. De qualquer forma, Mario está voando com seu chapéu de asa, simbolizando a liberdade que existe no jogo graças ao seu mundo 3D, e lá embaixo à esquerda você pode ver o castelo com um Goomba guardando-o. Simples, mas estiloso.

8. Crianças do Snowboard

Essa é uma capa divertida que me deixa feliz só de olhar. Joguei muito esse jogo antigamente, e a capa anda de mãos dadas com o próprio jogo. Acho que essa capa encapsula a brincadeira que o Nintendo 64 representa. É uma "capa de Mario Kart", mas com snowboards. Eu também ia escrever "narizes grandes" quando percebi que os narizes do Mario e do Wario também não são tão pequenos assim.

7. Turok: Caçador de Dinossauros

Não tem nada mais difícil do que isso; um guerreiro parado com sua faca Rambo pronta para um combate corpo a corpo com um velociraptor. Quando criança, achava legal e assustador ao mesmo tempo. Ele grita ação, e o jogo certamente entregou. Eu nunca tive o jogo, mas de vez em quando o pegava emprestado do meu amigo de infância. Mesmo que a capa fosse talvez mais legal naquela época, ainda assim está nesta lista.

6. A Lenda de Zelda: Majora's Mask

O segundo lançamento de The Legend of Zelda para Nintendo 64 entra nesta lista. Na minha opinião, há um certo mistério em torno dessa capa. Claro, isso tem muito a ver com o fato de que o jogo em si é muito misterioso, onde o fundo verde escuro e o texto roxo têm certo apelo, especialmente em combinação com a máscara de Majora olhando malévolamente para você. Relativamente minimalista, como Super Mario 64.

5. Mario Kart 64

Tenho tantas lembranças da era do Nintendo 64 gravadas na minha mente e muitas delas são de Mario Kart 64, que talvez também seja a capa mais estilosa do Mario Kart. Mais uma vez, estamos falando de minimalismo e velocidade, e também adoro que meu favorito do grupo do Mario, Wario, tenha um papel tão importante na capa. Em outras palavras, nem sempre precisa ser sobre Mario e Donkey Kong.

4. O Dia do Pelo Ruim de Conker

Esse jogo quase lendário aparece em todos os tipos de listas de destaque. O motivo de isso aparecer neste caso é que Conker está segurando uma cerveja em uma mão. Só isso já é motivo suficiente para consolidar seu lugar no meu livro das capas mais legais. O fato de ser um esquilo segurando a cerveja não piora as coisas. É a primeira cerveja do dia? O sétimo? Vai saber. Também consigo imaginar crianças conversando com os pais quando o jogo foi lançado em 2001: "Mamãe e Papai, eu quero o jogo com o esquilo bebendo cerveja na capa de Natal".

3. Banjo Kazooie

Faço parte do grupo de pessoas que, ou talvez nem seja um grupo quando penso bem, não acham que Super Mario 64 é o melhor jogo 3D do Nintendo 64. Na minha opinião, são os jogos Banjo Kazooie que estão no topo do pódio. Banjo e seu companheiro pássaro superconvencido também têm um lugar nessa lista. Uma capa acelerada onde nosso urso não só tem Kazooie na mochila, mas também segura um Jinjo roxo com o braço esquerdo enquanto pega uma peça do quebra-cabeça com a direita. Atrás dele, a chefe final do jogo, Gruntilda, se ergue como um gigante. Também gosto que o Mumbo Jambo fica visível no lado esquerdo da capa, um dos meus favoritos pessoais.

2. A História de Yoshi

Uma capa super fofa com o dragão favorito de todos. Yoshi's Story não era meu jogo favorito na época, mas que capa colorida e agradável era. Eu quase tinha esquecido desse jogo até fazer uma pesquisa para este artigo, mas quando o vi, senti uma sensação nostálgica tão grande que a capa conquistou um lugar na lista sem muita discussão.

1. The Legend of Zelda: Ocarina of Time

Talvez seja o melhor jogo do mundo, e vem com uma capa onde menos é mais. Estou me referindo principalmente à versão PAL, embora as outras capas sejam quase tão lindas quanto. Mas o fundo preto e o texto dourado, junto com a espada e o escudo, estão realmente, realmente bons. Eu nunca tive esse jogo na era do Nintendo 64, mas assim que vi a capa na casa de amigos e conhecidos, eu ficava animado toda vez, mesmo já tendo pegado emprestado várias vezes.

Qual capa do Nintendo 64 é sua favorita?

Friday the 13th: Do pior para o melhor

kenny@gamereactor.pt (Kenny Nordgren) — Fri, 13 Mar 2026 10:00:00 +0100

Com certeza ninguém já passou despercebido que filmes slasher são meu ponto forte. Há um tempo, classifiquei os filmes de Scream de acordo com meu gosto pessoal, e agora, o segundo (de três!) Sexta-feira, dia 13 do ano, chegou. Naturalmente, pensei em aproveitar para classificar todos os filmes Friday the 13th. Do pior ao melhor!

12. Jason X (2002)

Jason Voorhees no espaço? No papel, pode parecer... Não, mesmo no papel, essa ideia não parece nem um pouco divertida. Na verdade, é o contrário. Como alguém ousa sequer apresentar uma ideia dessas? Começa de forma um tanto promissora com Jason, que parece muito bem, acorrentado em um grande hangar. Não está um pouco claro como ele foi parar lá, se você já viu os filmes anteriores. Aí as coisas descontrolam rapidamente quando Jason fica congelado e acorda a bordo de uma nave espacial alguns anos depois. Podemos ver de tudo, desde androides até Super-Jason. Atrás das câmeras está o falecido James Isaac, que trabalhou nos efeitos especiais de O Retorno de Jedi (1983) e Gremlins (1984), enquanto Noel J. Cunningham, filho de Sean S. Cunningham, que estava por trás do primeiro Friday the 13th, atuou como produtor. Pode-se pensar que ele herdou o bom gosto dos pais, mas aqui fica claro que o bom gosto pula uma geração.

11. Jason Vai para o Inferno: A Sexta-feira Final (1993)

Meu bom amigo e amigo de infância não vai gostar de ler isso, mas este não é um bom filme. Começa brilhantemente com um Jason grotesco (interpretado por Kane Hodder pela terceira vez, Jason X foi a quarta e última), grande e pesado, com roupas gastas e uma máscara de hóquei que quase se fundiu ao rosto. Depois, ele é baleado por um monte de agentes do FBI. Mas, surpresa, surpresa, a alma maligna de Jason não é bem-vinda no inferno e vive em várias formas humanas. No final, quando Jason finalmente voltou ao seu corpo real por cerca de dois minutos, alguns demônios aparecem e arrastam Jason para o inferno. É um pouco engraçado, ou na verdade muito engraçado, que a mão de Freddy Krueger, armada com faca, apareça nos últimos segundos do filme e puxe a máscara de Jason para baixo. Essa é uma transição perfeita para...

10. Freddy vs. Jason (2003)

... o próximo filme da lista, que a princípio era um filme que eu esperava há muito tempo. Também achei bom da primeira vez que vi. Então percebi que na verdade não era bom. Ainda assim, acho que complica um pouco as coisas, com Freddy puxando a máscara do Jason para o inferno quase exatamente dez anos depois, mesmo que não funcione muito bem no fim das contas. Nem Jason nem Freddy deveriam estar em algum tipo de luta mortal um com o outro; Não é aí que reside o apelo desses dois personagens. Eles não são Godzilla ou Kong, por assim dizer. Sean S. Cunningham é, na verdade, o produtor desse filme...

9. Friday the 13th (2009)

... da qual ele também produziu o remake. Como remake, não é tão bom quanto O Massacre da Serra Elétrica (2003) ou As Colinas Têm Olhos (2006), mas no geral ainda é bastante bom. No entanto, você precisa compará-lo com os outros filmes da franquia e aí ele não fica acima do nono lugar. Jason captura mulheres e as mantém presas por várias semanas? O que diabos é isso? Mas aí gosto que ele use tanto uma fronha como máscara, como na Parte 2, quanto a lendária máscara de hóquei. O diretor alemão Marcus Nispel está atrás das câmeras, e também dirigiu o já mencionado remake de O Massacre da Serra Elétrica.

8. Friday the 13th Parte VI: Jason Vive (1986)

A primeira vez que Jason volta do túmulo, literalmente. O personagem Tommy Jarvis, que mata (por enquanto) Jason na quarta parte, viveu uma vida com medo, sem saber se Jason está realmente morto. Para realmente, realmente, realmente descobrir se Jason está morto, Tommy desenterra o corpo de Jason e o perfura com um espinho de ferro várias vezes. Por mais burro que seja, Tommy deixa o espinho de ferro no corpo de Jason durante a tempestade que está acontecendo no momento, e como todos sabemos, o raio pode reviver um corpo que está morto há muitos anos (NOTA: ironia). Dessa forma, Jason começa seu massacre mais uma vez. O filme tem um certo tom cômico que eu realmente não me identifiquei, mas isso parece estar errado comigo, já que muitas pessoas o classificam no topo ou no topo das listas de filmes da série de filmes. Ainda assim, é divertido que He's Back (The Man Behind the Mask), de Alice Cooper, seja usada como tema principal.

7. Friday the 13th Parte VIII: Jason Toma Manhattan (1989)

Graças ao tom cômico do filme anterior, o oitavo filme da série termina em sétimo lugar, e mais uma vez Jason volta dos mortos com um forte choque elétrico. A produtora da série, Paramount, sentiu que a concorrência havia se intensificado, tanto em 1988 quanto em 1989, quando Friday the 13th, Halloween e A Hora do Pesadelo lançaram sequências. A última série era claramente mais popular na época porque era mais imaginativa, com Freddy Krueger perseguindo pessoas em seus sonhos (e todos sabemos como sonhos podem ser assustadores...), enquanto Jason ainda corria entre as árvores em Crystal Lake, fazendo as mesmas coisas de sempre repetidas vezes. O que fazer? Bem, deixe-o solto em Nova York, claro. No entanto, 75% do filme se passa em um barco a caminho de Nova York. Não foi bem recebido pelo público, e o valor arrecadado pelo filme foi considerado uma decepção para a Paramount. Embora eu não tenha muito interesse em ver Jason derrubando pessoas em Nova York, o filme certamente teria se beneficiado de mais cenas na grande cidade.

6. Friday the 13th Parte VII: O Sangue Novo (1988)

Como escrevi no filme anterior, este foi um ano difícil em termos de concorrência e, quando há competição, você precisa se destacar. Então, no oitavo episódio, Jason foi enviado para Nova York, e no sétimo, uma garota com poderes telecinéticos foi jogada no jogo. Essa parte lembra muito, em muitos aspectos, A Hora do Pesadelo e poderia ter sido omitida completamente, na minha opinião. Felizmente, seus poderes não são usados demais. No entanto, os poderes contribuem para a deplorável cena final em que o pai da personagem feminina, que está morto há muitos anos, de repente surge do Lago Cristalino e puxa Jason para as "profundezas". É tão estúpido e ruim que estou prestes a cair da cadeira enquanto escrevo isso. Além desses poderes, é um bom filme slasher com um visual incrivelmente legal para Jason (interpretado por Kane Hodder), onde dá para ver sua coluna porque ele estava usando roupas muito gastas e porque estava deitado no fundo do lago desde a Parte VI. Ah, e alguns assassinatos legais.

5. Friday the 13th: Um Novo Começo (1985)

O quinto filme da série foi, na minha opinião, o pior em muitos anos (vale acrescentar que assisti a esses filmes pela primeira vez alguns anos antes de me tornar adolescente). Por que isso? Bem, porque o Jason não está lá. É sobre um motorista de ambulância que se fantasia de Jason para se vingar dos detentos de um centro de detenção juvenil onde seu filho foi morto por um dos detentos. Como filme slasher, é perfeitamente aceitável, e considerando que não tem os excessos do filme anterior da minha lista (conotações muito cômicas, poderes telecinéticos e uma viagem a Nova York), ele conquista o quinto lugar.

4. Friday the 13th (1980)

Aqui temos o original em si, o filme que deu início à febre dos slasher em 1980. Sofre do mesmo problema da Parte 5, ou seja, Jason não é o assassino. Como Ghostface aponta em Scream (1996), quando o personagem de Drew Barrymore responde "Jason" à pergunta de quem é o assassino em Friday the 13th, Jason só aparece na sequência, porque no filme original, é a mãe Pamela Voorhees quem é a assassina. Um filme slasher muito bom, mas para mim perde um pouco do apelo porque Jason não é o assassino, o que é sinônimo desta série. É divertido ver Kevin Bacon em um de seus primeiros papéis no cinema e, atrás das câmeras, está o já mencionado Sean S. Cunningham, e Tom Savini, mestre da maquiagem e efeitos especiais em filmes de terror, também faz uma aparição. O filme custou pouco mais do que pouco para ser feito e arrecadou uma quantidade impressionante de bilheteria.

3. Friday the 13th Parte 2 (1981)

O antecessor foi um sucesso de bilheteria de proporções raras, e foi aí que começou a era de ouro dos filmes slasher. Aqui, as coisas começam a ficar realmente sérias quando Jason faz sua estreia como assassino (com uma fronha cobrindo o rosto). Ele também é muito humano comparado aos filmes posteriores da série (o que não é surpreendente, claro). Muitos dos assassinatos são realmente legais e o filme tem uma atmosfera maravilhosa de filme slasher. Steve Miner assumiu a cadeira de diretor e, além disso e da Parte 3, ele também dirigiu Halloween H20: 20 Years Later (1998). Simplificando, ele é um cara que entende do assunto (voltarei à constelação de Halloween mencionada em algum momento no futuro).

2. Friday the 13th: O Capítulo Final (1984)

Brutal e agressivo, lá temos dois adjetivos que descrevem o quarto volume da série de filmes (que, como o nome sugere, deveria ser o último). Jason entra com um poder bruto não visto nos dois primeiros episódios e mata tudo o que vê. Um assassinato memorável é quando ele quebra o box do chuveiro e esmaga o crânio do personagem que está chuvando contra a parede. Jason é completamente imparável. Quase, pelo menos... No fim, é o jovem Corey Feldman quem tem a última palavra ao cortar o crânio de Jason em mil pedaços. Esse é o estereótipo de um filme de terror muito bom do qual tenho poucas reclamações.

1. Friday the 13th Parte III (1983)

Olhando para trás, é o terceiro filme da série que é meu favorito absoluto. Não é tão brutal e agressivo quanto o filme acima, mas há tantos momentos memoráveis e icônicos que justificam minha escolha de classificação. Entre outras coisas, ele ganha sua lendária máscara de hóquei neste filme, com uma cena legal em que nós, espectadores, o vemos pela primeira vez (vamos esquecer que ele atira em uma vítima com um arpão, já que armas de fogo não pertencem a filmes slasher), e no final do filme, ele ganha sua icônica marca de machado na máscara. Aliás, é uma sequência final em que ele é primeiro enforcado e, um minuto depois, leva um machado na cabeça. Já esqueci há muito tempo que o filme é um "filme 3D".

Discutimos duração, finais, colecionáveis e muito mais com os desenvolvedores de Life is Strange: Reunion

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Thu, 12 Mar 2026 13:00:00 +0100

Está quase na hora de Life is Strange: Reunion estrear no PC, PS5 e Xbox Series X/S. No dia 26 de março, a esperada aventura narrativa chegará e buscará concluir a saga de Max Caulfield e Chloe Price.

Se você tem acompanhado Reunion com entusiasmo desde que foi revelado no início deste ano, inclusive lendo nossa prévia prática recente, talvez tenha algumas dúvidas sobre o projeto, incluindo o quão grande é o jogo em comparação com as entradas mais recentes de Life is Strange: Double Exposure e Life is Strange: True Colors, Que tipo de colecionáveis estarão disponíveis, como os finais são incorporados e até o que esperar da trilha sonora. Se sim, temos respostas em muitos desses aspectos.

Entramos em contato com a desenvolvedora Deck Nine e a editora Square Enix para saber mais sobre Life is Strange: Reunion, e você pode ver isso completo abaixo em nossa entrevista dedicada e fascinante.

Life is Strange: Reunion é considerado o final da saga de Max e Chloe. Dito isso, para quem está começando, haverá um resumo dos eventos completos que antecederam o jogo e quão importante é jogar os capítulos anteriores antes de experimentar Reunion?

Life is Strange: Reunion foi criado para receber tanto fãs antigos quanto jogadores que estão vivenciando este jogo como seu primeiro capítulo da história de Max e Chloe.

Ao iniciar um novo save, os jogadores recebem um resumo "História até agora", narrado por Max e Chloe em inglês, francês, alemão e japonês, com legendas disponíveis em todos os idiomas suportados. O vídeo aborda os principais eventos de Life is Strange, aborda elementos importantes de Life is Strange: Before the Storm e coloca os jogadores a par dos eventos de Life is Strange: Double Exposure, focando em tudo o que você precisa saber para aproveitar plenamente este capítulo final.

Após o resumo, os jogadores podem definir os relacionamentos de Max com quatro personagens-chave — Amanda, Chloe, Safi e Vinh — definindo efetivamente o estado de mundo preferido deles antes de começar. Não é necessário importar save! Esse sistema não serve apenas como um refrescante da história, mas também dá aos jogadores controle total sobre o contexto narrativo de sua jogada. Isso torna a rejogabilidade do jogo perfeita, permitindo que os jogadores explorem diferentes escolhas e resultados desde o início.

Com quem você passa mais tempo jogando em Life is Strange: Reunion ? Além disso, colecionáveis são compartilhados entre os dois ou cada um coleta itens únicos?

No início do jogo, você passará várias cenas jogando como Max, estabelecendo a crise em Caledon e encontrando rostos conhecidos. Mas não demora para você pegar como Chloe, como visto na jogabilidade Hands-On, e começar a avançar em direção a Max, com cenas jogáveis alternando entre seus diferentes pontos de vista. Essa estrutura dinâmica e alternada de personagens – que inclui sequências compartilhadas onde você fará escolhas como ambos – continua até o final.

Esta é muito uma história de Max e Chloe. Chloe é uma participante ativa e igualitária durante todo o jogo, e as escolhas que os jogadores fazem como ambos influenciam diretamente como a história se desenrola e qual final alcançam.

Cada personagem também tem seus próprios colecionáveis únicos:

Max coleciona fotografias.

Chloe cria esboços inspirados em momentos-chave e ambientes.

Cada conjunto de colecionáveis tem sua própria conquista/troféu dedicado.

Como nos títulos anteriores de Life is Strange, os jogadores podem revisitar cenas concluídas via Seleção de Cena para encontrar colecionáveis perdidos sem reiniciar o jogo ou sobrescrever seu save atual. Cenas contendo colecionáveis são claramente marcadas, facilitando para completistas alcançarem 100%.

O que acontece se você falhar em um encontro Backtalk? Existe uma chance de, digamos, 'rebobinar' como Chloe e corrigir qualquer deslize?

'Falhar' em um encontro com Backtalk nunca é um obstáculo para o progresso. Em vez disso, abre caminhos alternativos de diálogo, consequências e momentos de personagem. No verdadeiro estilo de Life is Stranger, não existe um simples "estado de falha", apenas resultados diferentes.

Chloe não tem a habilidade de Max de rebobinar o tempo, e esse contraste é intencional. Mecanicamente e narrativamente, reforça um tema central da história: o contraste entre alguém com poder para revisar suas escolhas sem fim, que muitas vezes duvida que ela fez a escolha certa, e alguém com a confiança nascida de sempre se comprometer com o caminho escolhido... Agora percebendo que sua história pessoal não é o que ela pensava.

Em um nível meta, os jogadores podem rejogar cenas após a conclusão se quiserem explorar diferentes desfechos, é claro. Mas dentro da história, as escolhas de Chloe, assim como as de Max, têm peso. As decisões deles afetam um ao outro de maneiras significativas, aumentando a tensão e os riscos emocionais ao longo do tempo.

Quantos finais existem em Life is Strange: Reunion ?

Como capítulo final da saga de Max e Chloe, Life is Strange: Reunion apresenta múltiplos finais.

Sem entrar em spoilers, não há uma única escolha final binária. Todo o ato final é moldado por uma série de decisões e recompensas que refletem as escolhas que os jogadores fizeram ao longo do jogo. Os resultados afetam Max, Chloe, o povo de Caledon e a própria Caledon:

Que vive. Quem morre. O que ficou para trás.

Toda escolha tem consequências, e às vezes as decisões mais íntimas são as mais poderosas.

Os jogos Life is Strange sempre têm trilhas sonoras memoráveis. Você já trabalhou com algum rosto conhecido para a trilha sonora Life is Strange: Reunion ?

A música continua sendo central para a identidade de Life is Strange. Temos o prazer de confirmar que mais uma vez fizemos parceria com a Feel For Music, que se especializa em encontrar artistas que se encaixam perfeitamente em jogos individuais e que ajudaram a moldar a identidade musical da franquia desde o início.

A trilha sonora contará com faixas licenciadas comercialmente, músicas originais totalmente novas e uma trilha instrumental completa. Os jogadores já ouviram a faixa original "Past Life" de Tessa Rose Jackson no Trailer de Anúncio e no conteúdo de prévia.

Estamos ansiosos para revelar em breve a lista completa de faixas e mais colaboradores.

Comparado a Life is Strange: Double Exposure, quão grande é Reunion e, da mesma forma, quanto tempo você espera que uma jogatina leve?

Life is Strange: Reunion é comparável a Life is Strange: Double Exposure ou Life is Strange: True Colors.

Embora o tempo de jogo varie dependendo das escolhas e exploração dos jogadores, prevemos que muitos jogadores queiram vivenciar a história várias vezes.

Dependendo se você começa o jogo com Chloe viva ou morta, você vai experimentar diferentes conteúdos da Chloe desde o início, e variações narrativas ao longo do jogo, então há incentivos significativos para rejogar o jogo completo, não apenas o final.

Haverá Modos de Gráficos/Performance no console?

Sim. No console, os jogadores poderão escolher entre os modos gráficos e de desempenho, permitindo priorizar a fidelidade visual ou a taxa de quadros conforme sua preferência.
Informações mais detalhadas específicas da plataforma serão compartilhadas mais próximas ao lançamento.

Obrigado por dedicar seu tempo, Deck Nove! Life is Strange: Reunion será lançado para PC, PS5 e Xbox Series X/S em 26 de março.

As 10 capas mais impressionantes do PlayStation

martin@gamereactor.pt (Martin Carlsson) — Sat, 07 Mar 2026 11:00:00 +0100

Quando decidi escolher dez capas para PlayStation, senti uma sensação de euforia, já que é um console de jogos particularmente próximo ao meu coração e, na minha opinião, uma das máquinas retrô mais importantes até hoje; Um gadget estiloso com um catálogo lendário de jogos. As regras foram reescritas com tecnologia e polígonos inovadores, personagens 3D, som superior via CD, cutscenes pré-renderizadas impressionantes e, por último, mas não menos importante, inúmeros títulos que consideramos atemporais.

Mas a maioria das capas de jogos do PlayStation, olhando para trás, não era particularmente bonita. A maioria deles não resistiu ao teste do tempo nem envelheceu com dignidade, embora muitos sejam tanto feios quanto nostálgicos. As capas geralmente eram adornadas com as típicas renderizações plásticas do jogo de personagens principais, veículos chamativos, explosões e logos malucos; cada um mais ostensivo e "na sua cara" que o anterior. Muito disso comprovava como a Sony queria se posicionar em relação à Sega e à Nintendo, com o PlayStation sendo o adolescente mais "maduro" e com uma atitude convencida na sala. Tive que vasculhar minha alma e o que parecia óbvio desde o início virou um verdadeiro desafio, e mesmo assim, consegui encontrar algumas capas que achei que se destacavam de várias maneiras.

10. Desgraça Final

Essa capa se destacou na prateleira da minha locadora local, onde eu não podia alugar porque não tinha idade (dependendo de quem estava atrás do balcão naquele dia, devo acrescentar). Também tive alguns amigos mais velhos que superaram essas restrições por minha causa. Ainda assim, fui atraído pela capa preta, no estilo militar, com um logo que soava ao mesmo tempo definitivo e violento, prometendo mais de tudo. "A beleza está na simplicidade", como costuma ser dito, e isso proporcionou um lugar onde demônios são abatidos com motosserras ou reduzidos a carne picada com punhos quando a munição acaba.

9. Silent Hill

Sempre apreciei o quão depravado isso é. É sujo e cru, com uma paleta de cores enferrujada e podre e um logo que é ao mesmo tempo desagradável e confusamente quebrado. Algo não está certo... De fato, foi o caso, já que o horror psicológico e físico reinava supremo, com a densa névoa da época sendo usada principalmente para esconder falhas e limitações de hardware quando os ambientes foram projetados, o que foi tão inteligente quanto eficaz, mas que desde então se tornou uma marca registrada da série de jogos, que ainda é altamente relevante hoje.

8. Tekken 3

Eu tinha toda a trilogia dos jogos de luta da Namco e joguei os dois primeiros, dia e noite, sozinho e contra meus amigos depois da escola, ou nos fins de semana e férias de verão, quando tínhamos noites do pijama. As capas dos dois primeiros foram terrivelmente feias, mas de terceira vez foi sorte, pois criaram algo que considero icônico e legal. Pode ser apenas uma representação do lutador recém-introduzido Jin Kazama te encarando e colocando a luva com que vai te bater, mas ele faz isso exalando poder e confiança, enquanto o visual geral e o esquema de cores sempre funcionaram para mim, exceto pela tatuagem tribal.

7. Extinção 2097

Wipeout explodiu com suas corridas futuristas, onde as capas chamavam atenção com um conceito futurista e linhas retas, polarizando uma abordagem um pouco estéril, despida e muito limpa, sem nenhum enfeite. Chamou a atenção justamente por se destacar pela simplicidade, mas que definiu muito o perfil da Sony quando o disco era carregado e os hovercrafts avançavam a 1.000 km/h. O 2097, com seu túnel de arame na capa, também poderia ser um daqueles extras chamativos de equalização para Winamp, para quem se lembra.

6. História de Vagabundo

A Squaresoft, como eram chamados na época, poderia ter preenchido metade das vagas dessa lista com suas capas, até mesmo as mais simples como Final Fantasy VII. Os ilustradores japoneses, neste caso Akihiko Yoshida (ainda ativo hoje na Square Enix), estavam por trás dessa pequena obra de arte. Havia uma mentalidade completamente diferente dos estúdios japoneses; com ênfase em mais orgulho, finesse e artesanato, algo que também fez muitos jogos de RPG japoneses se destacarem tanto pelas belas pinturas que adornavam as caixas quanto como jogos. Vagrant Story foi definitivamente um deles, em ambos os casos.

5. Gran Turismo

O nome desse jogo por si só já merece um prêmio. É intransigente e exala classe em um segmento mais refinado, caro e luxuoso. A decisão da Polyphony Digital de imprimir seu logo apropriado como um padrão de banda de rodagem de pneu foi genial. "O Simulador de Direção Real". Não havia dúvida alguma sobre o que o jogo era quando apareceu, porém, na época, eu não gostava muito desse título. Comprei por causa do hype quando estava de férias com minha família no mesmo ano em que foi lançado e eu era muito novo para ter carteira de motorista, preferindo jogos de corrida arcade mais leves, como Ridge Racer.

4. Crise dos Dinossauros

A Capcom acertou exatamente aqui, principalmente surfando a onda do aclamado Jurassic Park, de Steven Spielberg, que havia cativado o mundo inteiro alguns anos antes. Depois que Shinji Mikami se estabeleceu como mestre dos jogos de terror com Resident Evil e decidiu focar em dinossauros em um projeto paralelo, eles também escolheram um design de capa que claramente flertava com algo desagradável e familiar que muitas pessoas reconheciam. A pata do velociraptor ao lado de uma poça de sangue era tão assustadora quanto eficaz, e sim... Deixou uma impressão.

3. Metal Gear Solid

Adoro Yoji Shinkawa como ilustrador e designer. Sem ele, todos os jogos de Hideo Kojima provavelmente teriam sido radicalmente diferentes. Para a Solid Snake... Não estreia, mas definitivamente grande avanço global, a capa é tão empolgante, insidiosa, precisa e executada com estilo como sempre. A silhueta com elementos que lembram uma câmera térmica preta e branca é uma capa que entrou para a história. Foi um dos melhores jogos para o PlayStation, e ainda sonho com um remake luxuoso que faça justiça a ele, diferente da aberração que foi The Twin Snakes para o Gamecube.

2. Resident Evil

O que estamos realmente vendo aqui? É um teste de mancha de tinta de Rorschach e que arma é aquela que Chris Redfield (que eu suponho que seja) está segurando nas mãos? É bagunçado e confuso, mas para mim, é uma daquelas capas que definiram a era PlayStation. Vejo pernas de aranha e sombras que suspeito pertencerem àqueles monstros sapo sangrentos que te decapitaram de um ângulo que você não esperava. O horror no olho bem aberto olhando diretamente para o terror entrou para a história e eu adoro a composição. Resident Evil completa 30 anos este ano, e o que mais há para dizer além de parabéns e um brinde aos próximos 30!

1. Castlevania: Sinfonia da Noite

Aqui está, a capa que conquista o prêmio, na minha opinião subjetiva. Alucard, também conhecido como filho de Drácula, está presente no jogo Castlevania da Konami, que até hoje é um verdadeiro deleite aos olhos. A riqueza dos detalhes não deixa nada a desejar, com o castelo ao fundo e os castiçais queimados em primeiro plano, onde o esplendor gótico da série de jogos e o reboot definidor de estilo da marca revolucionaram o gênero. O termo "Metroidvania" foi cunhado após tomar emprestado descaradamente da série Metroid da Nintendo em termos de layout e mecânicas de design. Você tem esse jogo? Se sim, você está sentado em uma pepita de ouro de verdade que deveria colocar numa prateleira e talvez emoldurar também, mas definitivamente olhe para ela todos os dias do mesmo jeito. Vale dinheiro hoje, muito dinheiro, então guarde com ele.

Quais capas você lembra com mais carinho do PlayStation da Sony, o rolo compressor que pegou o mundo de surpresa?

O novo console Xbox redefine o conceito de console de jogos

jonas@gamereactor.pt (Jonas Mäki) — Fri, 06 Mar 2026 15:00:00 +0100

A maioria das pessoas já entendia há muito tempo que isso estava em andamento. Os dias em que os consoles podiam ser mantidos em segredo já se foram há muito tempo, e hoje dezenas de milhares de pessoas estão envolvidas nesses projetos, tornando impossível mantê-los em segredo. Mas... não dá para dizer que a Microsoft tentou fazer isso com o novo console Xbox também. Pelo contrário, eles repetidamente disseram que têm um novo projeto em andamento, e não têm sido tímidos diante do hype em torno da apresentação.

Como será o novo console Xbox (imagem criada com IA)? Ainda não saberemos por um tempo, mas pode-se suspeitar que a Microsoft escolherá um design diferente do Xbox Series X para se distanciar.

Talvez o mais notável seja a declaração da ex-chefe do Xbox, Sarah Bond, de que podemos esperar "o maior salto técnico que você já viu", mas há poucos meses ela também disse que "o console de próxima geração será uma experiência muito premium, muito avançada e selecionada". Estamos, claro, acostumados a declarações ousadas, mas elas são tão diretas que a Microsoft será severamente punida se não entregar pelo menos perto disso. Uma marcha da vitória será então substituída por memes zombeteiros, e eles sabem disso, é claro.

Mas o fato é que isso é respaldado por insiders de tecnologia. O renomado e altamente conhecedor especialista em AMD, KeplerL2, disse, entre outras coisas, que todos os jogos, 100%, vão ficar melhores no próximo Xbox do que no PlayStation 6:

"Não vejo como o PS6 pode igualar o Magnus, ele tem menos núcleos de CPU, menor frequência de CPU, menos CUs, menos ROPs, menor frequência de GPU, menos cache e largura de banda de memória. Não é uma diferença enorme, mas Magnus deve ter melhor desempenho em 100% dos jogos, diferente desta geração, que é mais um 50/50."

Asha Sharma teve a honra de apresentar o novo console Xbox, mas obviamente não montou isso durante seus dez dias como chefe; O que vemos agora é inteiramente obra de Phil Spencer.

Por isso é empolgante que a Microsoft agora tenha começado a realmente promover isso. Na noite de quinta-feira, a nova chefe do Xbox, Asha Sharma, anunciou pelas redes sociais que o nome provisório do novo console é Project Helix, e também recebemos um logo. Se Helix será realmente o nome final não está claro; até agora, a Microsoft escolheu outros nomes para o produto final – o que é uma pena, porque sempre acabaram escolhendo uma opção pior (não consigo decidir se One ou Series S/X é a pior). Pessoalmente, acho que Helix está perfeito, combinado com uma fita de DNA que conecta PCs, consoles e jogos.

https://www.threads.com/@xbox/post/DVg-fF9j33S

O breve post de Sharma consiste principalmente em cinco detalhes empolgantes, um deles é o nome Helix, mas vamos analisar os outros quatro: "O Projeto Helix vai liderar em desempenho e jogar seus jogos de Xbox e PC. Estou ansioso para conversar mais sobre isso com parceiros e estúdios no meu primeiro GDC na próxima semana!"

Antes de tudo, ela afirma que o novo console "vai liderar em performance", entrando assim no trem do hype que Sarah Bond, assim como Phil Spencer, têm ajudado a construir. De fato, será um console poderoso; Não tem como recuar nisso.

A ideia de lançar um novo console muito antes da Sony estar pronta para substituir o seu própria lembra a estratégia que a Microsoft escolheu com sucesso com o Xbox 360, quando a Sony continuou com o PlayStation 2 por mais um ano.

A segunda coisa é, claro, que ela confirma diretamente os rumores de que será um console híbrido que também rodará jogos de PC. Não diz que poderá rodar jogos da Epic Games Store e do Steam, mas podemos quase assumir que vai, e o ROG Xbox Ally funciona assim. Isso é incrivelmente empolgante, porque significa várias coisas. Por exemplo, provavelmente será gratuito para jogar online no Helix. O multiplayer no PC é gratuito. Também será possível baixar jogos gratuitos na Epic Games Store toda semana, ou comprar alguns dos jogos muito mais baratos oferecidos pelo Steam que nem sequer estão disponíveis em outros consoles.

Talvez a coisa mais estranha, que acho que muitos jogadores de console vão achar difícil de realmente entender, é que isso basicamente significa que não importa mais quanto o próximo Xbox vender. É "apenas" um PC, embora encaixado em um chassi um pouco menor com detalhes verdes. Um dos muitos modelos de computador. Se vender pior que o Virtual Boy, não afetará significativamente essa plataforma; se vender melhor que o PlayStation 2, paradoxalmente, também não vai afetá-lo significativamente, já que ainda é apenas um modelo de PC, e estima-se que existam dois bilhões de jogadores de PC no mundo. Isso pode afetar a demanda pelo serviço que transforma o Windows em uma plataforma de jogos controlada por controle, mas mesmo isso não é certo, já que provavelmente será uma solução de software que mais pessoas poderão usar.

Durante a aquisição pela Activision Blizzard, vazou informação de que a Microsoft estava trabalhando em um novo controle, e ouvimos rumores sobre isso em várias ocasiões ao longo do último ano. Provavelmente será lançado para Helix.

A terceira coisa que tiro da declaração dela é que poderemos jogar nossos jogos do Xbox. Imagino que isso signifique retrocompatibilidade. A Microsoft tem sido incrivelmente boa nisso, e poder continuar jogando meus jogos antigos é obviamente um grande bônus. Talvez o desempenho extra contribua para uma compatibilidade retroativa ainda melhor (assim como no Xbox Series X), mas isso ainda está para ser visto. Mas... isso também significa que jogos dedicados ao Xbox serão lançados no futuro? Talvez, mas minha reação espontânea é dizer não.

Por fim, temos a quarta coisa que falta, que é que veremos mais na Conferência de Desenvolvedores de Jogos, que acontece entre 9 e 13 de março, que já é na próxima semana. Um evento normalmente tranquilo promete, portanto, ser realmente empolgante este ano, e se olharmos para o programa da Microsoft, eles têm muito planejado (tanto que, em retrospecto, talvez deveríamos ter percebido que algo estava acontecendo), especialmente Construindo para o Futuro com o Xbox, Pressione Começar: Prepare seu Jogo de PC para Xbox em Um Dia e Construa Uma Vez, Jogue em qualquer lugar: A PlayFab alimenta os serviços de jogos multiplataforma do Xbox. Então, espere muitas notícias sobre o futuro do Xbox, como o ecossistema vai funcionar, novos recursos e muito mais.

Jogos lançados vários anos depois para PlayStation 5, como Sea of Thieves e Forza Horizon 5, venderam tão bem quanto, então talvez a Microsoft possa ter o melhor dos dois mundos deixando Helix ir primeiro antes que outros fiquem com as sobras?

Dito tudo isso, ainda há muito que não sabemos. Principalmente quanto custará nestes tempos de escassez de componentes, como será o novo controlador, se será possível atualizar o hardware, se outras empresas poderão fabricar Helix e quando será lançado.

Além disso, há o elefante na sala: e quanto aos jogos exclusivos? Não há dúvida de que a marca Xbox sofreu com a falta de exclusividades, mas também não há dúvida de que a Microsoft ganhou dinheiro com os lançamentos do PlayStation. Asha Sharma fez declarações que levaram os fãs a acreditar que pode haver algumas mudanças na estratégia de multiformato, e a Sony também parece interessada em voltar atrás um pouco nesse conceito. Parece improvável que eles saíssem do PlayStation novamente, mas não seria totalmente irrazoável que começassem a trabalhar mais com exclusivos temporais. Considere, por exemplo, a ideia de que The Elder Scrolls VI seria um título de lançamento para o console e não estaria disponível em outros formatos por um ano.

Um efeito colateral interessante da abordagem híbrida é que o Xbox Play Anywhere se torna ainda mais atraente. Os jogos que você comprar para o Xbox hoje estarão jogáveis como títulos de PC com melhorias gráficas significativas graças ao Helix.

Espere mais respostas sobre o futuro na próxima semana, mesmo que não saibamos tudo, é claro. Como de costume, vamos cobrir tudo aqui no Gamereactor, e será muito interessante ouvir o que é dito sobre o Xbox Helix. O fato da Microsoft estar disposta a investir dessa forma é um bom sinal, e será empolgante ver como Asha Sharma planeja aumentar as vendas do Xbox novamente após alguns anos realmente difíceis para a equipe nova.

Falamos sobre duração, dificuldade e inspiração com as pessoas por trás The Eternal Life of Goldman

magnus@gamereactor.pt (Magnus Groth-Andersen) — Mon, 02 Mar 2026 17:00:00 +0100

Não faz muito tempo, publicamos nossas impressões sobre a mais recente demo de The Eternal Life of Goldman, um jogo de plataforma desenhado à mão que vem em desenvolvimento há muitos anos na Weappy e está rapidamente se aproximando do lançamento este ano.

Para Weappy, o caminho para o lançamento foi longo e sinuoso, mas agora que a luz pode ser vista no fim do túnel de desenvolvimento, conversamos com o produtor Andreas Schmiedecker para obter respostas às últimas perguntas restantes, então você estará bem preparado quando o jogo finalmente chegar. Falamos sobre ferramentas de IA, a duração média do jogo e muito mais.

Ok, vamos começar!

Primeiramente, você poderia explicar um pouco mais sobre o tamanho específico do jogo; Quanto tempo você espera que uma jogada média dure e há motivos para jogar o jogo várias vezes?

"Há um certo intervalo aqui, considerando diferentes estilos de jogo (olhar anotações, encontrar segredos, ler todos os diálogos), mas uma jogatina provavelmente vai levar entre 12 e 16 horas.
O jogo não foi realmente feito para muitas jogadas, é uma experiência bastante direcionada com uma história completa e autônoma. Dito isso, alguns dos segredos, incluindo áreas opcionais, exigem um pouco de engenhosidade e sequências de ações bastante elaboradas para serem desbloqueados. Então, para quem escolher rejogar o jogo e explorá-lo 100%, com certeza haverá coisas para descobrir."

Talvez o aspecto mais atraente do jogo para muitos sejam os gráficos. Você poderia nos contar um pouco sobre as fontes de inspiração por trás desse visual? Como você chegou a esse estilo específico, e foram necessárias várias 'tentativas' para chegar lá?

"Há uma variedade de influências de diferentes fontes – não apenas de um estilo. Tecnicamente, é feito principalmente do jeito que os filmes animados eram feitos. As obras de arte são criadas manualmente e, em sua maioria, digitalmente. No entanto, e dependendo do ativo específico, muitas das obras passam pela fase de "esboço físico" antes de serem finalizadas digitalmente.

"Esteticamente, a influência mais consistente provavelmente são os quadrinhos franco-belgas, principalmente Hergé e o estilo de arte "ligne claire". Então, basicamente, seguimos com um trabalho de linha muito tradicional e rigoroso. Como o desenvolvimento levou algo como nove anos (até agora), sim, muitos elementos passaram por várias iterações. O que aconteceu principalmente foi que o padrão de qualidade foi elevado com mais detalhes, animações e afins, então outras partes do jogo tiveram que melhorar também!"

Dificuldade e balanceamento são temas importantes entre os jogadores atualmente. Como Weappy lida com esse desafio? Existem vários níveis de dificuldade ou você está usando um modo equilibrado?

"Atualmente estamos mirando em um modo balanceado, mas também estamos analisando ativamente o feedback dos jogadores sobre a dificuldade da demo e tomaremos uma decisão para o jogo completo."

Se olharmos um pouco para a indústria mais ampla agora, como vocês como estúdio se sentem em relação a ferramentas de IA no desenvolvimento de jogos? Vocês criam distância entre diferentes tipos de uso e existem princípios orientadores para vocês como grupo?

"Usar ferramentas de IA para produção artística neste jogo praticamente se opõe à ideia de fazer dessa forma desde o início. Portanto, não era realmente uma opção para nós. Não importa o quão a tecnologia evolua atualmente, há um lugar e um público para a arte feita à mão."

Você pode nos levar de volta à fase inicial do desenvolvimento? Quanto tempo levou para chegar aqui e que tipo de jornada foi para o estúdio?

"Os primeiros protótipos começaram por volta de 2016, mas o jogo entrou em produção completa em 2019. Então demorou bastante. Quando o time decidiu que a única forma de fazer um jogo assim era se comprometer totalmente, sem cortar atalhos ou fazer muitos compromissos, ficou claro no que nos comprometemos."

Que tipo de experiência você espera que The Eternal Life of Goldman traga para os jogadores? O que você espera que eles sintam?

"Essa é uma ótima pergunta, mas também difícil. Podemos imaginar que a jogabilidade é um pouco desafiadora às vezes, mas também bastante satisfatória. Estamos fazendo o side-scroller dos nossos sonhos, e nossa abordagem tem sido usar os elementos que combinam com esse jogo específico, vindos de uma ampla variedade de direções e subgêneros. Então, esperamos que jogadores que apreciam esses gêneros e elementos dos clássicos side-scrollers e Metroidvanias reajam positivamente a esses elementos. Como há algo muito puro na jogabilidade side-scroller, esperamos que as pessoas gostem disso. Ao mesmo tempo, a história pode ir para lugares sombrios, e entendemos que isso também desperta emoções complexas. No resumo, estamos muito animados para que os jogadores experimentem esse mundo."

Quais foram os maiores desafios na criação do jogo e quais você considera serem as principais questões enfrentadas por estúdios como o seu hoje?

"Como um estúdio independente, qualquer projeto desse porte é um grande risco. As tendências mudam rápido hoje em dia, então se comprometer por tanto tempo com um projeto como este é uma grande aposta de que vai dar certo no final."

The Eternal Life of Goldman espero que chegue em breve para PC, PS5, Xbox Series e Nintendo Switch/Switch 2.

Entrevistamos o que provavelmente é o estúdio indie mais engraçado da Suécia

jonas@gamereactor.pt (Jonas Mäki) — Mon, 02 Mar 2026 11:00:00 +0100

O aclamado Cuphead e o próximo Mouse: P.I. For Hire não são os únicos jogos animados com mangueiras de borracha que podemos aproveitar no mundo dos games. A desenvolvedora sueca She Was Such A Good Horse (baseada em Malmö) está atualmente trabalhando no incrivelmente atraente Into the Unwell, que é um roguelite em terceira pessoa onde até três pessoas assumem os papéis do que os desenvolvedores chamam de "desajustados problemáticos e fortemente medicados".

Isso parece empolgante, claro, então decidimos conversar um pouco mais com eles sobre esse projeto promissor e tivemos a oportunidade de fazer perguntas a Mårten Stockhaus, diretor criativo do Into the Unwell.

Mårten Stockhaus é o diretor criativo da Into the Unwell e a pessoa que respondeu às nossas perguntas.

Into the Unwell parece ao mesmo tempo engraçado e desconfortável. Como você equilibra o tom entre o absurdo e o sombrio sem que um tome conta do outro?

Stockhaus: O tom bem-humorado nos permite explorar áreas escuras sem que fique difícil de assimilar, um pouco como quando você esconde remédio em sorvete ou quando despeja Fanta em destilados.

O que você acha que os jogadores vão reagir primeiro quando começarem a jogar?

Stockhaus: Espero que eles reajam ao fato de termos um bom ciclo de combate e um jogo divertido, mas provavelmente vão reagir a um personagem rosa olhando para o jogador da beirada do mapa ou bebendo moonshine que te fortalece.

Into the Unwell será lançado em 2026.

Quão cedo no projeto você já sabia que tipo de jogo seria mecanicamente, e quanto descobriu ao longo do caminho?

Stockhaus: Sabíamos desde o início que queríamos fazer um roguelite e que seria em terceira pessoa e cooperativo. Tudo isso permanece, mas antes tínhamos muito mais combate estratégico com stamina, como em um jogo Soulslike. Com o tempo, tornamos o ritmo mais acelerado. A sensação do jogo sempre foi importante para nós, e queremos que os visuais e as mecânicas do jogo funcionem bem juntos.

O estilo visual do jogo se destaca imediatamente. Quais limites criativos você estabeleceu logo no início para evitar cair na "estética indie usual" e o que escolheu ativamente deixar de fora?

Stockhaus: Sempre quisemos fazer o jogo em 3D, o que muitos estúdios independentes não fazem, então acho que éramos um pouco diferentes nesse aspecto. Mas então o Felix, nosso diretor de arte, ficou ansioso para fazer algo com mangueira de borracha logo no início, e o resto de nós achou isso muito empolgante! Isso abre muitas ideias criativas que outros estilos gráficos não permitem.

Você não precisa jogar sozinho; Você pode jogar cooperativo com até três pessoas.

Como você projetou o co-op para que todos os jogadores se sintam importantes, mesmo que tenham níveis de habilidade diferentes?

Stockhaus: Não existem realmente sistemas que avaliem o quão bom alguém é, mas existem outros sistemas, como inimigos reagindo ao jogador mais ativo, o que significa que um jogador pode receber mais atenção do inimigo. O jogo também terá diferentes níveis de dificuldade na forma de "recaídas", o que significa que o jogo gradualmente introduz mais dificuldade e outros elementos. O jogo é difícil. A vida é mais difícil. Ambos ficam mais fáceis com um amigo!

Qual foi o maior erro de design durante o desenvolvimento que você teve que descartar, e o que aprendeu com isso?

Stockhaus: Existem alguns. Queríamos muito que os personagens vomitassem se bebessem demais "moonshine"... Ainda é uma ótima ideia que nunca pareceu muito certa. Isso fez com que os jogadores tivessem que controlar demais suas pilhas, e o jogo perdeu muito do seu ímpeto. Mesmo hoje, um ano depois de removê-lo do jogo, refletimos sobre como trazê-lo de volta para o jogo. Talvez a gente resolva isso amanhã!

Até agora, apenas uma versão para PC foi anunciada, mas estamos torcendo para que ela também seja lançada nos consoles.

Qual parte do jogo você pessoalmente acha que representa melhor o que Into the Unwell está tentando transmitir?

Stockhaus: Cada personagem tem talentos únicos que podem ser desbloqueados durante o jogo, e eles representam aquele personagem; pegamos suas fraquezas e as transformamos em pontos fortes. Nosso personagem galo, por exemplo, tem uma relação pouco saudável com jogos de azar, e seus talentos dão poderes aleatórios ou permitem que ele convoque uma máquina caça-níqueis, que é sua melhor amiga.

Se Into the Unwell for bem-sucedido, parece o começo de uma série de jogos e de um universo, ou é uma obra que vai se sustentar inteiramente por si só?

Stockhaus: Não acho que nenhum de nós tenha se cansado desse mundo, e estamos constantemente criando novas ideias divertidas que gostaríamos de incluir. Então, se houver interesse em ver mais de Into the Unwell, temos muito mais para contar!

Tempo de tela - março de 2026

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Mon, 02 Mar 2026 09:00:00 +0100

Março finalmente chegou e a primavera está quase chegando. Enquanto estamos nos despedindo dos meses monótonos de inverno, você pode estar procurando algo novo para assistir e preencher as noites escuras enquanto elas permanecem. Se for o caso, temos boas notícias, pois março está repleto de ótimas opções nos cinemas e em várias plataformas de streaming.

Como sempre, baseamos nossas escolhas em um calendário de lançamentos do Reino Unido, então certifique-se de verificar localmente as listas e informações precisas.

Peaky Blinders: O Homem Imortal [Netflix] - 6 de março

Para começar o mês, está o primeiro de muitos projetos da Netflix que escolhemos destacar. Embora este filme só chegue ao streaming em 20 de março, ele terá uma exibição teatral de duas semanas, onde veremos como Cillian Murphy retorna ao papel de Tommy Shelby e começa a tomar o controle de sua antiga gangue e império de Birmingham de um grupo de jovens descontrolados e violentos.

A Noiva - 6 de março

Você já viu a história de Frankenstein, mas agora é hora de conhecer a amante do monstro. A Noiva é o mais recente filme da diretora Maggie Gyllenhaal, um filme que acompanha o famoso monstro enquanto ele pede a um médico que lhe crie um parceiro, uma decisão que gera mais perguntas e problemas do que esperavam, à medida que a dinâmica social dos anos 1930 é desafiada e os dois se veem fugindo de forma ao estilo Bonnie e Clyde.

War Machine [Netflix] - 6 de março

Mais um projeto da Netflix que pode chamar sua atenção. War Machine é um filme de ação e ficção científica que acompanha o duro aprendiz militar de Alan Ritchson enquanto ele é encarregado de sobreviver a uma ameaça futurista persistente e mortal de robôs, tudo isso enquanto está isolado em uma floresta distante. Com uma configuração ao estilo de Exterminador do Futuro, este filme mostra como um grupo de destemidos recrutas de operações especiais supera um desafio onde qualquer erro pode significar aniquilação total.

Hoppers - 6 de março

A Pixar está de volta com mais um filme de animação que você não vai querer perder. Hoppers é uma premissa hilária e encantadora que explora como uma solteira amante de animais de 19 anos assume a responsabilidade de descobrir os maiores segredos do mundo animal, tudo isso colocando sua consciência na mente de um castor robótico. Sim, espere travessuras bobas e familiares neste filme teatral imperdível.

One Piece: 2ª Temporada [Netflix] - 10 de março

Tivemos que esperar três anos para que a série live-action One Piece da Netflix voltasse para a plataforma, mas felizmente essa espera está quase acabando. Monkey D. Luffy e os piratas Chapéu de Palha logo continuarão sua épica jornada pela Grand Line, com uma segunda rodada de episódios que apresenta rostos e personagens ainda mais icônicos, além de vilões e ameaças com os quais não se deve brincar.

Como Fazer Uma Grana - 13 de março

Glen Powell é um dos maiores nomes do cinema atualmente e a A24 é um estúdio com o qual todo mundo quer trabalhar, então certamente os dois são uma combinação perfeita? Como protagonista de Como Fazer um Assassinato, neste filme, Powell interpreta o filho deserdado de uma família muito rica, que decidiu ficar com sua fatia simplesmente eliminando qualquer parente que esteja diante dele na ordem de direito e vontade de propriedade da família.

Undertone - 13 de março

É um excelente momento para ser fã de cinema e terror. A A24 está de volta com seu segundo filme do mês, chamado Undertone, sendo um projeto marcante e promissor que mostra como uma apresentadora de podcast enfrenta ser assombrada após ouvir gravações aterrorizantes como parte de sua série de mistérios sobrenaturais. Nem preciso dizer que este não é para os fracos de coração, então confira se tiver coragem.

Invencível: Temporada 4 [Prime Video] - 18 de março

A promessa de temporadas anuais de Invincible foi mantida pela Prime Video nos últimos anos e 2026 não vai mudar isso. A aguardada quarta temporada da adaptação animada está prestes a chegar, onde podemos esperar ver algumas tramas importantes exploradas, incluindo como o retorno do Omni-Man à Terra, o que aconteceu com a Conquista e até mesmo como a grande guerra Viltrumita-Coalizão dos Planetas chega ao fim... pelo menos por um tempo.

Projeto Hail Mary - 20 de março

Já elogiado por muitos como um filme imperdível este ano, a grandiosa e ambiciosa adaptação de Project Hail Mary busca ser o filme cinematográfico de ficção científica do ano. Com Ryan Gosling no comando, este filme explora como um professor de ciências é enviado para o espaço na tentativa de encontrar uma solução para uma substância que tem matado o sol do nosso sistema solar, embora com a complicação adicional de perder a memória no caminho e se tornar amigo de um aliado improvável.

Demolidor: Nascido de Novo: Temporada 2 [Disney+] - 25 de março

Após a estreia da primeira temporada no ano passado, é hora de Charlie Cox voltar a vestir o uniforme como o homem sem medo, já que Demolidor: Nascido de Novo continua em março. Começando alguns meses após a primeira temporada e nos levando a uma Nova York sob o controle do Kingpin, onde vigilantes são tratados como inimigos públicos número um, esta próxima rodada de episódios verá o retorno de vários rostos conhecidos, incluindo Krysten Ritter como Jessica Jones.

Eles Vão Matar Você - 27 de março

Nós realmente adoramos um filme de exército para uma pessoa, e se você também gosta, não vai querer perder They Will Kill You. Este filme violento acompanha a protagonista de Zazie Beetz, que, ao aceitar um emprego como governanta em um arranha-céu em Nova York, se vê sendo caçada e atacada pelos moradores e funcionários, em um jogo muito sombrio e distorcido de gato e rato. Ela consegue escapar e aguentar até de manhã? Vamos ter que assistir para descobrir.

É isso aí, mais um Tempo de Tela está nos livros. Não deixe de voltar em algumas semanas quando buscarmos explorar os grandes lançamentos para cinéfilos e usuários de serviços de streaming no mês de abril de 2026.

As 10 capas mais impressionantes do Super Nintendo

conny@gamereactor.pt (Conny Andersson) — Sun, 01 Mar 2026 11:00:00 +0100

O Super Nintendo Entertainment System, mais conhecido como SNES, mudou muito. Os jogos passaram de simples e poucos pixels na tela para florescerem em algo realmente espetacular. A maioria das principais séries de jogos da Nintendo teve sequências fantásticas, e mesmo escolhendo novos jogos com base em critérios além da arte da caixa cool, havia algo em uma caixa de papelão e um manual que parecia uma parte fantástica da infância.

Já listamos nossos favoritos para PC, e também listamos nossos favoritos para Xbox. Agora é a vez de listar nossos dez favoritos para o fantástico Super Nintendo. Também vale acrescentar que, como os jogos de SNES vinham em caixas de papelão, que se desgastavam com o tempo, alguns jogos podiam ser difíceis de encontrar em bom estado ou até mesmo com imagens de alta resolução suficiente. Por isso, às vezes preciso "trapacear" com versões americanas ou tirar uma foto de uma caixa (um pouco gasta) que alguém escaneou. Você vai ter que se virar com o que eu encontrei.

10. The Legend of Zelda: Um Elo com o Passado

À primeira vista, isso pode parecer uma escolha meio entediante. Também pode parecer uma escolha feita apenas porque eu amo Zelda, já que acho que este título é um dos melhores jogos do mundo. Claro, isso tem um papel. Ainda assim, não consigo deixar de amar aquela caixa dourada, adornada apenas com o título do jogo e um escudo e espada muito legais. É realmente um caso de "deixe o título falar por si" no mais alto grau, confiando que ele vai te prender, manter tudo misterioso e criar expectativas para algo épico. Se eu tivesse feito essa lista apenas com base em conexões pessoais com algo, isso certamente teria acabado em um nível superior, mas o principal é que ela esteja incluída.

9. F-Zero

O que eu realmente gosto nesse jogo é o logo do jogo. Então você olha para os hovercrafts, a grande cidade ao fundo, e aos poucos começa a perceber a escolha estilística. Tende um pouco para algo puramente artístico, um pouco como uma pintura, mais ou menos. Sem realmente revelar a enorme velocidade ou os gráficos pixelizados meio toscos do jogo, você ainda sente a sensação de um jogo de corrida futurista que promete algo ainda mais especial.

8. Lemingues

Quando comecei a montar essa lista, não queria ir só pelos jogos com os quais tenho uma conexão pessoal. Dito isso, joguei muito Lemmings, mas não consideraria um dos títulos que eu relembro para o momento. Como em muitas outras capas desta lista, é principalmente o título do jogo que eu gosto, pois é muito divertido no design, assim como todos os pequenos Lemmings fofos escalando e brincando. Depois, há a própria imagem, que é muito reveladora, já que os Lemmings parecem pular para a morte se você não os ajudar. É engraçado e apropriado.

7. Mario Kart

Você pode olhar para todos os personagens desta capa e se sentir feliz. Todos eles têm muito caráter, e quando você reúne alguns dos personagens mais famosos e únicos do mundo dos games em uma capa vibrante, é difícil não sorrir. Gosto de como adicionaram itens como moedas, cascas de banana e a concha que atinge o Bowser, e além de um ângulo um pouco desfavorável no Yoshi, adoro as expressões faciais dos personagens. Há tanta energia e alegria aqui, e definitivamente é uma capa que sugere o entretenimento que o jogo tem a oferecer.

6. País do Donkey Kong

Essa foi complicada. Eu realmente não acho que as versões renderizadas em 3D de Donkey e Diddy sejam particularmente atraentes. Parecem plásticos. Mas, ao mesmo tempo, é muito adequado para o design visual que a Rare recriou depois no jogo. Também gosto de detalhes como a cobra rastejando fora da caixa, e o fato de tantos personagens e o ambiente estarem incluídos. Eu realmente entendo como alguém pode pegar essa capa e ficar fascinado e curioso sobre como o jogo pode ser, e então ele corresponde a todas as expectativas que a própria capa cria.

5. Mario Paint

Entendo que, do ponto de vista do marketing, eles quiseram incluir a mão para mostrar que ela vem com mouse e mouse pad. Essa é realmente a única coisa que eu não gosto nessa capa. Mas Mario e sua tela são perfeitos. As cores conseguem transmitir o que o jogo contém, assim como as notas musicais. Acima de tudo, há uma coisa que a capa consegue fazer: demonstrar a criatividade que o jogo oferece. Para aqueles de nós que sentamos para pintar, criar música e utilizar as diversas ferramentas disponíveis, Mario Paint foi algo realmente fantástico nos anos 1990. Era um jogo completamente diferente de qualquer outro que tínhamos, algo sem objetivo (exceto talvez terminar seu trabalho), mas algo que despertava o pintor ou músico que há em você, mesmo que fosse com ferramentas relativamente simples. Também fico muito feliz toda vez que olho para essa capa.

4. Super Mario World 2: Ilha de Yoshi

Como na maioria das capas dessa lista, não sei muito bem por que gosto dela. Bem, eu gosto do Yoshi, gosto do Bebê Mario e gosto do monstro azul grande. Gosto que o fundo meio que pinta o mesmo estilo visual da própria aventura. Mesmo sem muita coisa acontecendo, ainda assim parece acelerado e empolgante. Ele oferece o mesmo tipo de charme que os jogos da Nintendo costumam ter, o que é importante por si só quando a capa é para complementar e explicar o jogo.

3. Segredo da Mana

Havia capas que eu fiquei olhando por muito tempo quando criança. Esse era um deles. Os personagens em primeiro plano. A árvore gigante ao fundo. Não é preciso muito para criar magia se for feita corretamente. É uma capa que usa basicamente um esquema de cores e é por isso que tanto o título quanto os personagens se destacam tanto. Além disso, há o fato de que a árvore e o resto do ambiente da floresta ao fundo são incrivelmente bem feitos. É uma capa que, de muitas maneiras, convida à imaginação e aos sonhos, que são exatamente os sentimentos associados a Secret of Mana.

2. Axelay

Selecionar as escolhas no topo do ranking é difícil. Eu provavelmente poderia classificar os três primeiros completamente diferente dependendo do meu humor, mas por mais visualmente atraente que esse jogo de tiro seja visualmente, a capa é igualmente atraente. Com o título cortando diretamente uma nave espacial e um monstro de fogo. A composição é perfeita, os detalhes são incríveis, e definitivamente é uma capa pela qual eu compraria o jogo. Como em praticamente todas as outras capas do SNES, eu gostaria de ter visto toda a superfície sendo utilizada. Em vez disso, temos essas áreas pretas com logotipos diferentes e outras desordens. Mas se você focar só na imagem em si, eu adoro.

1. Super Castlevania IV

Não importa qual lista você faça, o primeiro lugar é difícil. Assim como escrevi sobre a capa acima, Secret of Mana, Axelay ou este certamente poderiam ter trocado de lugar. Mas você tem que escolher. A capa de Super Castlevania IV é incrivelmente legal. É mais uma daquelas capas que podem me fazer comprar o jogo só de olhar. Talvez o título pudesse ter sido um pouco mais estiloso, mas a imagem em si é quase perfeita. Todos os monstros e o estilo gótico estão tão bem capturados. Gosto especialmente das cabeças duplas de dragão e do esqueleto acima do Simon, e também gosto do fato de ele se destacar em termos de cor em relação à capa de tom azul-acinzentado. Se eu tivesse visto algo assim hoje (e não soubesse nada sobre a série), quase esperaria um jogo épico de mundo aberto. Simplesmente fantástico.

Jogos para Ficar de Olho - Março de 2026

ben@gamereactor.pt (Ben Lyons) — Sat, 28 Feb 2026 12:00:00 +0100

Os dias escuros e sombrios de inverno estão chegando ao fim e agora estamos bem à beira da chegada da primavera. Só porque os dias são mais longos e o clima mais ameno, não significa que você deva se afastar do seu PC ou console, já que este março está repleto de jogos promissores de uma ampla variedade de gêneros. O mês promete ser muito movimentado, então, sendo assim, vamos mergulhar na última edição de Games To Look.

World of Warcraft: Midnight (PC) - 2 de março

Para começar, o retorno ao continente fantástico de Azeroth para a segunda expansão da saga Worldsoul mais ampla para o MMORPG da Blizzard. World of Warcraft: Midnight nos levará de volta ao reino élfico de Quel'Thalas, tudo na véspera da grande invasão das forças de Xal'atath, um momento chave e crucial na narrativa mais ampla deste jogo que explora como a Tempestade do Vazio ameaça dominar e envolver o mundo em completa escuridão.

Scott Pilgrim EX (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S, Switch) - 3 de março

Você não precisa de apresentação para essa lenda dos videogames. O icônico Scott Pilgrim retorna às suas raízes pixeladas de beat 'em up neste novo título que explora o que acontece quando os companheiros de banda do herói titular são sequestrados por forças sombrias. Levando a história para um novo rumo e vendo Scott enfrentar três novas facções inimigas, essa evolução da fórmula traz mecânicas de combate frescas, personagens que podem ser melhorados e muitos segredos.

Marathon (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 5 de março

Após mais de uma década sendo conhecida como desenvolvedora de Destiny, a Bungie está mostrando suas habilidades criativas mais uma vez e retornando a uma de suas franquias mais antigas. Marathon é este grande lançamento, um shooter de extração ambientado em um mundo de ficção científica frio e sombrio onde os jogadores precisam caçar, saquear, saquear e montar builds mais fortes na tentativa de repetir o processo para acessar missões ainda mais abundantes e arriscadas. Você tem o que é preciso?

Pokémon Pokopia (Switch 2) - 5 de março

O principal lançamento do mês para Nintendo Switch 2 acontece logo após o Dia Anual Pokémon e oferece uma experiência muito única em comparação com o que já vimos na série no passado. Pokémon Pokopia é uma aventura no estilo Animal Crossing e Viva Pinata, onde os jogadores assumem o papel de um curioso Ditto encarregado de trazer vida e carisma de monstro de bolso de volta a um terreno que, de outra forma, é bastante desolado.

Planeta de Lana II: Filhos da Folha (PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S, Switch 2) - 5 de março

Até agora, já vimos alguns grandes títulos triple AAA chegarem em março, então por que não fazer um pouco de limpeza de paleta e explorar o espaço indie por algumas horas? O pessoal da Wishfully está prestes a voltar com a estreia do tão aguardado Planeta de Lana II: Filhos da Folha, uma aventura marcante e colorida que mostra uma garota e seu aliado gato de aparência incomum atravessando vários biomas em busca de uma cura para a doença da irmã.

John Carpenter's Toxic Commando (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 12 de março

Monstros, caminhões, armas e ação cooperativa. Precisamos dizer mais alguma coisa para te convencer sobre Toxic Commando, de John Carpenter? Este título FPS será lançado e oferecerá uma experiência parecida com Back 4 Blood, onde um grupo de até quatro jogadores deve atravessar uma fase perigosa, completar tarefas, encontrar melhorias e tudo isso enquanto lida com hordas de monstros atacantes. Espere um caos caótico neste título de ação.

Greedfall II: O Mundo Moribundo (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 12 de março

Uma sequência que, em um sentido narrativo, é na verdade um prelúdio. Foi isso que a desenvolvedora Spiders proporcionou com Greedfall II: The Dying World, um capítulo sucessor que, após anos de melhorias no Acesso Antecipado, agora está pronto para lançamento em larga escala também nos consoles. Mais uma vez, este capítulo explora como o Império Deutano originalmente se encontrou nas margens de Uxantis e procedeu a formar uma força que restringiria e subjugaria os nativos da terra.

1348 Ex Voto (PC, PS5) - 12 de março

Se você está procurando outra representação sombria e mais autêntica da Europa medieval, deixe-nos chamar sua atenção para 1348 Ex Voto, um jogo de aventura que acompanha uma jovem cavaleira errante que parte em uma jornada brutal pela Itália para salvar a pessoa que mais ama. Não espere fantasia alta e brilhante neste título exaustivo e confuso que conta com as vozes de Jennifer English, entre outras.

Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection (PC, PS5, Xbox Series X/S, Switch 2) - 13 de março

A Capcom tem feito um trabalho admirável ao oferecer uma nova aventura de Monster Hunter a cada ano ultimamente, e seguindo Wilds de 2025, agora temos o próximo capítulo da série Stories em 2026, um jogo conhecido como Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection. Seguindo um Rathalos Rider, este RPG explora a relação que os humanos podem formar com monstros e mostra como um herói tenta evitar uma guerra civil chocante.

Crimson Desert (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 19 de março

O que originalmente era aclamado como um jogo muito ambicioso evoluiu para se tornar um dos títulos mais aguardados do ano. Pearl Abyss' Crimson Desert estreia em março e traz consigo uma aventura de RPG impressionante e imensamente ampla que acompanha um herói no reino fantástico de Pywel, habitado por homens, monstros e poderes sobrenaturais. Com o perigo a cada esquina, você terá o que é preciso para construir sua lenda e abraçar seu destino?

Screamer (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 26 de março

O pessoal da Milestone é tradicionalmente conhecido por tudo relacionado a corridas de simulação, mas também têm experiência no segmento de corridas de arcade, algo que vão mostrar ainda mais com o Screamer que está prestes a chegar. Este jogo de corrida inspirado em anime nos leva a um mundo distópico fictício onde cada personagem sai para a estrada em busca de glória ou vingança e onde cada carro é uma arma destinada à destruição.

Life is Strange: Reencontro (PC, PS5, Xbox Series X/S) - 26 de março

O capítulo mais recente da amada série de aventuras narrativas da Square Enix estreará no final de março e oferecerá uma história que buscará encerrar a saga contínua de dois de seus protagonistas mais famosos. Max Caulfield está de volta ao volante neste aguardado episódio, onde ela está acompanhada pela retornada Chloe Price, ambas tentando resolver como esta última voltou à vida de Max, enquanto caçam os culpados responsáveis por um incêndio altamente destrutivo.

Mega Man Star Force: Legacy Collection (PC, PS4, PS5, Xbox Series X/S, Switch) - 27 de março

Com tantas coleções nostálgicas de jogos chegando hoje em dia e se tornando grandes sucessos entre os fãs, pareceu natural encerrar o GTLF deste mês destacando Mega Man Star Force: Legacy Collection. Disponível para todas as plataformas, este pacote reúne os sete jogos da série Mega Man Star Force em um todo imperdível que deve saciar até mesmo os jogadores mais ávidos de arcade e retrô.

Assim conclui o GTLF deste mês. Não deixe de voltar em algumas semanas quando explorarmos o que abril de 2026 reserva para os fãs de videogames ao redor do mundo.

OutRun completa 40 anos: Classificamos os cinco melhores jogos da série

marcus@gamereactor.pt (Marcus Persson) — Fri, 27 Feb 2026 14:00:00 +0100

Ainda me lembro claramente do meu primeiro encontro com aquele carro de teste vermelho. Ele voava por estradas sinuosas em velocidades impossíveis, desviando de caminhões e carros com um estranho desprezo pela vida, e no assento ao lado do motorista mais legal do mundo estava aquela loira anônima, mas icônica, com seu cabelo pixelado esvoaçando ao vento.

O arcade de corrida ensolarado da Sega era impossível de tirar os olhos do olhar, e encontrá-lo parado em uma sala cheia de fumaça e suja a bordo de uma das balsas Trelleborg-Travemünde da TT-Line não era exatamente o que o mini-Marcus esperava. Claro, meus pais se recusaram a me dar qualquer moeda para "desperdiçar" na máquina, então tive que me contentar em ficar ali, segurando o pequeno volante de plástico duro e fingir.

Foi uma lembrança que ficou comigo por muito tempo e, na verdade, até plantou a semente que depois floresceu em um amor descarado pelas corridas de fliperama em todas as suas formas. A obra-prima de Yu Suzuki não só me mudou, mas também todo o gênero de corrida, e ao mesmo tempo conseguiu criar uma estética completamente única. Era tanto sobre a estética quanto sobre a atmosfera.

Outrun era quase legal demais para o próprio bem, lançando as bases para tudo, desde as séries Ridge Racer e Cruis'n até a cultura synthwave e o retro wave de hoje. Sim, até mesmo o gênero musical "OutRun" carrega seu nome como um monumento digital à nostalgia de cores neon, e sem o jogo, talvez nunca tivéssemos ouvido a fantástica música de Kavinsky.

Por quatro décadas, a série oscilou entre fliperamas e consoles domésticos, com resultados mistos. A estrada não foi totalmente isenta de buracos, por assim dizer, mas o coração sempre esteve no lugar certo. O sonho sempre viveu, mesmo nos períodos mais sombrios em que o futuro da Sega estava em jogo: a estrada aberta, a liberdade, a aventura e uma sensação de verão que sempre te surpreende. Então, para celebrar 40 anos de magia, aproveitamos a oportunidade para classificar os cinco melhores jogos da franquia.

5. OutRun Online Arcade (2009)

Infelizmente, acabou sendo o último jogo OutRun que teríamos na vida. Ou pelo menos até a Sega decidir dar nova vida à franquia. E mesmo que o conteúdo tenha sido um pouco reduzido em comparação com versões anteriores, e problemas de licenciamento tenham feito o jogo desaparecer das lojas digitais, a memória permanece até hoje. Porque, poxa, foi incrivelmente divertido sentar online e deslizar contra outros OutRunners felizes em busca daqueles últimos milissegundos. A alma de OutRun 2 estava intacta, completa com física arcade divertida, estradas sinuosas e paisagens passando em alta velocidade e (claro) aquela música mágica. O modo online também oferecia algo que a série nunca tinha tido antes: a oportunidade de compartilhar a viagem de carro com outros jogadores ao redor do mundo.

4. Turbo OutRun (1989)

Como você realmente cria uma sequência do que, na época, era um verdadeiro fenômeno? Com turbo, claro – mais de tudo – mais rápido, mais agressivo e com foco mais claro na competição e adrenalina. Aqui, a direção de férias foi parcialmente substituída pela corrida pura. Você compete contra rivais nas estradas dos Estados Unidos, melhora seu carro entre as fases e sente uma sensação de progressão que o original não tinha. Era quase proto-Need for Speed antes mesmo da série existir. Os puristas riram e a atmosfera relaxada sumiu, mas isso também mostrou que o conceito de OutRun ainda tinha muito espaço para crescer, e a Sega ousou testar muitas ideias novas. Hoje em dia, o jogo parece o primo rebelde e um pouco travesso da franquia. Barulhenta, rebelde e um pouco ousada, mas também igualmente fascinante e ousada – um passo importante no desenvolvimento da série, mesmo que não seja a mais icônica.

3. OutRun 2006: Costa 2 Costa (2006)

Sega e AM2 estavam em alta animação em meados dos anos 2000, e com Coast 2 Coast, não só construíram sobre o charmoso OutRun 2, como quase superaram o conteúdo. Havia muitas pistas, modos de jogo, desafios e garanhões vermelhos licenciados para desbloquear – para quem estivesse disposto a encarar o desafio. O modo Coast 2 Coast também deu ao jogo uma estrutura completamente diferente do anterior, e a variedade é algo que agrada. Era brincalhão e equilibrado, com um sistema de drift que abalava até os pilotos mais experientes, mas também oferecia muita profundidade para o veterano marcado. Muitos consideram este o jogo mais completo da série, e é fácil entender o porquê. Era o OutRun em seu auge: maior, mais bonito e mais confiante do que nunca.

2. OutRun 2 (2003)

Após dez anos de silêncio, a Sega fez o aparentemente impossível: reviveu OutRun — e realmente conseguiu superar as expectativas. OutRun 2 foi uma reinterpretação perfeita. Os gráficos eram deslumbrantes para a época, a sensação de velocidade fenomenal, e o sistema operacional novinho adicionou uma camada totalmente nova à sopa de verão. Ainda era uma viagem romântica de carro, só que atualizada para a tecnologia do século XXI. As faixas serpenteiam por estradas costeiras europeias, desertos e paisagens alpinas, tudo ao som de canções clássicas remixadas — nostálgicas, mas modernas. O mais importante, porém, foi como OutRun 2 lidou bem com o tom, e a Sega foi inteligente o suficiente para realmente abraçar o charme distinto da série, em vez de tentar uma "legalidade" cínica. O resultado foi talvez um dos jogos de corrida arcade mais amados de todos os tempos.

1. OutRun (1986)

Provavelmente nada supera aquela sensação encantadora de se acomodar em uma daquelas cabines hidráulicas. Segure aquele volante de plástico duro como pedra, insira uma moeda e acelere em direção ao horizonte pixelado. E apesar de tantos anos terem se passado, aquele carro vermelho de teste ainda brilha tão bonito quanto sempre. OutRun é videogame em sua forma mais pura. Alegria desenfreada e uma sensação de sol, liberdade e romance digital. Desde a escalonação (na época) impressionante dos sprites até aqueles tons bip. Magical Sound Shower, Passing Breeze e Splash Wave – que ainda vivem hoje e prosperam como parte do DNA que molda a estética Synthwave, indie e retrô ao redor do mundo. Quer você pense nisso ou não. OutRun não é apenas o melhor jogo da série. É uma das maiores experiências da história dos fliperamas.

Você concorda com a lista e quais são suas lembranças mais queridas de OutRun?